CYAN PUBLICA EL EP QUE VIVA ESE RUIDO: LA MÁGICA EVOLUCIÓN DE UN GRUPO QUE CADA VEZ ES MÁS GRANDE.

El potencial que en estos meses está demostrando el grupo barcelonés Cyan es sin duda digno de elogio, al igual que la Sub-21 está siendo agasajada tanto por la prensa especializada como por la que no lo es, Cyan rompe y explota con cuatro magníficas canciones, si bien, En mi Nave (una de las mejores canciones de su último larga duración Historias para no romperse) ya la conocíamos, pero que para nada desentona en este ramillete de maravillosos sonidos que a medida que se van escuchando te reclaman su atención una y otra vez como un ciclón que no tiene fin. Y como dice el refrán, que los últimos serán los primeros, en este caso nos vamos a detener en primer lugar en la versión que del tema En mi Nave hace el guitarrista del grupo Gorka Dresbaj, de la que sólo se puede decir que es exquisita, y que se comporta como una mágica desconstrucción del sonido original del que sólo queda la voz particular y enigmática del gran Javi Fernández (gran showman, mejor cantante y extraordinario músico). Para todos aquellos que busquen algo distinto a esa forma de entender la música dentro de un local de copas, discoteca, chill out, salón de casa, etc, ésta es una magnífica muestra de los ingredientes que una canción que te invite a bailar y te desplace a ese lugar cargado de múltiples imágenes y sensaciones debe tener, y esta versión es un culmen de todo ello (¡bravo Gorka!).

La versión de Salitre (uno de los clásicos de Quique González) es otra vuelta de tuerca en esa profundidad que tiene la música de Cyan, que van por la senda de los grandes de verdad. Qué difícil es hacer suya una canción que es un himno del universo del rock, del pop y de la buena música española que tiene esa extraña virtud de incendiar una y otra vez las salas de conciertos cada que el gran Quique González la toca, pero es que en esta ocasión, la voz de Javi Fernández la recoge en un precioso envoltorio que él solo se ha inventado para dejarnos boquiabiertos, con esa intensidad vocal y musical que es el contrapunto perfecto a la versión original, y que lejos de menospreciarla, la dignifica, con un potente y mágico rush final de esos que no se olvidan, sencillamente magnífico.

Y el EP se abre con la canción que le da nombre, Que viva ese ruido, una canción que atesora ese ritmo tan característico de Cyan, y que esta vez se hace más vivo, pero que está imbuido en las notas más sobresalientes de su larga duración Historias para no romperse, con claros matices de Esos Niños, Las Cenizas del Verano o la propia En mi Nave, como una muestra más del camino ascendente de Cyan, que no es otro que la mágica evolución de un grupo que cada vez es más grande.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

NUEVO VIDEOCLIP DE ELADIO Y LOS SERES QUERIDOS: EL TIEMPO FUTURO

El nuevo vídeo de Eladio y los Seres Queridos no es un homenaje a Vigo, a pesar de que sea su ciudad y la que preside todas sus imágenes, no es, ni mucho menos, una oda a su lugar de procedencia y en el que viven todos los miembros de la banda. El vídeo de El tiempo futuro es Vigo, sus calles, un retrato que huye de lo preciosista para situarse en los ángulos inexplorados de una ciudad llena de sorpresas e historias por contar, una ciudad convertida en maqueta cuyos habitantes se mueven como muñecos en un gran guiñol. Eladio y los Seres Queridos cantan al presente y a esa locura, tan humana, de mirar al futuro.

Este video ha sido dirigido por Alberto Baamonde para Zinqin Audiovisual, que lleva colaborando con el grupo desde su primer disco.

Y como decía Sabato: "escribo por no morir de pena", algo parecido a lo que le ocurre a este músico, cantautor y rebelde gallego que se llama Eladio Santos, un existencialista aunque él no lo sepa.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

GUILLERMO PÉREZ MASEDO, EXPOSICIÓN EN LA GALERÍA GEMA LLAMAZARES (GIJÓN): EL REGRESO DE UNA DE LAS FIRMES PROMESAS DE LA PINTURA ESPAÑOLA DEL S.XXI

Acercarse a la obra pictórica de Guillermo A. Pérez Masedo es hacerlo a lo que él ha denominado como no lugares y que el artista define muy bien cuando nos dice que: “siento una gran predilección por los espacios desestructurados en donde gobierna el orden de aquellos que no ha sido proyectado. Imprescindibles lugares de tránsito repletos de heridas abiertas por el hombre…” y que sirvió de presentación para su última exposición colectiva en la Galería madrileña 6más1, donde presentó cuadros que aparte de reflejarnos todavía sus inquietudes en blanco y negro, nos atraparon esa parte del corazón más inhóspita por inexplorada, con unos muelles y unas grúas que se acercaban en alguna ocasión al cuadro El perro semihundido de Goya, como animales inanimados dotados de un alma no pétrea, pero en la que también pudimos entrever esa nueva etapa donde el color empieza a ganar protagonismo.

Pero acercarse a sus cuadros, es hacerlo también a esa intensa poesía, mitad melancólica, mitad escapista de una realidad existente a la que no le prestamos atención, como hacemos con nuestras propias heridas, y él, con su magnífico trabajo, nos hace reflexionar sobre el hombre y su pasado, a través de las construcciones a las que dota de un protagonismo exultante en el que sin duda cabe el afán de la memoria. Su regreso a las galerías y a la actualidad del panorama de la pintura contemporánea española, viene acompañado del flamante Primer Premio del X Concurso Internacional de Artes Plásticas de la Universidad de Zaragoza que hace escasos días ha recibido, lo que le sirve de una magnífica carta de presentación para esta nueva aventura pictórica, que en esta ocasión, tiene su punto de partida en la Galería Gema Llamazares de Gijón (http://www.gemallamazares.com/), bajo el título de Estío 11. Una exposición colectiva que se desarrollará del 24 de junio al 30 de septiembre en la galería gijonesa, y de la que la obra de Guillermo va a formar parte, y lo hará, con esa nueva dimensión de sus cuadros algo más coloristas, donde el cielo ya no está tan encapotado y en el que los reflejos del rey sol sobre sus edificaciones, nos producen de nuevo esa convulsión que sólo nos producen las cosas bellas, esas que transitan más allá de nuestra vulgaridad cotidiana, como queriéndonos hacer partícipes, aunque sólo sea por un instante, de un universo del que también podemos ser protagonistas, y todo ello, gracias a esa sabiduría universal que sólo atesoran los grandes artistas, un don del que Guillermo A. Pérez Masedo ha sido dotado para su fortuna individual y colectiva, y que él tan bien refleja en el siguiente texto.

Guillermo Adolfo Pérez Masedo
En tierra de nadie. Exposición en Gema Llamazares
“¿Son las ciudades contemporáneas como los aeropuertos, es decir, todas iguales?”(1)
“Si un lugar puede definirse como lugar de identidad, relacional e histórico, un espacio que no puede definirse ni como espacio de identidad ni como relacional ni como histórico, definirá un no-lugar.” (2)
No me gustan, a priori, los planteamientos localistas, territoriales; cercenan la creatividad. A lo largo de todos estos últimos años me he perdido por caminos limítrofes, suburbiales, alejados de los centros urbanos, del ruido, de las luces de neón, de la gente; siempre me han interesado las grietas, las heridas, mirar entre los resquicios de lo evidente, por eso he intentado traducir en pintura las sensaciones que me ha producido visitar ciudades asoladas por la guerra, espacios deshabitados, arrabales, nuevos barrios en construcción, zonas portuarias…: el germen, la basura, el residuo, se han convertido en mi lugar de acción, y en él me encuentro cómodo – allí no tengo que dar explicaciones a nadie-. Me alimento de todos ellos, y desnutrido me siento bien, con fuerzas para afrontar cada una de las batallas. Me he olvidado ya de lo que convierte en distinta y genuina a cada una de las ciudades, y también de su perenne quietud, de su inmovilidad, y de lo particular de cada una de ellas –sus sellos, sus monumentos, sus hitos-. Al contrario de ella y de sus históricos núcleos, la periferia se presenta ante mí como un elemento dinámico – y cruelmente devastador-, que absorbe con urgencia imprevisible territorios naturales, que muta por sí misma y a su vez modifica el entorno que lo cobija, destruyendo en un inicio para posteriormente construir nuevas realidades…es allí dónde la distinción se nubla y lo propio desparece a favor de lo semejante -”no es París ni América donde hay que buscar; todo es eternamente parecido en todas partes” (3) -.

Invasivos no-lugares que ganan terreno a lo establecido de forma natural, ya sea por mar o por tierra, futuros espacios incapaces de generar historia, de generar ruinas reales, catalogadas, imperecederas –las ruinas de mis cuadros no son ruinas sino detritus fugaces, momentos instantáneos a punto de desaparecer para siempre-, eternamente incompletos, puesto que “igual que un hombre sin sombra no está completo, un lugar que no genera ruinas es un lugar incompleto”(4) , dónde la identidad es un bien escaso, que aparece en momentos determinados, puesto que “el pasajero de los no lugares sólo encuentra su identidad en el control aduanero, en el peaje o en la caja registradora” (5) … nuevos territorios, nuevas extensiones de vida propia, cada vez menos dependientes de la vida cotidiana de las ciudades, que igualan, que no distinguen, que no caracterizan. Algo concebido por la sobremodernidad en la que nos encontramos, capaz de generar “espacios que no son en sí lugares antropológicos y que, contrariamente a la modernidad baudeleriana, no integran a los lugares antiguos” (6). Y es en esos espacios circunscritos, limítrofes, donde las personas desaparecen, pero su presencia está latente en todos los rincones; existencia real, no por abundancia, sino por abandono. Su huella, el carácter destructivo que el hombre impone en muchas de sus acciones, ya sea a través de una episodio bélico o a partir de la colonización de un terreno hasta entonces ajeno a él, se magnifica en cuanto su presencia desaparece, pues su sombra inflinge aún más respeto.

Cada ciudad abandonada, cada ciudad destruida, cada zona industrial corroída por el óxido, cada nueva extensión urbana limítrofe, cada suburbio a los pies de las nuevas infraestructuras urbanas, todos ellos distintos entre sí pero globalmente iguales a todos los demás, todos ellos no-lugares, nos producen una sensación de inseguridad infinitamente superior a una ciudad superpoblada, allí “siempre estamos obligados a probar nuestra inocencia” (7) : es allí donde el pasado ha perdido su lugar, porque no existe, es allí donde se nos invita a una contemplación más introspectiva con la realidad, y es allí donde el miedo aviva nuestro sistema perceptivo, dilatando nuestros poros ante la intuición de poder absorber nuevas y desconocidas experiencias.

Referencias:
(1) Koolhaas, Rem. “La ciudad genérica”. Editorial Gustavo Gili.
(2) Augé, Marc. “Los no lugares –espacios del anonimato-”. Editorial Gedisa.
83) Van Gogh, Vincent. “Cartas a Theo”. Adriana Hidalgo editora.
(4) “Periferias.” Prólogo del catálogo de la exposición en el Centro de Arte Dos de Mayo (14/05/2009-27/09/2009).
(5) Augé, Marc. “Los no lugares –espacios del anonimato-”. Editorial Gedisa.
(6) Augé, Marc. “Los no lugares –espacios del anonimato-”. Editorial Gedisa.
(7) Augé, Marc. “Los no lugares –espacios del anonimato-”. Editorial Gedisa.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

SÓLO UNA NOCHE: EL MIEDO EN MEDIO DE UN MAR DE DUDAS

El poder de las pequeñas cosas, a veces nos transforma y convierte a nuestras vidas, apacibles y ordenadas, en un mar de dudas, que capitaneado por el miedo a perderlo todo, nos impide empezar una nueva vida gobernada por los instintos. La tentación que desemboca en las grietas del deseo y que nos lleva a los territorios donde las reglas morales en las que nos desenvolvemos diariamente nos dicen que no debemos entrar, se contraponen y juegan al peligroso juego de la atracción y del deseo sexual que no siempre desemboca en una apasionada escena de cama, porque en ocasiones sólo transita por nuestra mente, lo que no significa que nos deje indiferentes.

Sólo una noche está presentada, pensada y rodada por una mujer, y se nota. La directora y escritora de origen iraní Massy Tadjedin, debuta tras las cámaras con esta película, que de una forma pausada, y a veces casi poética, se apoya en la magnífica y envolvente banda sonora de Clint Mansell para arrollarnos con un tenue y portentoso sonido de piano que lo convierten en el auténtico corazón del film. Y es entonces, en ese poder hipnótico de una música sublime, en el que Tadjedin se recoge para mostranos esa forma tan distinta de ver las cosas que poseen las mujeres, con un buen números de escenas que si bien no llegan a ser planos secuencias, se comportan como tales, mostrándonos con suma brillantez esos pequeños detalles que gobiernan a los sentimientos humanos, con unos matices apenas imperceptibles pero terriblemente eficaces.

Ese imperceptible toque femenino, se convierte en omnipresente en la cercanía de planos y secuencias donde aparece Keira Knightley, que en su papel de Joanna, nos servirá de hilo conductor y nexo de unión a las dos historias que se desarrollan en paralelo. Una vez vista la película, parece claro que Massy Tadjedin tenía claro que Knightley iba a ser el soporte de su proyecto, porque su mirada, su pronunciada mandíbula y esa esbeltez de su figura que en ocasiones adorna con elegantes vestidos, hacen el punto de atracción principal de una historia que tiene muy buenas réplicas en el resto de los actores, con una Eva Mendes discreta en sus ademanes, pero con una gran carga sensual que la hacen irresistible, y que se adapta muy bien a la quietud de un comedido Sam Worthington (Michael) que se acopla perfectamente a esa incertidumbre que le atenaza durante toda la película, con una escena en la piscina del hotel donde el magnetismo con Eva Mendes es total, y que en esta ocasión, es acompañado de una confesión muy certera en el desarrollo de la acción. Al otro lado, Knightley y Guillaume Canet se nos presentan como contrapunto del lado más pasional y desconocido de la tentación que representan Mendes y Worthington, pues en su caso, son víctimas de una relación esporádica y nunca cerrada en la ciudad del amor, París. La sucesión de imágenes y circunstancias en las que se desenvuelven, nos llevan a ese punto donde la duda es más profunda, pues caer en los tentáculos de la pasión, en este caso, es hacerlo en la senda del amor perdido y nuevamente recuperado, y que en esta ocasión, no se puede resolver sólo con la solución final del revolcón.

La presencia de Griffin Dunne en la película, nos sirve para tener presente a esa voz de la conciencia que siempre nos acompaña y que se nos presenta en los momentos más inoportunos, para decirnos aquello que no debemos hacer. Lo que no es óbice para que unos y otros se vean atrapados por ese miedo que transita por todos ellos, a través de un mar de dudas que de una forma tan acertada por parte de Massy Tadjedin a la hora de presentarnos la historia que encierra a su film, nos deja las puertas abiertas para que cada uno extraiga las conclusiones que considere convenientes.

Crítica de Ángel Silvelo Gabriel.

ALIS EN MADRID, EL 30 DE JUNIO EN LA ORANGE CAFÉ‏

El músico jienense, Pachi García, “Alis”, nos presenta su nuevo trabajo, “Material de Disección” (BMG) en Madrid, el próximo jueves 30 de junio, en la sala Orange Café.

Para “Material de disección”, el músico ha unido fuerzas con el productor Suso Saiz (Iván Ferreiro, Los Planetas, Diego Vasallo) para envolver en el más atractivo papel canciones cuyo íntimo sabor explota desde la introspección hasta el más lujoso despliegue sonoro. “El alumno oyente” nace desde la intimidad para acabar expandiendo un exquisito universo, al igual que “Viaje en Zeppelin” o “Cancion Popular”, y es que las diez canciones (más bonus track) que componen este nuevo trabajo son pequeñas bombas de relojería que dinamitan la memoria del oyente y que no juegan con las cartas marcadas de la obviedad. Un festín sonoro al que acuden invitados como Leiva (Pereza) y Fon Román (ex Piratas), quienes aportan instrumentación a las sensacionales “Telescopio” y “Contraseñas” respectivamente (Juanjo Ordás).

El nuevo single, “Telescopio”, se puede escuchar en: http://www.megaupload.com/?d=3QXP41WX y en Spotify: Alis – Material de Disección

RESACÓN 2 ¡AHORA EN TAILANDIA!: UNA REPETICIÓN DE LA JUGADA A PEOR.

Cuando algo funciona no lo toques, y ese axioma es el que han llevado a la práctica hasta sus últimas consecuencias el equipo al completo de la segunda entrega de aquella fresca y singular Resacón en Las Vegas, y que si tan sólo nos atenemos a los resultados de taquilla en los EE.UU. (a fin y a la postre es lo único que le interesa a la industria del cine) han vuelto a dar en el clavo, lo que nos lleva a plantearnos la escasa capacidad de exigencia de un público dominado y perdido por la falta de originalidad, que ya se traga todo lo que le echen, y que a su vez, da por bueno aquello que a pesar de repetirse hasta la extenuación no nos hace replantearnos las ideas preconcebidas que tenemos antes de entrar a una sala de cine. Porque no nos engañemos, ese es el resultado final de esta fallida Resacón 2, donde lo único que cambia es el lugar donde se desarrolla la acción, pero el resto del paquete es igual al anterior, por más que sus guionistas Scot Amstrong y Craig Mazin acompañados del director y productor Todd Philips hayan tratado de hilvanar una historia donde se denota el esfuerzo que han hecho a la hora de presentarnos un sinfín de pistas que nos van llevando al desenlace final de esta película, de la que podemos decir en su contra, que ya sabíamos cómo acabaría antes de empezar, pues hasta el spoiler (álbum de fotos en los créditos) es una copia de la anterior entrega, y que en este caso también, se muestra como lo mejor de la película.

Resacón 2 no pasa de ser un ensayo para que se luzca Alan (Zach Galifanankis) con sus dotes de humor cutre y escatológico, adornado de una falta de inteligencia que en ocasiones se torna en ternura con destellos de buen cine, como es la escena de la despedida entre él y el mono. Un elenco que se completa con el guaperas Bradley Cooper en su papel de Phil (aunque en esta ocasión no resulta tan convincente), como tampoco lo es Ed Helms (Stu) a pesar de sus esfuerzos por aparentar un desquiciamiento existencial que al no ser el primero, ya no es igual, por mucho que te juegues la vida en ello. En este sentido, Todd Philips no ha querido quedarse atrás y se hace presente una vez más con esa realización a base de rápidas nubes y movimientos desenfrenados, pero que en esta ocasión no son ni tan resolutivos ni tan impactantes con respecto a su simbiosis con la parte más narrativa de la película.

Lo que todo unido, nos lleva a plantearnos, a nosotros sí, que es una pena, porque esta vez la industria del cine, ha perdido la oportunidad de demostrarnos que dentro de ella hay gente con mucho talento que es capaz de ofrecernos algo diferente, porque lo malo de este Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia! es que no deja de ser una repetición de la jugada a peor.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

ÁNGEL SILVELO GANA EL 2º PREMIO DE LA VIII EDICIÓN DEL CONCURSO DE MICRORRELATOS DE LA ASOCIACIÓN CULTURAL EL ENCIERRO 2011

Me acaban de llamar para informarme, que sobre 40 participantes, mi micro titulado Encierro al aire libre ha sido galardonado con el 2º Premio del Concurso de la Asociación Cultural el Encierro 2011 de San Sebastián de los Reyes, y que será publicado en la web http://www.el-encierro.com/ y en un libro anual conmemorativo de las Fiestas del Cristo de los Remedios de 2011. Desde aquí, dar las gracias al jurado por haber considerado que mi micro era merecedor del premio, y que me sirve de consuelo, ya que el micro que presenté al concurso de los Sanfermines no tuvo tanta suerte.

Como siempre, os dejo el micro para si os apetece lo leáis:

ENCIERRO AL AIRE LIBRE

El sol y sus rayos anaranjados, apenas iluminaban los matorrales sobre los que estaba camuflado. Esperaba la señal junto al resto de sus compañeros. No los veía, pero los sentía cerca. Oía sus entrecortadas respiraciones e intuía sus taquicardias. Evitaba pensar, para ahuyentar el miedo. Nadie sabía que estaban allí, solos, en medio del campo. Dispuestos a cumplir su último desafío, sin vallas, sin normas, en plena libertad y henchidos de gloria. Se acordó de los amigos de la peña que se negaron a participar en su alocada aventura, y visualizó perfectamente la cara de Juan, cuando le dijo, que para él, participar en este encierro al aire libre era como ser libre de nuevo. Pero ahora, tumbado en el suelo, su cándida inocencia le decía que todo era diferente. No estaba seguro del significado de esa bella palabra, pues en la tensa espera hasta la llegada de los toros, le había surgido una duda. ¿Qué era la libertad para él?, pero no supo encontrar una respuesta, y pensó que la libertad en este caso, sólo era la de los animales cornúpetas, que a buen seguro cuando los viesen surgir de la nada y correr delante de ellos como unos auténticos autómatas cargados de adrenalina, dudarían entre envestir a unos locos con camisa blanca y pañuelo rojo, o simplemente seguir las órdenes del capataz y no hacerles ni caso. De todas formas, ya quedaba poco, porque un leve temblor en el suelo le avisaba de la cercanía de los caballos y los toros. Afinó su escucha esperando la orden para levantarse y salir corriendo. No obstante, su mayor desconsuelo era que todavía no era consciente de lo que hacía allí, y mirando de reojo a sus pies, vio que tenía suelto uno de los cordones de sus zapatillas. Sin embargo, todo sucedió tan rápido, que no le dio tiempo a preocuparse por este nuevo imprevisto, porque su amigo Julián, bajándose de su potente Land Rover, les dijo a voz en grito que se levantaran, que todo se había suspendido. El Alcalde se había enterado de su encierro ilegal al aire libre, y le acababa de decir que lo había prohibido terminantemente avisando a la Guardia Civil para que tomara cartas en el asunto. Pero a él no le importó, porque ya sabía de antemano que la libertad tenía un precio, por eso, sin dudarlo, se levantó y comenzó a correr como tenía previsto, mientras el resto de sus compañeros se le quedaban mirando sin comprender todavía qué hacía.

Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

AMARAL: NUEVO DISCO Y GIRA

Amaral presentó ayer lunes 21 de junio en la Sala el Sol de Madrid, Hacia lo Salvaje, su último álbum, y primero que editan bajo su propio sello discográfico, al que han llamado Antártida. El grupo aragonés, interpretó en acústico dos temas nuevos "Hacia lo Salvaje" y "Antártida" a los que han dotado de un sonido más duro y agresivo.

El disco que contendrá doce canciones, está siendo producido por Juan de Dios Martín y Amaral en los estudios O Gato Negro de Madrid. Las mezclas correrán a cargo de Michael Brauer en Electric Lady y será masterizado por Greg Calbi en Sterling Sound, ambos en Nueva York.

Hacia lo Salvaje verá la luz el próximo mes de septiembre y Amaral tiene prevista una gira de presentación que pasará por más de 30 ciudades de toda la geografía española, que comenzará el 6 de octubre en Zaragoza, con el nombre que da título al disco (Antártida).

Antes de comenzar esta gira, el grupo tiene previsto actuar el 20 de julio en el Big Festival de Biarritz (Francia) junto a Moby y Cristal Fighters y el 14 de agosto en el Festival Sonorama de Aranda de Duero. Además, participará los días 2 y 3 de septiembre en el Festival Salvador Dali Canta, que tendrá lugar en Figueres (Girona).

JULIO DE LA ROSA: PREMIO DEL PÚBLICO EN LOS PREMIOS DE LA MUSICA INDEPENDIENTE 2011

Julio de la Rosa recibió ayer el Premio del Público Radio 3 en la tercera edición de los Premios de la Música Independiente por su disco La herida universal, publicado por Ernie Records y King of Patio en 2010. En la entrega de premios, que tuvo lugar ayer lunes en Casa América en Madrid, Julio agradeció el apoyo del público, y anunció que entregará el trofeo a quien le pertenece: lo sorteará a través de su facebook entre los muchos seguidores que le han votado.

III CERTAMEN INTERNACIONAL DE MICRORRELATOS DE SAN FERMÍN

En primer lugar, enhorabuena a los premiados de un certamen que cada vez tiene más participantes, y como dicen los pamplonicas ¡Viva San Fermín!

Por mi parte, este es el micro que presenté al concurso, y que para variar, no ha tenido mucha suerte.

¡Hasta la próxima Sanfermín!

DIARIO DE UN SANFERMINERO
Uno de enero: pido un deseo. Dos de febrero: imploro a San Fermín. Tres de marzo: releo Fiesta, de Hemingway. Cuatro de abril: revivo la fiesta con los amigos de la peña. Cinco de mayo: renuevo el pañuelo rojo y la camisa blanca. Seis de junio: a las doce txupinazo y pañuelo rojo al cuello, aunque no oigo ¡pamploneses, viva San Fermín, Gora San Fermín!; a la tarde, milagrosamente sereno, acudo al Riau Riau antes de ir a la plaza. Siete de julio: rezo al santo en el tramo de Santo Domingo y luego corro el encierro lleno de júbilo, compartiendo miedos y hazañas; a las diez procesión, donde escucho un momentico. Ocho de julio: todo se empieza a volver de color rojo. Nueve de julio: hacemos el concurso de Miss camiseta mojada en la plaza. Diez de julio: mis labios recogen un beso furtivo, y rememoro la leyenda de las suecas. Once de julio: no me acuerdo de lo que hice ayer. Doce de julio: misteriosamente seco. Trece de julio: agotado. Catorce de julio: triste y nervioso entono el pobre de mí con mi vela en la mano. Quince de julio: corro el encierro de la villavesa.
Uno de enero: pido un deseo…

Microrrelato de Ángel Silvelo Gabriel

EN MI NAVE, NUEVO VIDEOCLIP DE CYAN

Después de presentarnos Turistas Heridos, su primer sencillo, Cyan vuelve con “En mi Nave”, un tema cargado de nostalgia que se ve reflejada en la estética elegante y austera de su nuevo video-clip.

La sobriedad de las imágenes rodadas en color casi inapreciable, junto al contraste que se crea entre la luz y el blanco general que envuelve el escenario, con la apariencia oscura y difuminada de la banda, hacen de En mi Nave un vídeo en el que imagen y música se enlazan y complementan con delicadeza.

Tras la intensa gira que les ha llevado por todo el territorio nacional, Cyan se presenta de nuevo como una banda que potencia su directo, lejos de enredos y grandes artificios.

La dirección ha corrido a cargo de Israel L. Escudero, y el trabajo fotográfico ha sido de nuevo tarea de Alex Font, dos personas con las que la banda ya ha trabajado anteriormente.

LLOYD COLE PRESENTA SU NUEVO DISCO EN ESPAÑA: CARTAGENA, MADRID, GIRONA Y SAN SEBASTIÁN // 18 AL 22 DE JULIO‏

Lloyd Cole Small Ensemble, el representante del pop más inteligente de los años 80 vuelve a España para presentarnos su nuevo disco Broken Record (su obra maestra en directo y que representa la cima de su madurez).

Broken Record, Gria española, Julio 2011
Lunes, 18 julio - Cartagena
La Mar de Músicas - http://www.lamardemusicas.com/
Entradas: www.ticketmaster.es

Martes, 19 julio – Madrid
Veranos de la Villa de Madrid
Auditorio Conde Duque
22:00h
www.veranosdelavilla.com
Entradas: www.entradas.com

Jueves, 21 julio – Sant Feliú de Guixols (Girona)
Festival Portaferrada - www.guixols.cat/portaferrada-2010/
Entradas: www.servicaixa.com / www.telentrada.com

Viernes, 22 julio – San Sebastián
Heineken Jazzaldia - www.heinekenjazzaldia.com
Entradas: www.generaltickets.com

Algunos críticos han dicho acerca de "Broken Record" (Tapete Records/Green UFOS)

“Honestidad, ese intrumento invisible que hace tan buenos discos como este”
Rafa Cervera, El País (España)

“Siempre sublime”
Mondosonoro (España)

“Expléndido este "Broken Record"... un clásico, eso es lo que es".”
Rockdelux (España)

"Lloyd Cole regresa con su mejor álbum de los últimos tiempos."

Ángel Silvelo, Civinova (España)

EL RED BULL TOUR BUS CELEBRA EL DÍA DE LA MÚSICA CON ROTOTOM SUNSPLASH

El Red Bull Tour Bus celebra el Día Europeo de la Música con música en directo de la mano del festival Rototom Sunsplash. Será el martes 21 de junio en Madrid y, al igual que la próxima edición del festival de Benicàssim, esta celebración será un homenaje a la leyenda del reggae Bob Marley, cuando se acaba de cumplir el 30 aniversario de su muerte.

El Red Bull Tour Bus desplegará su escenario en Parque Casino de la Reina (Madrid) dando comienzo a los conciertos a las 20:00h y de manera gratuita para el público. Los primeros en subirse al escenario serán Microguagua, quienes nos ofrecerán su particular mediterranean reggae-dub. A continuación serán los madrileños Tasty Grooves quienes nos traerán su fusión del reggae con el Soul. El encargado de cerrar la jornada será Bushman; el músico jamaicano es uno de los artistas de su generación roots más reconocidos internacionalmente.

La celebración del Día Europeo de la Música será el tercer encuentro del Red Bull Tour Bus con la música en directo en 2011, tras su paso por el festival SOS 4.8 y el festival San Miguel Primavera Sound. Su escenario seguirá recibiendo las actuaciones de bandas noveles y consolidadas hasta octubre de 2011, y con ello amplía el número de paradas y de sesiones de música en directo respecto a la experiencia de 2010, cuando el Red Bull Tour Bus comenzó su ruta en España.

Programación del Red Bull Tour Bus – Rototom Sunsplash
Día Europeo de la Música, martes 21 de junio, Parque Casino de la Reina. Madrid

Todos los conciertos son gratuitos

20:00h Microguagua
21:15h Tasty Grooves
22:30h Bushman

Para seguir al Red Bull Tour Bus kilómetro a kilómetro y parada a parada, puedes consultar la web http://www.redbulltourbus.es/ , el Facebook http://www.facebook.com/ /redbulltourbusspain y el
Twitter http://twitter.com/rbtbspain

HANNA: UNA CAPERUCITA QUE DISPARA A MATAR.

La película comienza como acaba, con un impactante disparo en forma de cartel, con las letras de Hanna en blanco sobre un fondo rojo, y tan distorsionadas en su altura, que parece que la sangre se escurre por ellas. Detrás de esa primera imagen, se esconden los ojos fríos y profundos de Saoirse Ronan, una caperucita entrenada para matar, que protagoniza un film de acción que quiere ser algo más, pero que sólo se queda en el intento, a pesar de la potente música de The Chemical Brothers, o esa forma de rodar de Joe Wright, que intenta meternos en el interior de los personajes con unos primerísimos y abusivos a veces primeros planos, a los que fusiona con una reproducción de la respiración (sobre todo de la protagonista) con la que intenta meternos dentro de su piel, algo difícil de conseguir, porque en el caso de Hanna (Saoirse Ronan), su personaje se muestra fría, calculadora y siempre en tensión durante toda la película, en la que se pasa la mayor parte del tiempo inmersa en acciones de pura acción (a veces distorsionadas con giros de cámara imposibles) o corriendo, en un perfecto símil de huida al estilo caperucita roja, pero esta vez, disparando a matar. Esta fácil comparación con el cuento infantil, se refuerza estéticamente, por la gran cantidad de imágenes donde Hanna sale con su cabeza protegida por atuendos o gorros, de los que apenas salen unos mechones de pelo rubio, dando todo el protagonismo a sus ojos azules, pero que sin embargo, cuando Wright nos la muestra con una vestimenta donde podemos apreciar su fisonomía y unas líneas de expresión más generales, desprende unas increíbles similitudes con la joven Cate Blanchett, que a modo de boomerang maligno, es la Bruja de la película, pero que se encuentra tan perfectamente difuminada tras un pelo color caoba y unas líneas de expresión y un vestuario tan uniformes y despersonalizados, que la hacen difícilmente identificable, a no ser por sus magníficos ojos azules, que juegan maravillosamente al engaño con los de la joven protagonista.

Hanna quiere ser ese cuento protagonizado por un ángel, al que dotan de un recogimiento casi navideño al inicio de la película en la cabaña del bosque donde vive Saoirse Ronan con su padre (Eric Bana), pero enseguida se convierte en un film donde los productores han buscado una inacabable sucesión de escenas de acción, al que también se le podría buscar su parcela de similitud con la serie televisiva Nikita, es decir, nada nuevo bajo el sol. Menos mal, que nos queda el consuelo de las interpretaciones de la joven dinámica y cada vez más sorprendente Saoirse Ronan, y la de esa señora de la interpretación llamada Cate Blanchett, a lo que también podríamos añadir algunos momentos musicales a cargo de The Chemical Brothers.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

FERIA DEL LIBRO DE MADRID 2011: SOL, MOSCAS Y LEOPOLDO PANERO.

Como cada año, la Feria del Libro de Madrid, concita a un gran número de personas a lo largo de las más de trescientas casetas instaladas en el Paseo de Coches del Retiro. Amén de la crisis, la mayoría de los allí congregados, son curiosos que acarrean bolsas de papel cargadas con mil y un folletos o catálogos de editoriales, que más pronto que tarde y una vez escudriñados en la intimidad del sofá del salón, acabarán mansamente depositados en algún contenedor de papel, a la espera que algún necesitado vaya a sacarlos de donde han sido depositados y así adelantarse a la cadena de reciclaje oficial, y con ello, sacarse algún euro extra que le permita llegar a fin de mes, más allá de la insuficiente beneficencia oficial. Otros sin embargo, acapararán su interés en descubrir caras conocidas detrás de las casetas y los carteles que anuncian la firma de este a aquel escritor o de esta o aquella autora. Todo ello, bien servido de carritos de niños, carritos de helados y casetas donde poder hacer un pis si la incontinencia nos ataca durante el paseo.

Como digo, el buen tiempo de estos últimos días, ha beneficiado la multi asistencia de público a la Feria, que finalmente ha podido maquillar sus resultados y sólo ha perdido un 4% en números redondos respecto a la recaudación del año pasado, todo un éxito para los organizadores y libreros. Pero más allá de números y curiosos, el otro día al pasear al tórrido sol del mes de junio madrileño en una apacible mañana de domingo, me quedé pensado que la Feria del Libro se parecía bastante a la Feria de San Isidro, donde sobre todo reinan el sol y las moscas. En una y otra Feria, abundan los curiosos que no son más que meros espectadores de lo que allí les ofrecen, es verdad que mientras los unos buscan ganaderías y toros, los otros se afanan en mirar esta o aquella editorial; o cuando unos se acercan a ver a un torero, otros lo hacen para ver a su escritor/a favorito/a. En este sentido, el Paseo de Coches del Retiro, se comporta como un lugar magnífico donde dejarse ver, como lo son a sí mismo, los tendidos del coso venteño; y cuyo último punto en común es la decepción al acabar el espectáculo.

Esa es la sensación con la que uno se queda al acabar el cansino recorrido de la Feria del Libro, ¿y ahora qué? nos preguntamos, pues parece que ahora nada, porque más que cultura, aquello es un mero mercadeo, donde los pacientes libros repletos de mil y una historias, descansan sobre su respectivos estantes para que alguien los compre y luego los lea, pero que a medida que uno avanza por las casetas, poco a poco se va quedando noqueado ante tanto título y tanto autor. Tanto es así, que se te quitan las ganas de escoger tan siquiera uno, porque cada vez más, proliferan títulos que poco o nada tienen que ver con lo que uno entiende por literatura. Otro tanto ocurre, cuando paseando caseta tras caseta, uno observa los nombres de las personas que firman, y enseguida nos damos cuenta que donde se proyectan las colas más largas, es en aquellos lugares donde firman periodistas de la tele que escriben, famosos de la tele que escriben, tertulianos de la tele que escriben, deportistas a los que le han escrito un libro, algún concejal despistado que nos brinda su última versión de la crisis, o por qué no, directores del libro municipal del ayuntamiento correspondiente, amén por supuesto, de los escritores especializados en crear best-seller, lo que como digo, aleja más que aproxima la idea que uno tiene de lo que es la literatura.

Menos mal que en medio de todo ese mare magnum, uno aún encuentra un poco de consuelo, cuando todavía ve algún nombre de autor conocido entre los libros depositados en las estanterías y mostradores, y reconoce a Kafka, Zweig, o cómo no, a Vargas Llosa, pero se queda pensando, dónde estarán Camus, Proust o Sabato. Hasta que cuando uno se cree que todo está perdido, se topa con Leopoldo María Panero y su mirada perdida detrás de la caseta, donde roba algo de tiempo a su firma, con la excusa de fumarse un cigarrito y dar un respiro a su maltrecha exposición pública. Con firma o sin firma, Panero apenas articula palabras ininteligibles, y también con una ininteligible letra, dedica uno de sus magníficos libros de poemas, adornándolo todo con una sonrisa perdida que ya sólo entienden los que como él, pertenecen al mundo de los sabios locos. Su impactante mirada y su angelical sonrisa, me hacen pensar cuando abandono el Retiro de Madrid y su Feria del Libro, que sí, que perfectamente se puede asociar al mundo de los toros y su famoso binomio de sol y moscas, pero también pienso, que la Feria es un solitario Leopoldo María Panero, y su recuerdo, me hace creer y confiar en la literatura con mayúsculas, la que hoy y como siempre, se protagoniza lejos del ruido mediático de una sociedad demasiado bulliciosa, antítesis de la soledad que persigue y se apodera de los creadores.

Poema de Leopoldo María Panero incluido en la Antología Esencial, titulada Sobre la tumba del poema, y editado por Huerga y Fierro Editores.

CABALGANDO sobre el filo de un verso
y a lomos de un tigre
para saber que nada puede el hombre
y que estoy solo frente a la nada
del hombre,
del hombre miserable que es el único que existe
y mañana sobre la vida escupiré otra vez
con el poema, como el tañido
del verso o la heroicidad del lobo.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

CONCIERTO DE NUDOZURDO EN LA SALA ROCKITCHEN DE MADRID: CONSTRUCTORES DE ATMÓSFERAS MARAVILLOSAMENTE ENVOLVENTES E HIPNÓTICAS.

Las sensaciones que la música de Nudozurdo te produce nada más escucharles, son una perfecta fusión de estadios sonoros que tienen la maravillosa capacidad de construir atmósferas que una y otra vez te desplazan hacia ese lado más sensitivo y oníricamente destructivo, donde poder expresar libremente esa versión hedonista y bella de la derrota, en el caso que uno sea un acérrimo aliado de esa dualidad estética y sensorial. Etiquetas aparte, ese estudiado y premeditado distanciamiento verbal entre Nudozurdo y su público (no se dirigieron a los asistentes en toda la noche) se torna en una apasionada cercanía cuando comienzan a tocar y crean sonidos plenos de una oscuridad enigmática y viajera, porque su propuesta musical se comporta como un plácido y enigmático viaje por tierras profundas, esas que no transitamos en nuestra vida normal, convirtiendo a su música en falsos espejismos que al terminar nos depositan en una nueva crónica de flashes apagados.

Esa crónica viajera, comenzó con Viaje hacia Minsk, un claro ejemplo de ecos evanescentes que se propagaban en medio de las oscuras sensaciones a las que Leopoldo Mateos (voz y guitarra) nos invitaba, y que planeaban como una intensa niebla sobre el escenario para ir a depositarse sobre el público, y que no se marcharon cuando iniciaron Golden Gotelé en una clara demostración de un sonido portentoso, ese que atesoraban las grandes bandas de principio de los años ochenta, porque como si un caleidoscopio musical se tratara, el setlist que anoche eligió Nudozurdo, se compuso de un perfecto equilibrio entre el pop español sucio y vibrante de inicios de los ochenta (una voz descarada a lo Eduardo Benavente de Parálisis Permanente, y un sonido post-punk cercano a los primeros Golpes Bajos); una buena ración del post-punk colindante con Joy División, y esa otra parcela que tan bien atesoran Nudozurdo a medio camino entre el post-rock alemán de los setenta y de las grandes bandas de inicios de los ochenta con ecos transparentes de The Edge en la guitarra de un más que sobresaliente César de Mosteyrín, pero que en Culpas Perfectas, nos retrotrajo aún más en el tiempo, llevándonos hasta un dúo de guitarras estilo The Shadows, cuando se lanzaron a perseguir ese reflejo que es capaz de desnudarnos ante una melodía que transita entre las líneas que nos dejan las marcas de guerra.

Kamikaze fue un disparo directo a la línea de flotación de nuestros sentidos, traspasando los límites de la realidad para situarnos en el terreno de los sueños. Una herida que se transformó en desgarro en Prometo Hacerte Daño, que fue el inicio de un ataque al que el público asistente respondió con aplausos y otras muestras de agradecimiento en Ha sido divertido, coreando en las primeras filas el estribillo: “lo siento, es lo único que puedo decir”. Un efecto que lejos de difuminarse se convierte en una magnífica desintegración sonora en Ganar o Perder, con una intensidad controlada, y plena de instantes perfectos (“en tus labios hay una flor”) acompañada de una progresión-regresión instrumental que nos acuna los oídos, y que sigue a flote en Prueba Error y No me Toquéis, para volverse en puro integrismo en Dosis Modernas, donde baja el ritmo pero no la intensidad, convirtiéndose en una canción donde la guitarra de César nos invita una y otra vez a seguirla con esas dosis de hipnosis profundas en las que caemos rendidos, y que se resuelven en dos de los puntos álgidos de la noche y fin del concierto, Dentro de Él (con una trepidante melodía que busca darnos aquello que nos hace falta), y El Hijo de Dios (donde siguen las coordenadas ochenteras con un intenso ritmo medio que en algunos pasajes nos llega a recordar a los Talking Heads y su mediático David Byrne en la forma de cantar la canción).

Paroxismos aparte, el bis nos atraviesa los sentidos en forma de pop, con melodías imposibles de parar, que se amparan en esa forma tan particular como espectacular de tocar la guitarra de César, que en Mil Espejos se convierte en una mágica melodía, plena de luz y que desborda los sentimientos de sus fans, que caen derrotados ante la batalla sonora que Nudozurdo les ha planteado, en una magistral secuencia de sonidos atmosféricos, envolventes y arrebatadores, que funden en Negativo con una aceleración eléctrica trepidante, lo que se convierte en un grito de guerra con el que acaba el concierto, donde la pulcritud ejecutora y constructiva de emociones, estadios e imágenes de Nudozurdo sale victoriosa.

Crónica de Ángel Silvelo Gabriel

LOS ÚLTIMOS BAÑISTAS ESTRENAN VIDEOCLIP: NADIA

LOS ULTIMOS BAÑISTAS. Nadia from Ernie Producciones on Vimeo.

El grupo Los Últimos Bañistas estrena videoclip. Nadia es el tema elegido de entre los diez que forman parte de su debut discográfico para presentarse ante el público.

De sobra conocidos por sus directos de calidad, poco a poco el grupo se va posicionando y cosechando críticas muy positivas con este gran trabajo que salió a la venta el 07 de Junio.

El vídeo que ha sido dirigido por Javi Castillo y Kike Costas y producido por Carlos Ochoa, se sumerge de lleno en el amor, la soledad y el desengaño de la mano de la actuación de Jon Hernandez y Paula Guerrero.

LA MIRADA DE LA DAMA DEL ARMIÑO BUSCA LA LUZ

La mirada de La dama del armiño busca la luz. Lo hace serena y segura de sí misma, desvelando las encrucijadas de su destino. Un periplo que la ha llevado por media Europa a lo largo de su vida, alternando oscuros sótanos con luminosas salas de exposiciones. A pesar de todo, no quiere parecer desagradecida, sobre todo, porque Leonardo la ha elegido a ella y a su mirada para inmortalizarla sobre un fondo oscuro que oculta una ventana falsa, porque la única ventana cierta es hacia la que ella mira. Hacia una luz infinita, como la serenidad de su rostro y la pulcritud de su alma. No importa que sea la amante de Ludovico el Moro, ella sólo cumple con el obligado lecho renacentista imperante en la época. Porque ella está por encima de las modas y del tiempo. Su inteligencia la expresa a través de la literatura y la música, pero la inmortalizó a través de su mirada, tranquila y enigmática, recogiendo la curiosidad de su mascota, un armiño que está cómodo en brazos de su ama, más allá de la simbología de la orden militar a la que pertenecía su dueño, y muy cerca del apellido de ella, Cecilia Gallerani.

Cecilia (La dama del armiño) nos acoge en el seno de la belleza equilibrada, donde la pasión y la inteligencia se unen en un enigmático viaje al que Leonardo da Vinci no le puso límite, pero sí le dotó de la deidad de la eternidad en forma de pintura, en un formato pequeño para no descifrar la ecuación de su pureza, que sólo confesó a su amante Ludovico, porque a través de su mirada parece decirnos que pronto será madre, y nos invita a ser testigos de su maternidad con una mirada que aparte de sensualidad nos transmite el recogimiento que precede a los amantes, víctimas de un enamoramiento pertinaz y ensimismado.

Cecilia viene a vernos, y estará en el Palacio Real de Madrid hasta el 4 de septiembre, después seguirá con su penúltimo periplo por Berlín y Londres hasta volver a su casa de acogida en el Museo Czartoryski de Cracovia, desde donde una vez más, mirará a través de su ventana, y lo hará hacia ese lugar donde pasó a la Historia de la Humanidad, en una época donde la dimensión del mundo era el Hombre, y en la que ella se buscó a sí misma en una suerte de batallas interiores que finalmente la llevaron a indagar más allá de los límites de su existencia, porque hubo un momento en el que ella se dio cuenta que sus fronteras estaban más allá de las líneas de su cuerpo. Cuando fue consciente de ello, Cecilia se convirtió en La dama del armiño y fue en busca de la luz.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel

RUBÉN BLADES EN VERANOS DE LA VILLA DE MADRID // MARTES, 12 DE JULIO // ESCENARIO PUERTA DEL ÁNGEL‏

Dueño de una gran capacidad y recursos literarios para componer, Blades, “El poeta de la salsa”, es autor de canciones de alto contenido crítico y social y está considerado uno de los más grandes exponentes de este género.

En Todos Vuelven, Rubén Blades hace un repaso por su carrera musical, celebra el aniversario de la salida del mítico disco Buscando América - que lo catapultó a la fama - y se reencuentra con su público después de varios años alejado por sus compromisos políticos como ministro de turismo de su país, Panamá. Pero ahora, Rubén Blades vuelve a la actualidad, porque estará tocando en Madrid (dentro de la programación de Los Veranos de la Villa), junto a la Orquesta de Roberto Delgado y dentro de su gira europea 2011 Todos Vuelven el Martes, 12 de julio a las 21.30h en el Escenario Puerta del Ángel.

Entradas a la venta ya: www.entradas.com

Precios: Zona de a pie: 28 euros; Grada de platea: 43 euros; Zona A: 40 euros; Zona B: 35 euros; Zona C: 30 euros; Silla de ruedas: 28 euros

Fechas de gira TODOS VUELVEN en España
Martes, 12 de julio – Madrid (Veranos de la Villa)
Jueves, 14 de julio – Festival Pirineos Sur
Viernes, 15 de julio – Festival de Jazz de Vitoria

FUEL FANDANGO LLEVAN SU DIRECTO A MADRID

Tras el Sold Out que consiguieron el pasado mes de febrero en la sala Caracol, vuelven a Madrid para encontrarse con sus fans y celebrar con un espectacular directo la reedición de su primer disco "FUEL FANDANGO", que será publicado por Warner Music.

Fecha: Viernes 10 de junio.

* Horarios: Apertura de puertas: 20.30h. Concierto: 21.30h.

* Precios: Anticipada: 13€ + gastos distribución. Taquilla: 17€. *** ¡Todas las entradas incluyen una copa!

* Puntos de venta: Codetickets: http://www.codetickets.com/fuel-fandango/es/fuelfandango.com/12/ y Ticketmaster: www.ticketmaster.es 902 15 00 25, Abac Madrid Sur, Carrefour, Escridiscos, FNAC, Halcón Viajes, Teatro Häagen Dazs Calderón, Tipo Montera, Venta Grupos Szena, Viajes Amaia y Teatro Lara.

CONCIERTO DE MAGNÉTICA EN LA SALA CHARADA DE MADRID: A LA BÚSQUEDA DE LAS MUSAS PERDIDAS EN EL SOHO

Esa sensación de búsqueda inocente que también retrata Magnética en el texto de la carta (animo a leerla) que se inserta con el cuadernillo que acompaña a las letras de sus canciones en su último disco Maida Vale, no nos es desconocido para aquellos que hemos tenido la suerte de ser víctimas de ese magnetismo imanente de los sorprendentes canales londinenses (uno lo hizo en el barrio de Wapping), que si no fuera por la tenue luz que los acompaña la mayoría de los días, nos haría pensar que nos encontramos en un refugio veneciano, libre de miradas ajenas. Esta enigmática sensación de atracción, es la que se sumerge en las letras de Magnética que buscan y buscan sin cesar esa musa con la que todos los artistas sueñan, y que cuando la tienen delante, no se dan cuenta que es a ella a quien están buscando (lo que simbolizan muy bien en su canción Pez de Plomo).

Pero miedos, ensoñaciones y anhelos aparte, ayer Magnética se despidieron de sus fans con el concierto de la Sala Charada, para ponerse a trabajar en el que será su nuevo álbum, del que también nos adelantaron algunas canciones, de las que podemos decir, que casi todas, siguen el mismo camino que las que componen Maida Vale. Más allá de esta apreciación, en lo primero que caímos nada más empezar el concierto, fue en el sonido contundente y abigarrado con el que atacan muchas de sus canciones, lo que les lleva a dejarlas sin apenas brillo. Compactas, sí, pero demasiado homogéneas unas con otras. Sirva como ejemplo de lo dicho, el inicio del concierto con temas como Autocontrol y Dodo (tema nuevo) en los que se advierte un gran portagonismo del batería con una forma de tocar que borda el estilo más clásico. Lo que nos hace destacar Boomerang, porque se inicia con unas buenas notas de la guitarra que juega con la voz del cantante hasta que la batería rompe ese dúo, convirtiéndola en una canción de medio tiempo generadora de imágenes y recuerdos, una cualidad que toda buena canción debe tener, y que en este caso, tiene continuidad en Panic Attack que nos arranca de las profundidades sonoras de Magnética para liberarnos de su aprisionamiento a través de las voces de Davile y Aksel. Un pop sólido de guitarras aguerridas y temática femenina que sigue en Mensajera, y que en Seale (canción nueva) rompe de alguna manera hacia arriba desde el principio, con un punteo de guitarra que late tras la voz del cantante, incitando a las guitarras a entablar un diálogo claro e intenso, que hacen que esta canción destaque sobre el resto.

Walkiria con sus referencias londinenses y No digas No, donde el sonido de la batería suaviza al resto de los intrumentos (lo que nos permite apreciar mejor su melodía) sirven a Magnética para llegar a Pez de Plomo (su single) que al contratio que casi todas las canciones que escuchamos ayer, tiene un pulso de tensión más comedido respecto al disco, lo que la mejora, y que nos remite al momento minimalista de la noche con Algo Pendiente, que se convierte en un falso reflejo, porque Es una Fiesta supone la vuelta a la maxi energía guitarrera del grupo en la que apenas somos capaces de sacarle algún matiz que no sea el de la fuerza. Menos mal, que en Enérgica, el pop de Magnética se hace menos presente en el sonido, pero más permanente en el recuerdo, a lo que sin duda contribuyen las mejores notas de sus guitarras, que también se unen a esa necesidad de permanencia. La Chica Magnética ejerce de cierre del concierto, y para nuestra suerte, lo hace con esa continuidad de sonidos evocadores de nuestros recuerdos, consiguiendo que se quede en ellos y en uno de esos canales que desangran mínimamente al Támesis, para permanecer en un lugar muy profundo de nuestra memoria.

El bis comienza con Terapia Tridimensional (un tema nuevo), que se inicia como casi todas las canciones del grupo, con una batería que irrumpe y a la que se unen las guitarras, pero en esta ocasión lo hacen de una forma más tenue, y que en Anagrama se convierte en guitarras que se desplazan hacia un sonido más típicamente indie, que funden con Doctor Profesor, una canción que contiene una melodía mucho más sugerente y que acaba comportándose como un arrebato instrumental con matices diferentes a lo escuchado el resto de la noche, y que deja sitio a la aclamada Insignificante, una pegadiza canción poop que encandila al público, y que sirve para cerrar el concierto.

Crónica de Ángel Silvelo Gabriel

CONCIERTO PRESENTACIÓN DE DAN MATHEWS EN LA SALA ORANGE DE MADRID: BAJO EL PUENTE DE LAS BUENAS VIBRACIONES MUSICALES.

Las buenas vibraciones musicales que la música de Dan Mathews te produce nada más ponerte a escucharla, ayer se dejaban traslucir en la sonrisa sincera y serena que tuvo durante todo el concierto. Cercanía en su verbo, sencillez en la puesta en escena, buen rollo general por parte de músicos y público, y sobre todo, buena música. Esos fueron los ingredientes que ayer pudimos observar encima del generoso escenario de una remozada y atractiva Sala Orange de Madrid. Dan Mathews se limitó, en este concierto, a presentarnos los temas de su Do it All, salvo una propina en formato acústico en el bis, lo que nos demuestra la seguridad de este músico medio inglés, medio español, que ayer sedujo sin ambages a los allí presentes, con un uniforme y directo rasguño de las cuerdas de sus guitarra, de las que Dan es capaz de extraer el alma de una música que sale del corazón. En nuestro país no estamos acostumbrados a saborear música de autor como la que Dan compone, porque en ella, busca las raíces del soul, el blues, el pop, o el rock californiano de los ochenta, a la que incluso le añade unos toques jazzies. Todo ello, en una mezcla de sonidos a los que hace propios, y que nos dan un resultado más que notable. Lo que nos lleva a plantearnos una vez más el mismo interrogante, ¿dónde está toda esa gente que presume de disfrutar con la música? Es una lástima que en esta ocasión, como en tantas otras, a lo largo de este año, los furiosos y fervorosos indies patrios, se concentren única y exclusivamente en la masificación de los Festivales para hacerse ver, cuando muy cerquita de sus casa tienen muestras de buena música sin aglomeraciones.

Under the Bridge fue el inicio de este idilio con la buena música, bajo un puente de ritmos tranquilos con claros toques del rock californiano más clásico, y que el punteo de un gran guitarrista como es Carlos Otero (¡qué gran descubrimiento!) convirtió a We Stay for a While en un ejemplo de los grandes ritmos sonoros de un medio tiempo intenso y preciso que contiene este primer trabajo de Dan Mathews. Un preludio de la liturgia sonora que adornó con unas gotitas de blues en Lopsided, donde al final del tema se produjo el primer reflejo a lo Twin Peaks (matiz profundamente americano más allá de David Lynch), donde ahora sí, la herrumbrosa voz de Dan nos mece los sueños musicales por primera vez, y le permite presentarnos el disco como: “el colofón de un viaje muy largo”, y que le sirve para tocar Do it All (tema homónimo del disco). Una canción, que se comporta como un homenaje a todos los músicos de su banda, que tras la guitarra acústica de Dan, se funden en un manto protector de ese tipo de country-rock que Dan Mathews tan bien interpreta, y que una vez más, su guitarra funde con Giving it to You, que se inicia con un potente bajo que se regenera en una melodía impulsiva de retazos clásicos, donde los recuerdos a tiempos pasados recalan en nuestros oídos.

Letting Go nos lleva hasta la potencia onírica del oeste americano y nos deja arrinconados en una cuneta a la espera que alguien llegue a recogernos. En esa tensa espera, las guitarras de Dan y Carlos, vienen a rescatarnos y nos invitan a subirnos en un viaje pleno de blues y folk, que de nuevo acaba en un eco de Twin Peaks. Con See the Lights, Dan aprovecha para dar las gracias a Manuel Colmenero (el productor del disco) y a los músicos que han intervenido en él (alguno de ellos estaban presentes en el concierto), y apenas sin apearnos de ese vehículo musical que ayer nos propuso Dan Mathews, seguimos inmersos en sonidos de ese rock californiano que deja las palmeras fuera del local de ensayo, para resurgir en los intensos medios tiempos apoyados por el pulso de Carlos Otero, que consiguen llevarnos a una luminosa senda repleta de de reflejos sonoros muy convincentes. What do I Really Want comienza con ese suave deslizamiento de los dedos de Dan por las cuerdas de su guitarra, incitando al público a que se arranque a cantar, hasta que en un impulso, el resto de la banda le sigue para exponernos el sonido más genuinamente comercial del disco, que para nada hace resentir la calidad de su música, y que Dan con el gesto de su cara, parece decirnos que estamos en lo cierto (que gran trabajo del Sr. Otero a la guitarra toda la noche), y que nos lleva al último tema de la noche, Call me Up, un atrayente blues rociado de una lluvia de sentimientos a cual más intenso, lo que eleva la música de Dan Mathews un palmo por encima del escenario.

El bis comienza con la balada In My Head en un formato acústico, con Dan y Carlos sobre el escenario, y donde la voz del anglo español, va subiendo de tono hasta culminar su escalada por encima de nuestros encantados sentidos, lo que nos lleva a la canción extra que también interpretan en formato acústico. Aquí, Dan pide la colaboración del público con un chasquido de los dedos, que se traduce en una secuencia emotiva, donde los músicos nos intentan inculcar el sentido el ritmo y el valor de las cosas sencillas, hasta llevarnos al final del concierto con Cut Your Ropes, que sin abandonar esos toques íntimos y cercanos, nos sumergen en otro de sus temas más pegadizos que se entremezclan y funden a la perfección entre los sonidos pop y rock más genuinamente americanos, lo que nos deja suspendidos bajo el puente de las buenas vibraciones musicales.

Crónica de Ángel Silvelo Gabriel

PATTI SMITH ENCABEZA EL CARTEL DE LA 3ª EDICIÓN DE POESÍA EN CONCIERTO 2011 // 25 AL 29 DE JULIO // TEATRO ESPAÑOL // VERANOS DE LA VILLA DE MADRID‏

Patti Smith pertenece al grupo de poetas que ennobleció el rock llenándolo de contenidos intelectuales y reflexiones sobre el significado de la vida. Su pulsión fundamental, aunque el mundo la conozca como líder de una de las bandas más famosas de la historia del rock, ha sido siempre poética, desde su primera fascinación por el poeta Arthur Rimbaud hasta el premio por el mejor libro del año 2010 National Book Award por su última obra.
POESÍA EN CONCIERTO 2011
25 al 29 de Julio
Teatro Español
Venta de entradas: www.telentrada.com

Programa
PATTI SMITH
UNA VELADA ESPECIAL DE POEMAS Y CANCIONES
Lunes, 25 de Julio, Teatro Español, Sala Principal – 21.00 h.

CHANTAL MAILLARD
MATAR A PLATÓN
con Bárbara Meyer y Chefa Alonso
Martes, 26 de Julio, Teatro Español, Sala Pequeña- 21.00 h.

TANEDA SANTÔKA Y MASANOBU FUKUOKA
EL MONJE DESNUDO
Y LA REVOLUCIÓN DE UNA BRIZNA DE PAJA
con Lara López, Teresa Sebastián y Suso Saiz
Miércoles, 27de Julio, Teatro Español, Sala Pequeña- 21.00 h.

TED HUGHES
GAUDETE
Interpretado por Marcus Doo & The Secret Family
Jueves, 28 de Julio, Teatro Español, Sala Pequeña- 21.00 h.

MIGUEL ÁNGEL BERNAT
DAD DE COMER A LOS ANIMALES
con Luis Paniagua
Viernes, 29 de Julio, Teatro Español, Sala Pequeña – 21.00 h.

POESÍA EN CONCIERTO 2011
Se agolpan las reflexiones, y el estupor. Recordamos más que nunca las palabras de Saint John Perse: Frente a la energía nuclear, la lámpara de arcilla del poeta ¿bastará...? Y tal y como van las cosas, ¿dónde se sitúa la poesía?, ¿queda sitio para alguien en este extraño tiempo nuestro? Sentimos que avanzamos por un lugar cuyo suelo se desintegra a cada paso, lenguaje incluido...(Teresa Sebastián)

BRYAN FERRY: ÚNICO CONCIERTO EN ESPAÑA EL 10 DE AGOSTO

Bryan Ferry presenta en directo su último disco Olympia en un único concierto en España, que se celebrará el miércoles 10 de agosto dentro del Festival Porta Ferrada Espai Port en Sant Feliu de Guixols, Girona.
En su último disco Olympia (2010), Bryan Ferry recupera el glamour y la sensualidad de Roxy Music con un disco con un sonido moderno y elegante y demostrando que su larga carrera no ha hecho más que afianzar su posición como una de las grandes voces de nuestro tiempo.

En cuanto a sus colaboradores el disco cuenta con: David Gilmour, Groove Armada, Scissor Sisters, Marcus Miller, Flea, Mani (Primal Scream, ex Stone Roses) y Jonny Greenwood de Radiohead. Olympia reúne a Bryan Ferry con los miembros originales de Roxy Music, como: Brian Eno, Phil Manzanera, y Andy Mackay.

Puedes escuchar Olympia en El País: http://www.elpais.com/especial/bryan-ferry/

Entradas: www.servicaixa.com/www.telentrada.com

EL LIRISMO SONORO DE LA OBRA LITERARIA DE LEONARD COHEN SE ALZA CON EL PREMIO PRÍNCIPE DE ASTURIAS DE LAS LETRAS

La capacidad del Sr. Cohen para adentrarse en las partes más escondidas de nuestros sentimientos a lo largo de varias generaciones, ha sido una de las cualidades artísticas del canadiense, a las que el jurado del premio ha elevado a la categoría de virtud, hasta convertirlo en el flamante ganador del Premio Príncipe de las Letras en su edición del año 2011. También estaba en la terna de los nominados en la categoría de las Artes, pero ha sido el compendio de toda su obra literaria, que no sólo se circunscribe a la novela, sino que se desarrolla ferozmente en la poesía y en la música (donde funde como él sólo sabe hacer musicalidad y espiritualidad), lo que le han llevado a ganar los 50.000 € que lleva aparejados este prestigioso galardón. Atrás quedan los años de aislamiento en el monasterio budista de las afueras de Los Ángeles, o el desfalco del que fue objeto por parte de su representante. Etapas y circunstancias, tan convulsas como desesperanzadoras, que sin embargo le hicieron conocer de primera mano las consecuencias de los posicionamientos en los extremos de las experiencias humanas, y que finalmente, llevaron a este canadiense errante a recuperar su faceta compositiva en su doble vertiente de cantante y poeta. En este sentido, los españoles tuvieron la suerte de volverle a ver y oir en la gira que hizo en el año 2009 por tierras españolas. Una visita, que sin embargo, no estuvo exenta de incidentes, cuando se desmayó en su concierto de Valencia, o cuando mostró evidentes muestras de cansancio en los demás eventos. Pero fue ahí, donde Leonard Cohen nos demostró en vivo y en directo la faceta más humana del creador, que en palabras del jurado del Premio Príncipe de Asturias ha creado "un imaginario sentimental en el que la poesía y la música se funden en un valor inalterable".

Ritmos, palabras e imágenes que nos intentan trasladar la importancia del paso del tiempo o las relaciones amorosas sin olvidarse de la relación entre Oriente y Occidente. Una búsqueda de un karma al que el Sr. Cohen ha dedicado parte de su vida, pues no sólo se trata de buscar una forma de vida, sino de hacerlo de una determinada manera, mediante una completa escala de palabras y ritmos que nos logren conducir hacia esa paz que para él es espiritual. Una senda por la que nos intenta llevar a través de su lirismo sonoro, que sin duda ya es parte del imaginario colectivo de varias generaciones, y que le llevan a rodar y rodar por el siglo XX y el siglo XXI en una secuencia infinita plagada de imágenes imborrables.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel