Tiempo de comunicaciones rotas

Tiempo de comunicaciones rotas

miércoles, 31 de octubre de 2012

SHUARMA, GIRA: GRIETAS EN UNA CASA ABANDONADA

A mediados de septiembre salió a la venta (solo a través de www.shuarma.com y en los conciertos) el nuevo DVD+CD de Shuarma, titulado 'Grietas... en una casa abandonada' dirigido por Alberto Evangelio (Beniwood Producciones, www.beniwood.com). El nuevo trabajo del barcelonés consiste en un DVD con las diez canciones del disco 'Grietas' interpretadas en directo y grabados en distintas estancias de una casa abandonada en la localidad valenciana de Rocafort el 22 de diciembre de 2011, y un CD con el audio de las mismas.

Además se incluyen los videoclips de 'Llueven piedras' y 'Tú' como extras. Este último fue presentado al Festival de Cine y Música de Buñol (Valencia) en el que obtuvo el primer premio como Mejor Videoclip en Cortomate 2012.

SHUARMA presenta “Grietas en una casa abandonada” http://www.shuarma.com/
Jueves, 15 Noviembre – BARCELONA
Sala MusicHall (con mesas y sillas)
Apertura Puertas: 22:30h/ Concierto: 23:00h
Precio Entradas: 12€ anticipada / 15€ taquilla

Viernes, 23 Noviembre 2.012 – ALICANTE
Sala Stereo
Apertura Puertas: 22:30h/ Concierto: 23:00h
Precio Entradas: 12€ anticipada / 15€ taquilla

Sábado, 24 Noviembre 2.012 – MURCIA
Sala Stereo
Apertura Puertas: 22:30h./ Concierto: 23:00h.
Precio Entradas: 12€ anticipada / 15€ taquilla

Domingo, 25 Noviembre 2.012 – VALENCIA
Sala Opera
Apertura Puertas: 20:30h./ Concierto: 21:00 h
Precio Entradas: 12€ anticipada / 15€ taquilla

Viernes, 30 Noviembre – SEVILLA
Sala Obbio
Apertura Puertas: 21:30h/ Concierto: 22:00h.
Precio Entradas: 12€ anticipada / 15€ taquilla

Sábado, 1 Diciembre – ESTEPONA (Málaga)
Sala Louie Louie
Apertura Puertas: 21:30h./ Concierto: 22:00h.
Precio Entradas: 12€ anticipada / 15€ taquilla

FESTIVAL EÑE 2012

Por cuarto año consecutivo llega a Madrid el Festival Eñe, la gran fiesta de las letras en castellano. Será los días 15 [inauguración en el Instituto Cervantes], 16 y 17 de noviembre [programa general Círculo de Bellas Artes] en los que participarán nombres tan destacados como Luis Goytisolo, Carmen Riera, Juan José Millás, Ana Pastor, José María Guelbenzu, Marta Sanz, Pedro Zarraluki, Pilar del Río, Bernardo Atxaga, Javier Muguruza, Manuel Vilas, Jaime Siles, Juan Francisco Ferré, Luis García Montero, Cristina Fallarás, Enric González, Ángel Petisme, Jesús Jiménez, Ignacio Echevarría, Elvira Navarro, Juan Jacinto Muñoz Rengel, Rafael Moneo o Vicente Verdú, entre otros.

Más de 60 autores en directo entre escritores, editores y lectores de ambos lados del Atlántico, y un intenso programa de conferencias, conversaciones, debates, lecturas, charlas, talleres, conciertos, performances, cata de vino y actividades para niños.

Este año, como novedad, se convoca la actividad Cuatro editores en busca de autor, dirigida a cualquier autor que tenga un proyecto literario, manuscrito o maqueta, que esté interesado en mostrar su trabajo a profesionales del ámbito de la edición. Un jurado profesional seleccionará a dieciséis autores que podrán disfrutar de reuniones individuales con los editores para hablar acerca de su trabajo y de posibles salidas profesionales. Los editores confirmados para esta edición son: Constantino Bértolo -Caballo de Troya-, Juan Casamayor -Páginas de Espuma-, Cristina Fallarás -Sigueleyendo- y Pepo Paz -Bartleby-.

Eñe acoge el taller Los secretos del microrrelato impartido por Alberto Chimal (Toluca, México, 1970) -escritor, ensayista, dramaturgo y traductor-. No se requiere ninguna experiencia previa. La sesión alternará una breve discusión teórica con un segmento de análisis y juego creativo. El coste taller es de 20 € e incluye el abono general para el festival. Las plazas son limitadas y la inscripción se puede realizar desde aquí.

Habrá también talleres de aproximación a la literatura dirigidos a niños y a jóvenes. Con la compra de un abono, se podrá disfrutar de una inscripción gratuita de dos plazas a alguno de los talleres. Previamente, se deberá mandar un correo electrónico a talleres@revistaparaleer.com [más información]

16.11.12
Taller infantil [9-12 años]
Cosas que suceden en el estudio de un ilustrador, por Javier Zabala

17.11.12
Taller infantil [6-9 años]
¿Qué te cuentas?, por EscenaSonora
Taller juvenil [12-16 años]
Taller exprés de escritura, por David Lozano

[abono general + participación en la convocatoria “Cuatro editores en busca de autor” 20 €]
[abono general 15 €]
[abono reducido 10 € socios del Círculo de Bellas Artes, socios de la librería de La Fábrica, jóvenes menores de 25 años y desempleados]
Abonos ya a la venta en nuestra web, en la web de La Fábrica, en Entradas.com y en la Taquilla del CBA (martes a domingo · 16:00 a 22:00 horas).

martes, 30 de octubre de 2012

SALA & THE STRANGE SOUNDS EN CONCIERTO:MADRID 15 DE NOVIEMBRE

Ha pasado poco más de un año desde que Sala & the Strange Sounds nos ofreciera un adelanto de lo que sería su disco It’s Alive en una abarrotada Sala Heineken. Un concierto en el que nadie se quedo indiferente, con sorpresas de esas que a este grupo le gusta ofrecer y con energía y música en directo de la mejor. Siempre dispuestos a tocar, bien por su proyecto de “Música a la Carta” bien por los conciertos que están dando por España pertenecientes a la gira Back to Basics, no querían cerrar este año de buenísimas criticas y estupendos momentos con la prensa y el público sin actuar una vez más en Madrid. Y es que no hace falta alentar mucho a estos chicos para que se suban a un escenario y nos deleiten con sus mejores temas o con alguna de esas versiones de The Clash, The Beatles o Los Ramones que siempre suelen caer.< /p>

La cita será el próximo 15 de noviembre en la sala The Music Box (c/ General Martinez Campos, 19 - Madrid). Si los conoces, ya sabes a lo que te atienes, y si no, tienes una buena oportunidad de descubrirlos.

LO IMPOSIBLE: EL GRAN TEATRO DE LAS SENSACIONES

El dolor, el amor o el desgarro del rostro de Naomi Watts, son el gran teatro de las sensaciones sobre el que sustenta este relato de angustia y esperanza. No cabe mayor profundidad y fuerza en la mirada, que en los abusivos y certeros primeros planos que Juan Antonio Bayona nos regala y le roba a una actriz que parece estar tocada por la varita mágica de la genialidad. Dulce y contenida en la alegría y el amor inicial, no deja paso a la desesperación cuando se queda a solas y todo parece que está perdido. Hasta cuando lo imposible se convierte en posible, su mirada es lo suficientemente serena como para transmitir todo un sinfín de sentimientos que convierten a esta historia de devastación en un milagro con un final lleno de esperanza. No se nos ocurre mejor chute de adrenalina positiva que visionar los ciento siete minutos que dura Lo imposible, para darnos cuenta de lo lejos que estamos de la verdadera y auténtica felicidad y lo cerca que la tenemos; quizá con tan sólo girar la cabeza y mirar a los ojos a la persona que se encuentra a nuestro lado.

Este tsunami de sentimientos y emociones, que como un látigo nos azota donde realmente más nos duele, nos transporta por la ruta del desgarro más impune sin tener que preguntarnos un por qué, sino que como una auténtica odisea del siglo veintiuno plagada de adelantos tecnológicos, nos desnuda de todos los complementos electrónicos que nos acompañan en el día a día para dejarnos a solas con lo más esencial: la lucha por la vida. Una lucha que se inicia con un gran fundido en negro al que sigue un ensordecedor ruido que parece llevarnos al más oscuro de los avernos, pero que en vez de hundirnos definitivamente, nos eleva a lo más profundo de los cielos. Cielo y tierra unidos por un aciago destino y una fuerza devastadora que Bayona retrata a la perfección con unos efectos especiales magistrales que nos dan cuenta de la fuerza descomunal que posee en sí misma la naturaleza. Unos efectos especiales que tienen su punto álgido en ese tanque acuático de grandes dimensiones sobre el que se arrastran los últimos vestigios de una civilización que se muestra débil e indefensa ante la fuerza descomunal de una Tierra enfurecida.

Sin embargo, por mucho que queramos hablar de la película, acabaremos la mayoría de las veces en un mismo punto final que nos lleva a preguntarnos a qué se debe el éxito arrollador de Lo imposible si se trata de una historia de la que ya conocemos el final. Quizá el secreto confesable del film está en que nos encontramos ante un viaje sensorial y emocional como la describe su director, que sin duda es el telón de fondo del gran teatro de las sensaciones más nítidamente humanas. Es posible que cada vez estemos menos acostumbrados a transmitir las sensaciones más primarias de las que se compone el ser humano, y quizá por eso en Lo imposible todos los efectos especiales finalmente sucumben al amor, la angustia o la esperanza de volver a encontrar a nuestros seres queridos, ya que en esta ocasión, no nos hace falta ninguna brújula para dirigirnos hacia donde queremos ir, porque hay algo dentro de nosotros mismos que nos lleva hasta ese último lugar. Por tanto, no nos debe resultar extraño que a la salida de la oscuridad de la sala de cine, nuestra cabeza intente reubicarse de nuevo para intentar salir del tsunami emocional que Juan Antonio Bayona ha creado, porque como muy bien dice su guionista, Sergio G. Sánchez ”cuando termina la película es cuando empieza lo imposible”. Sin duda, ese punto inicial precisa de un resultado positivo que vea recompensado a nuestro esfuerzo con el éxito, de ahí, que no sea de extrañar que el the end tipo Hollywood de Lo imposible, sea el perfecto lazo de unión a tanta desventura (dentro y fuera de la sala de cine), y más en los tiempos de desesperanza en los que vivimos.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

sábado, 27 de octubre de 2012

TEATRO AMAYA, EL SHOW DE KAFKA: LA BÚSQUEDA DE UNA SALIDA QUE NO TIENE UN FINAL

Quizá nos equivocamos queriendo ser el espejo de los otros. Se trata de un camino largo y tedioso, que al final, nos lleva a desprendernos de nuestra propia esencia para dejar de ser nosotros mismos. Esa necesidad de pertenencia al grupo, eleva ese proceso de imitación y mimetismo al paroxismo más absoluto. No nos damos cuenta que si nos desprendemos de las particulares formas de ver y sentir la vida, dejamos de ser personas para convertirnos en simples piezas de un ensamblaje monstruoso, como monstruosa es la máquina infernal que mueve el mundo. ¿Cuál es el drama? Ser uno mismo y buscar una salida a nuestra propia celda sin saber que la vida es eso, la búsqueda de una salida que no tiene un final, salvo el de la propia muerte. ¿Hay una mayor condena? Ese es el precio a pagar por el pecado original en el que nos desenvolvemos desde el día que nacemos, y ahí es donde incide el montaje que dirige Pérez de la Fuente, sobre la versión libre que Ignacio García May ha hecho del relato corto Informe para una academia de Frank Kafka. La originalidad que siempre preside los montajes de Pérez de la Fuente, ha hecho que en esta ocasión ese profundo drama humano que conlleva el hecho en sí de ser uno mismo, le haya llevado a tratarlo con unas buenas dosis de humos negro, o si se quiere ácido, llamándonos la atención sobre la sociedad de la imagen y el espectáculo en la que vivimos, donde en muchos casos, nuestras vidas se resumen a esas vidas que vemos en los reality show televisivos.

Un espectáculo teatral y visual, al que Pérez de la Fuente ha tratado una vez más de darle un toque distinto. En esta ocasión se ha servido de la Escolanía del El Escorial, para al estilo de Los chicos del coro, traernos esa otra parte más humana y más pura de un espectáculo total como es la vida en sí misma. Ceremoniales, los jóvenes cantores nos llevan de la mano hasta el escenario y luego nos alejan de él, en una muestra de espíritus libres que deambulan por el terrenal patio de butacas del Teatro Amaya como subidos en una nube de espiritualidad. Esa parte tan kafkiana de ver el teatro, se contrapone con esa otra no menos kafkiana que representa Luisa Martín disfrazada de mona para hacernos llegar el espíritu mismo de nuestras contradicciones últimas. Luisa Martín de nuevo se postula como una gran dama del teatro, con una dicción limpia, una gesticulación perfecta y unas cacofonías sublimes, logrando una transformación que es capaz de enseñarnos sin pudor ese reverso que hay en cada uno de nosotros. Un enigma que la mona expresa magistralmente en esta frase: “no me gustaban los seres humanos, pero los imitaba para buscar una salida”. ¿Hay una tragedia más mayúscula? Buscar fuera y no dentro, ahí está el error que nos lleva a una sociedad alienada y sin ideas, lo que sin duda nos acerca a formas como el totalitarismo.

Mención aparte merece la caracterización de Luisa Martín, que ya se exhibe en un cartel impactante, pero que vista de cerca y al natural, no hace sino acrecentarse, a lo que sin duda contribuye esa forma tan acertada de moverse, y el ensimismamiento que nos brinda en su viaje a ninguna parte, en esa búsqueda de una salida que no tiene un final.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

viernes, 26 de octubre de 2012

LOS IDUS DE MARZO: LA OSCURIDAD DE LA NOCHE COMO CÓMPLICE DEL PODER

Los idus de marzo, ahonda más si cabe, en la delgada línea roja de las tentaciones que acechan al ser humano. Éste, para evitar caer en ellas, se dotó en su día de la religión y las buenas intenciones, y más tarde, cuando tuvo conciencia de grupo, las socializó a través de la política. Esa bondad de la que parte cualquier candidato a un puesto de la res pública, le hace aparecer ante la opinión pública con un aro beatífico encima de su cabeza, o con una sonrisa nívea que emite inmaculados destellos con los que se nos nubla la vista. Pero la realidad, el paso del tiempo, la vida, y sobre todo los desengaños, nos hacen percibir la realidad, cada día más, de una forma muy distinta a como nuestros políticos nos la pintan. En este sentido, los hechos se muestran tozudos contra las meras intenciones, y todo se resume a un final muy distinto a aquel que nos habían contado en los cuentos de hadas cuando éramos pequeños. Esa pérdida de la inocencia, es en la que incide George Clooney (a la postre, director, guionista y actor del proyecto) en este nuevo bofetón contra la clase política, donde quizá uno de sus mayores aciertos, sea tratar el manido tema de la corrupción en la esfera del poder dentro de un mismo partido, pues de este modo, aparte de esquivar el maniqueísmo electivo representado por los binomios derechas-izquierdas, demócratas-republicanos, no hace sino fijarse directamente en la condición humana por encima de los ideales y del color de la piel de los candidatos.

Las perversiones de Los idus de marzo se alían con la oscuridad de la noche como cómplice del poder y de las más bajas pasiones, pues sus protagonistas, candidatos o simples becarios, se resguardan bajo la funda inmensa e infinita de la noche para dar rienda suelta a sus pasiones lejos del trabajo, y por ende de la política. Alejados de los principios que pregonan por el día, la noche se nos muestra como el verdadero y auténtico espacio de libertad, pero no de una libertad cualquiera, sino la propia, aquella que de una forma más fácil que complicada deviene en libertinaje (en cuanto invade el espacio ajeno) cuando no en liberticida si va acompañado de muertes no deseadas. En ese difícil juego de fronteras sin límites es donde caen los protagonistas del film, que como peces en redes gigantescas, tratan de saltarlas sin saber que no pueden lograrlo, porque están y pertenecen a la propia malla que los aísla. Aquí George Clooney se sirve del pronunciado mentón de Ryan Gosling para mostrarnos ese cambio que nos lleva desde los ideales más puros a las venganzas más espúreas, pero no por ello exentas de grandes dosis de inteligencia; y a modo de thriller, nos va desgranando la trama de esta película, donde nada es lo que parece sino al final, cuando los actores pierden sus caretas y a rostro limpio se muestran tal cual son, es decir, simples seres humanos que son víctimas de su propias tentaciones.

Esa actitud beatífica que se nos pone cada vez que estamos delante de un personaje relevante, dotándole de virtudes que nunca tiene, está perfectamente retratada en el film, pues todo su desarrollo contribuye a derribar ese falso mito, porque nuestros políticos y aquellos que les rodean, tienen mucho de eso; una falsedad mitológica que es directamente proporcional a la cara de tonto que se nos queda cada vez que se les desmonta la adornada cartelería de chicos bien. En definitiva, nada nuevo bajo el sol, salvo que Clooney esta vez se ha aliado con la oscuridad de la noche como cómplice del poder.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

jueves, 25 de octubre de 2012

EL NUEVO VIDEOCLIP DE LOVE OF LESBIAN: SI TÚ ME DICES BEN, YO DIGO AFFLECK


Ayer se presentó en la Nave de Música el nuevo vídeo de la canción de Love of Lesbian, Si tú me dices Ben, yo digo Affleck. Tras el estreno, tuvo lugar un exclusivo concierto de la banda. El clip de esta canción, que forma parte de su último álbum, La noche eterna. Los días no vividos (Warner Music, 2012), ha sido realizado por NYSU Films.

En él, vemos a Santi Balmes y los suyos en un "desparrame visual en el que los personajes se encuentran en situaciones insólitas, con referencias continuas a un mundo onírico", según palabras de su creador, Jesús Hernández, cabeza de NYSU Films. En suma, una pieza audiovisual que no deja indiferente a nadie.



FALLO DEL XII CONCURSO DE RELATOS DE LA UNED DE PLASENCIA

El madrileño Ángel Silvelo Gabriel, con la obra titulada "El magisterio de Don Manuel", es el ganador del primer premio del XII Certamen de Relato Breve del Centro de la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) de Plasencia, dotado con 500 euros.

El fallo del jurado se ha dado a conocer anoche en Plasencia en el transcurso del acto académico de inauguración del curso 2012-2013.

Funcionario de Carrera del Cuerpo de Gestión de la Administración Civil del Estado y escritor, Ángel Silvelo es autor de las novelas Fragmentos (Primer Premio Certamen Cultural URJC 2001), Dejando pasar el tiempo, La sombra de los olvidados y Adela y Galiana. Es colaborador de la revista cultural www.civiNova.com, donde publica reseñas y críticas literarias, musicales, de arte y cinematográficas, al igual que en el periódico digital www.Qué.es, en el que tiene dos blogs (uno literario: Fragmentos; y otro musical: Impulsos). También edita un blog cultural www.angelsilvelo.blogspot.com, y tiene publicadas colaboraciones de crítica literaria publicadas en el portal www.escritores.org  y en la web www.canal-literatura.com  

El segundo premio, dotado con 300 euros, ha sido para el canario Eduardo Cabrera Capote, por su relato titulado "El último correo"; y el tercero, dotado con 150 euros, ha sido para el cacereño Carlos Daucousse Sánchez y su obra "Isaías Mirarestribor".

Además, se hizo entrega de un accésit a "Chapa y cartón", escrito por Manuel Luque Tapia, de Córdoba, que recibe un premio de 70 euros; y hubo una mención de honor para la autora de Valladolid Eumelia Sanz Vaca por su relato "Tesoro inapreciado", dotada con 50 euros.

miércoles, 24 de octubre de 2012

KUVE EN CONCIERTO, VIERNES 9 DE NOVIEMBRE, EN VELOURIA BAR (ALBACETE)

ELLAS CUENTAN: ESCRITORAS ANTE EL MERCADO

¿Qué queremos celebrar? En este momento difícil, celebramos la creatividad, y queremos mostrar que el campo de la cultura es capaz de dar respuestas diferentes. Reunirse, festejar, ser visibles, actuar, es hoy una forma de resistencia.

Te esperamos este viernes 26 de octubre en el Mercado de San Fernando.

¿Qué me voy a encontrar? Entre frutas y verduras encontrarás libros y sus autoras, disfrutarás con las historias de la cuentacuentos y actriz Victoria Siedlecki, podrás escuchar en directo a The Muffin Band, conocerás gente nueva con la que hacer nuevos proyectos.

Y además, el Tapapiés, y si compras un libro, te regalamos una cerveza.
 
¿Quién estará?  Iremos muchas personas interesadas en la cultura, especialemente en el mundo del libro, con ganas de conocerse, charlar y compartir.

Vendrán muchas escritoras: Carola Aikin, Crinstina Grande, Isabel Cienfuegos, Esther García Llovet, Isabel Grande, Cristina Cerrada, Cristina López Barrio, Lola López Mondéjar, Eva Manzano, Las microlocas, Clara Obligado, Carmen Peire... y todo el mundo que se quiera sumar.

XOEL LÓPEZ EN PONTEVEDRA, 9 NOVIEMBRE

Xoel López tocará, el próximo 9 de noviembre, en Pontevedra. Con este concierto, Xoel López se vuelve a despedir de los escenarios en Galicia y hace sus maletas rumbo a la Argentina y a tierras latinoamericanas. Será la Presentación de su último trabajo, “Atlántico” pero también su último concierto del 2012 en tierras gallegas. Una cita imprescindible para todos los seguidores de este gran artista y compositor gallego que, con su último trabajo, ya cuenta con 12 álbumes en su repertorio personal con tan solo 34 años. Un genio que se despide con este concierto de España y del 2012 y vuelve a viajar y a buscar inspiración en el continente americano.

En esta ocasión, Xoel tocará con toda su banda en un concierto especial de 2 horas con repertorio de su último trabajo, “Atlántico” pero también con temas de Deluxe o Lovely Luna.

lunes, 22 de octubre de 2012

LUBER JACK, LLEGÓ LA HORA: OLEADAS DE PURO ROCK’N’ROLL

Luber Jack se presenta en el panorama musical español en la mejor onda de las bandas de rock españolas. En una interminable secuencia de sonidos indies repletos de ecos anglosajones, Luber Jack se echa encima, con fuerza y pasión, todas las sintonías posibles de una música rock que a veces juega a disfrazarse de oleadas de puro rock’n’roll sin desdeñar la mejor esencia de las bandas sureñas norteamericanas. Con un sonido limpio y directo, y con unas letras que no engañan porque están pensadas para llegar directamente al corazón, Luis Solo y Roberto Crespo consiguen atrapar la atención de aquellos oídos sensibles y distraídos que no desdeñan de la buena música. Y todo ello, bajo la batuta de la producción de Iñaki “Uoho” Antón. El nuevo disco de Luberjack lleva por título Llegó la hora, y se compone de diez canciones radiantes, pues cada una de ellas desprende un sinfín de arcoíris propios que las iluminan por sí mismas. Tanto es así, que al escuchar las canciones de este Llegó la hora, no podemos dejar de acordarnos de bandas como Fito y Fitipaldis, Platero y tú o Kortatu, todas ellas con un punto geográfico común, que a lo visto y escuchado, impregna un carácter y unas influencias musicales propias.

El disco se abre con el tema Tan fácil y unos toques de guitarras que buscan ensamblarse a la onda más cercana de las bandas clásicas de rock americano. Sí, tan fácil como dejar que la imaginación de Luis y Roberto surque el Océano Atlántico para llegar a los confines de la ruta 66 y atravesarla entera de este a oeste con profusa luminosidad. Ponle corazón, y a la postre primer single del disco, se abre como un potente rock’n’roll que sigue las entrañas de las mejores canciones de Fito y Fitipaldis, sin por ello desdeñar las dosis propias de la música de Luber Jack, en el que sobresale un nervioso y magnético piano eléctrico. R’n’r es otro arrebato de puro y trepidante rock’n’roll, ya que desde la primera nota se sumerge en los confines de la barrica de las esencias más genuinamente rockanroleras, donde la letra es toda una declaración de principios: “sin importar lo que digan los demás”. Un vendaval que se ajusta de nuevo los machos en Nadie, una nueva muestra del buen quehacer musical de Luber Jack en su vertiente más r’n’r.

La balada del disco sirve de ruptura entre la primera y segunda parte de este Llegó la hora. ¿Porque te asusta volar? es un tema que nos rasga el corazón (de la mano de las cuerdas de una guitarra), pues aborda el tema de los malos tratos con la desnudez de una letra y una melodía que ponen en valor el oficio de Luis y Roberto (en este tema cuentan con la colaboración en letra de Irene L. Montes) ¿Porque te asusta volar? es una canción que es pura poesía y nos hace reunir las fuerzas suficientes para seguir luchando: “la historia la escribes tu misma/ la gloria te espera al final/ el miedo no debe ganar”. Con el corazón en un puño pasamos a Siete, un corte que ahonda es las raíces norteñas del rock español como signo de identidad y un número siete como leitmotiv de un sinfín de intenciones. Funambulista es una fusión de todos los sonidos que posee la caja de música de Luber Jack, pues las notas se precipitan por un tobogán que no tiene red de protección al final; libertad compositiva y musical a raudales.

Con Ya soy otro, Luber Jack endurecen sus intenciones más rockeras con un espléndido juego vocal al que acompaña un no menos perfecto órgano de fondo. Llora la tierra de nuevo se fusiona con el clasicismo sonoro de Fito y Fitipaldis en versión Luber Jack, con una energía intacta a lo largo de todo el tema, en una especie de calentamiento global, y en donde las guitarras resurgen con fuerza e ilusión renovadas hasta llegar a No soy romántico, el cierre a este brillante Llegó la hora, un perfecta banda musical repleta de oleadas del mejor rock’n’roll.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

HAROLD PINTER, TRAICIÓN: LAS ARISTAS DEL PASO DEL TIEMPO

Las pasiones y el amor no son inmunes al paso del tiempo, y si no, que se lo digan a Pinter, que acabó sus días lejos de la literatura (la pasión de toda su vida) para dedicarse a la política. Como recoge el programa de mano de la obra que se está representando en el Teatro Galileo de Madrid: “nada es tan indeciblemente triste como la muerte del amor”, y así, asistimos a la tragedia y muerte de la pasión que arrebata a los protagonistas, y que en este ocasión, está relatada de atrás hacia delante, como mejor muestra de lo que cambiamos a lo largo del tiempo y de hacia dónde van nuestras más convulsas intenciones. Pinter, una vez más, se apoya en los silencios para expresar aquello que trata de contarnos, y de esta forma, trata de dejarnos la mente libre a la hora de establecer nuestra propia valoración de aquello que él nos plantea. En este sentido, Traición no transita por los lugares comunes de la moral victoriana, sino por los espacios de traición que conquistan las vidas de los personajes que intentan reflejar lo que no tienen de inocuo las aristas del paso del tiempo, que como una lanza se clavan en el alma de nuestros sueños para herirlos de muerte. Traición está basada en la relación extraconyugal que el propio Pinter mantuvo con una periodista de la BBC durante siete años, y ahí, es donde el dramaturgo escarba sin aparente dificultad en las entrañas de una sociedad que marchaba de la mano de los profundos cambios sociales acaecidos en los años setenta en el mundo occidental, donde por fin, se rompen tanto las barreras sociales como sentimentales de muchas generaciones. Pinter no es ajeno a esta corriente, y alejándose del teatro del absurdo, o no (¡qué hay más absurdo que ser víctima de nuestra propia pasión reconvertida en traición!) nos plantea un submundo interior que lejos de enriquecernos nos destruye.

Ahora, María Fernández Ache, nos trae al Teatro Galileo de Madrid una nueva versión de esta historia de amor que languidece con el paso del tiempo, justo un año después de haber pasado por la Sala Pequeña del Teatro Español. Por tanto, se trata de un montaje bien rodado, que sin embargo, no lo parece en su ejecución material sobre el escenario, porque si de algo adolece este montaje es de calor y pasión, como la historia que representa. Ni la economía verbal del teatro de Pinter, ni la falsa originalidad con la que se publicita la obra en su concepción de un escenario que se sitúa en el centro de la sala con gradas a ambos lados (hace años que en la sala Triángulo asistí ya a este tipo de representaciones duales), ni el cacareado uso invertido de la cronología (ya representado en Londres en agosto de 1937 cuando se estrenó El tiempo y los Conway) son reclamos suficientes en los que sustentar un fallido montaje, del que sólo se salva plenamente Cecilia Solaguren en su papel de Emma, pues sin duda, es quien mejor se adapta a esa economía verbal y gestual del teatro de Pinter. Fuera de esa salvedad, asistimos atónitos a la sobreactuación de un Alberto San Juan fuera de sitio, que no parece encontrarse a gusto en el papel de Nico, o eso al menos es lo que transmite con gestos nerviosos y repetitivos (en la primera escena se pasa gran parte de la misma ajustándose la camisa al pantalón mientras que está sentado, en un síntoma de histrionismo innecesario), o como en la declaración de amor final, que no resulta nada creíble y sí forzada. En un término medio se sitúa Will Keen, que trata con gran esfuerzo verbal por su parte, hacerse entender en un castellano con acento inglés, con el que consigue situarnos en un ámbito más cosmopolita de un Madrid que fluctúa entre los años ochenta y noventa. Él sí maneja mejor los tiempos y las emociones de esta historia acerca de las aristas del paso del tiempo.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

sábado, 20 de octubre de 2012

STEFAN ZWEIG, LOS MILAGROS DE LA VIDA: LAS OSCURAS VIRTUDES DE LA FE

Los profundos y constantes vaivenes políticos e ideológicos que experimentó el mundo, y en concreto Europa, en la primera mitad del siglo XX, no son ajenos ni a la vida ni a la obra de Stefan Zweig; una obra que se caracterizó por un profundo matiz intelectual y sus ansias de libertad, que entre otros muchos campos de la vida, buscó su faceta moral. En este sentido, en Los milagros de la vida, Zweig viaja hasta el Flandes gobernado bajo la batuta de Carlos I para mostrarnos las oscuras virtudes de la fe, que tanto pueden ser empleadas para buscar la más alta expresión de la belleza, como para suplantar las creencias y la fe de los otros, ya sea a través de la palabra o de la máxima expresión de la barbarie intrínseca al ser humano. La pericia con la que Zweig nos plantea y desarrolla esta aventura moral hacia el tema de las religiones en la historia de la humanidad es, como siempre, profundamente estética y bella en sí misma. El lenguaje y el recorrido interior de los sentimientos de sus personajes, están cargados de un brillo especial como en su prosa es característico, logrando sumergirnos en un continuo viaje donde la belleza de las palabras no nos deja indiferentes. No obstante, esta especie de excursión mística en la que consiste Los milagros de la vida, nos proporciona las huellas que nos llevan a plantearnos con una cierta antelación, la necesidad del ser humano de dominar a su prójimo, ya sea a través de la ideas o de la fuerza; una vicisitud a la que Zweig no se mantuvo indiferente, pues a pesar de su condición de judío no practicante, tuvo la imperiosa necesidad de recoger parte de Europa en busca de refugio. Una sensación de peligro que le llevó a suicidarse junto a su mujer en 1942, cuando los nazis tomaron Singapur, y este hecho le hizo presentir el dominio absoluto de los mismos en todo el planeta.

Miedos aparte, Los milagros de la vida es una historia de luz y sombras. Luz que se traduce en la necesidad de un pintor de realizar un cuadro de encargo, que por un lado satisfaga las necesidades de purificación de quien lo encarga, y por otro, que sea lo suficientemente bueno para igualar la belleza del que ya se encuentra en el altar donde irá el que acaba de ser encargado. Esa luz, el artista la busca a través de la fe, una fe tamizada por el paso del tiempo, pues ya en su finitud, buscará la pureza como la más alta manifestación artística posible que nos puede conducir hasta la verdadera fe. A pesar de todo, esa búsqueda no es sencilla, y la duda y los miedos afloran en el pintor, hasta que da con el rostro que él cree que representa todo aquello que anhela. La relación entre artista y modelo o entre un hombre maduro y una joven inocente enclaustrada en sus propios miedos, le servirá a Zweig para explorar en las entrañas del ser humano, dibujando con maestría el mundo interior de ambos personajes, y esa falta que el ser humano expresa constantemente de intentar ponerse en el lugar del otro (una de las claves de las guerras más fratricidas) que el escritor austriaco logra ensalzar en el relato de esta novela corta profundamente visual y moral.

Luz que se transforma en oscuridad cuando las religiones se enfrentan y todo acaba en barbarie; una clave más de la parte más oscura de las personas, que perfectamente dirigidas por líderes, les llevan a no respetar nada, ni siquiera el arte y sus más sobresalientes manifestaciones, ya sean éstas religiosas o no, pues la belleza no entiende de ideas; el arte es un fin último en sí mismo. Una falta de luz, que también está magníficamente retratada al inicio de la novela, donde Amberes sale perfilada bajo un manto de niebla infinito que se apodera del alma de todos sus habitantes, y a la que Zweig le da la vuelta de una forma extraordinariamente poética, como si estuviésemos viendo un travelling cinematográfico. Un hecho que se vuelve a repetir al final del relato, cuando nos cuenta los hechos acaecidos en Amberes en la revuelta protestante contra los católicos, a los que Zweig impregna de una pericia literaria y formal nos deja con la boca abierta. Un lenguaje visual que se superpone a los acontecimientos que narra, y que acaba en un sinfín de interrogantes a los que ni tan siquiera la propia fe puede responder, quizá porque en la fe misma no esté la respuesta.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

viernes, 19 de octubre de 2012

NIÑOS MUTANTES: ESTRENO DE VIDEOCLIP, PREMIO Y FECHAS NUEVAS‏


Las noticias se acumulan para Niños Mutantes. Al estreno del videoclip de “Náufragos”, realizado por Alexis Morante, en el que homenajean a los festivales de verano, se une su reciente premio Pop-Eye al mejor álbum nacional del año por Náufragos. Coincidiendo con estas buenas noticias, han ampliado las fechas de su gira para los próximos meses.

GIRA:
Viernes, 26 de octubre: Albacete (Sala Baobá)

Sábado, 27 de octubre: Valencia (Teatro Rambleta)

Sábado, 17 de noviembre: Palma de Mallorca (Sala Cultura Club)

Viernes, 23 de noviembre: Getafe (Teatro Federico García Lorca)

Sábado, 24 de noviembre: Segovia (Festival WIC)

Jueves, 29 de noviembre: Burgos (Sala El Hangar)

Viernes, 30 de noviembre: Valladolid (Sala Bitácora)

Viernes, 28 de diciembre: Huesca (Sala El Veintiuno )

Sábado, 29 de diciembre: Logroño (Festival Alternative)

Sábado, 19 de enero: Granada (Ciclo Caleidoscopio)

Sábado, 2 de febrero: Cádiz (Sala Supersonic)

XOEL LÓPEZ CIERRA SU GIRA EN MADRID, 17 DE NOVIEMBRE

Xoel López tocará, el próximo 17 de noviembre, en la que él considera su 2ª casa, Madrid, la ciudad en la que el coruñés ha vivido casi 10 años y en la que han nacido gran parte de sus canciones. Y lo hará en un recinto muy especial para él también, en La Riviera. Será un concierto mágico y volverá a subir al escenario de esta mítica sala, después de 4 años y su concierto despedida con DELUXE en 2008. En esta ocasión, Xoel tocará con toda su banda en un concierto especial de 2 horas con repertorio de su último trabajo, “Atlántico” pero también con temas de Deluxe o Lovely Luna.

Con este concierto, Xoel López se vuelve a despedir de los escenarios en España y hace sus maletas rumbo a la Argentina y a tierras latinoamericanas. Será la Presentación en Madrid de su último trabajo, “Atlántico” pero también su último concierto del 2012 en nuestro país. Una cita imprescindible para todos los seguidores de este gran artista y compositor gallego que, con su último trabajo, ya cuenta con 12 álbumes en su repertorio personal con tan solo 34 años. Un genio que se despide con este concierto de España y del 2012 y vuelve a viajar y a buscar inspiración en el continente americano.

MALESO VUELVE AL POP.- NUEVO LP 60 BOLÍGRAFOS


Maleso lleva un par de años buscándose a sí mismo, como se hacía en las películas de antes: tras un sg. en 2010 dedicada a la reina del porno gótico hispano (“A mí la que me gusta es Lina Romay”), a principios de este año publicó un Lp. de country-blues (“Sabor Campestre…”) y este verano copó la atención de los medios deportivos con un pseudo-himno futbolero a ritmo de jazz (“Brindo por Messi”). Todo bastante alejado de su habitual enfoque pop-de-toda-la-vida.

No sabemos si su último larga duración “60 Bolígrafos” es la estación término de este camino o sólo un apeadero donde repostar y salir dios sabe hacia dónde. Mientras que rellena la vagoneta de carbón, podemos escuchar lo que nos trae: autopop introspectivo (“Si hoy fuera sábado”), nostalgias del 66 (“Maldito tren”), pop rock a la sevillana (“Pablo Velocidad”), disco-pop ¿bailable? (“Tu espejo”), country-folk (“El fantasma del tardón”, “Canción protesta nº 625”, “Zumo”), pop luminoso (“Querido Corazón”, “El encanto natural”, “Amarillo es el color..”), odas a la vida familiar (“Ya no somos dos”, “Bienvenido a nuestro mundo”), amén de las ya conocidas y de dudosa clasificación “Brindo por Messi” y “Fregar los platos”.

La letra sigue siendo el alma de cada canción, que ha sido revestida o desnudada con arreglos precisos e individualizados, guiados por un péndulo que oscila entre lo acústico y lo eléctrico.

La portada en sí es una obra maestra, basada en un cuadro del pintor sevillano afincado en Oviedo Miguel Watio. (miguelwatio.blogspot.com).

En la web www.maleso.com, puede oirse este LP y los anteriores. La descarga es gratuita.

miércoles, 17 de octubre de 2012

ÁNGEL SILVELO GANA EL PRIMER PREMIO DEL XII CONCURSO DE RELATO BREVE UNED PLASENCIA 2012

Por fin la maldición del año 2012 se esfuma, y cae el primer premio del año. Esta tarde, a la vuelta del trabajo, me ha llamado la Secretraria del jurado para comunicarme que había sido el ganador del Primer Premio del Concurso. El próximo martes 23 de octubre, a las 20,00 horas, estaré en Plasencia con Manuela para recogerlo. El cuento en cuestión, pasó sin pena ni gloria por el concurso de Moralzarzal de este año, para el que estaba escrito a propósito. No obstante, la historia de amistad entre un profesor y su alumno más allá de las aulas ha tocado la fibra del jurado de la UNED de Plasencia, pues como ellos mismos me han comunicado, ha gustado muchísimo.

Aquí dejo colgado un extracto del mismo como hago siempre.

 Le quedaban pocos días para cumplir catorce años, y como buen Tauro, era muy cabezota. Le había insistido a su madre hasta la saciedad, que le dejase acercarse hasta la ganadería del pueblo con el único deseo que Antonio, el mayoral, le enseñase a trastear un poco con una muleta, pero todavía no lo había conseguido; por eso adivinó que hoy algo había cambiado cuando de repente le dejó ir. No dudaba que su testarudez adornada con el mejor expediente académico del pueblo habría obrado el milagro, y hoy gracias a ambos, iba a ver cumplidos sus sueños. Don Manuel había organizado una excursión con los compañeros de su clase a la ganadería de Doña Carmen Segovia, y lo había hecho bajo la excusa de compartir un día de primavera fuera de las aulas. Reconocía que todo estaba a su favor, porque sus buenas dotes con las letras, no sólo le habían llevado a esta inesperada sorpresa, sino que también habían propiciado que mantuviera una buena relación con su maestro, que estaba empeñado en hacer de él un hombre de provecho versado en letras puras, como le repetía cada vez que le entregaba corregida una de las poesías, que desde el inicio del curso, les obligaba a escribir la tarde de los miércoles en clase.


Don Manuel, al poco tiempo de ejercitarles en el mundo de la poesía, le cogió aparte, y le dijo que veía en él a un prometedor poeta. A él sin embargo la poesía no le interesaba tanto como los toros, y aunque su orgullo se veía plenamente recompensado en el momento que componía un soneto o un poema en verso libre, no experimentaba la misma sensación de satisfacción que cuando soñaba con salir por la puerta grande de la plaza portátil de su pueblo en las Fiestas Patronales. Esa distancia que le separaba de los consejos literarios de su benefactor cultural, también era en buena medida la culpable de esta jornada mitad cultural, mitad lúdica. Aunque al poco tiempo de iniciar la marcha que les llevaría hasta su destino, se dio cuenta que antes debería de pagar su correspondiente peaje.

Cuando el sol iba llegando a su zenit y su poder empezaba a notarse en las piernas, se detuvieron en un pequeño remanso del camino. Lo hicieron bajo la sombra de unos robles que encontraron en su travesía por la dehesa. Mientras bebían un poco de agua de sus cantimploras, Don Manuel se dirigió a ellos y les dijo: imaginaros que estamos en la antigua Grecia, y que yo soy vuestro maestro y vosotros sois mis alumnos. Imaginad también, que toda nuestra cultura se trasmitiera sólo a través de la palabra. No sé si estaréis de acuerdo conmigo, pero si no existiera la palabra escrita como fuente de conocimiento, lo más fiable a la hora de transmitir aquello que hemos aprendido, sería hacerlo a través de las sensaciones y los recuerdos, porque ambas, conforman el tipo de memoria que no borra el tiempo. Por ejemplo, cuando acabemos nuestra jornada al aire libre paseando por la dehesa y visitando la ganadería de reses bravas, cada uno de nosotros expondrá aquello que para él ha sido un recuerdo imborrable en el día de hoy.
Extracto del relato El magisterio de Don Manuel de Ángel Silvelo Gabriel

JULIO DE LA ROSA: "PEQUEÑOS TRASTORNOS SIN IMPORTANCIA" EN ENERO 2013‏

Tras el éxito de crítica y público de La Herida Universal, Julio de la Rosa anda a punto de terminar su nuevo disco: Pequeños Trastornos Sin Importancia. En cierto sentido, la continuación lógica de su anterior álbum y, probablemente, la obra cumbre de su carrera por su libertad, su honestidad y unos estribillos memorables que harán las delicias de fans y profanos. Un álbum de excesos, de amor y de trastornos (pequeños y sin importancia, claro). Diez canciones sobre relaciones de pareja que, bajo su apariencia de normalidad (esas cosas que nos pasan a todos), esconden toxicidades muy peligrosas y síntomas claros de conflictos de personalidad.

La sorpresa es uno de los factores importantes en su nuevo disco. Canciones deconstruidas y vueltas a levantar con estructuras novedosas para la aburrida arquitectura del pop contemporáneo, arreglos imaginativos, pero guitarrazos y guitarrazos en temas de seis, de dos, de ocho minutos; y sobre todo, un uso magistral de los juegos de voces: melodías que se entrelazan, y sobre esos lazos, nuevas melodías. Para ello, De la Rosa se está haciendo acompañar de algunas de las mejores voces del panorama nacional: Josephine Ayling (Boat Beam), Bunbury, Ana Franco (Coffee & Wine), Nahúm García (Clint), Miren Iza (Tulsa), Nieves Lázaro (J.F.Sebastian), Ainara LeGardon, Dani Llamas (Gas Drummers), Xoel López, Juan Alberto Martínez (Niños Mutantes), Hannot Mintegia (Audience), Miguel Rivera (Maga), Anni B Sweet y la posibilidad de que haya alguna sorpresa de última hora.

Como banda, Julio cuenta con los mismísimos Havalina: Ignacio Celma al bajo, Manuel Cabezalí a la guitarra, Javier Couceiro a las percusiones, más Jorge Fuertes (We are Standard) a la batería, Abraham Boba al piano y Pau Roca (La Habitación Roja) también a la guitarra.

Julio de la Rosa prepara, como no podía ser de otra manera, algo grande. En breve, un videoclip de adelanto, para ir haciendo boca.

martes, 16 de octubre de 2012

PACO GÓMEZ ESCRIBANO PRESENTA SU NUEVA NOVELA "AL OTRO LADO" EL 23 DE OCTUBRE EN LA LIBRERÍA ESTUDIO EN ESCARLATA DE MADRID

SINOPSIS:

Carmen, una joven periodista, decide escribir una novela sobre los campos de prisioneros franceses en el periodo posterior a la Guerra Civil, ya que su abuelo murió en el de Vernet. Para ello, concierta una cita con un misterioso anciano que asegura haber estado prisionero en el campo y que dice haber conocido a su abuelo. El encuentro marcará la vida de Carmen y de su amigo Juan Carlos, que decide ayudarla en la escritura del libro, ya que el anciano le cuenta lo que ella quería, pero también le informa de un viejo manuscrito medieval que llegó a su poder en el campo a través de un soldado. Ella queda tan fascinada por el manuscrito que decide cambiar el argumento de su novela para tratar en ella aspectos reflejados en ese manuscrito. En ese momento, tanto Carmen como Juan Carlos, ignoran que ya conocen al anciano y al resto de personajes con los que les tocará tratar en el proceso de documentación y tendrán que enfrentarse a cientos de recuerdos perdidos en alguna parte de su memoria. Juntos se tendrán que enfrentar a sí mismos y a quienes intentarán evitar que consigan sus objetivos. A partir de aquí, ambos inician un viaje que les llevará a Burgos, al condado de Cork en Irlanda y finalmente a una casa llena de magia en pleno centro de Madrid, sede de una sociedad ancestral, en donde vivirán junto al resto del personajes experiencias que jamás habría pensado que pudieran ocurrir ni en el más fantasioso de sus sueños.

PASAJERO DEBUTARÁN EN NOVIEMBRE CON "RADIOGRAFÍAS"‏


El próximo mes de noviembre verá la luz en Ernie Records Radiografías, el debut en formato largo de PASAJERO, la banda madrileña formada por Daniel Arias (Zoo, Nuevenoventaicinco), Josechu Gómez (Zoo, Nudozurdo), Eduardo Martín (Gizmo) y Eduardo R. Paynter (La Casa del Árbol).

Radiografías, producido por Manuel Cabelazí (Havalina) en los estudios El Lado Izquierdo de Danny Richter, cuenta con las colaboraciones de Álex Ferreira, Jorge González (Vetusta Morla), Nahúm García (Clint), Javier Couceiro (Havalina) y el propio Cabezalí.



lunes, 15 de octubre de 2012

PATRICIA MOON, OXYTOCIN: ALEGORÍAS QUE DIBUJAN LO ABSTRACTO EN FORMA DE SONIDOS SOUL, BLUES, SWING Y ROCK

Compositora, solista, letrista, y formada en la disciplina de la música clásica, que ella ha tratado de atenuar bajo un sinfín de colaboraciones con diferentes músicos y grupos de pop y rock, son sólo las principales notas de una artista que si sobresale por algo, es por una gran amalgama de ecos y sonidos que tienen en común la originalidad, y que en algunos casos llegan a la brillantez como en el tema All That’s left for you is to howl. Patricia Moon no se reprime y quiere probar con los diferentes estilos que copan el universo de la música popular más masiva, y así, se atreve con el swing, el rock, el pop, el folk o incluso el rhythm and blues pasado por su tamiz más personal. Ese caleidoscopio musical tan indefinido, nos hacen definir su trabajo como alegorías que dibujan lo abstracto en forma de sonidos soul, blues, swing y rock.

El cd se abre con el tema que le da nombre, Oxytocin, donde la voz de Patricia trata de conquistar un territorio marcado por las voces de las cantantes americanas y en donde el sonido de la trompeta nos retrotrae a escenarios repletos de brillos dorados de finales de los setenta y principios de los ochenta, sólo atemperados por un violín que definitivamente deviene en un solo de guitarra incisivo en la mejor tradición de Nile Rodgers y su gran grupo Chic. Una fusión de sonidos que se trasladan a una faceta más pop que intenta situar sus influencias más directas de una forma atenuada de grupos como Siniestro Total en versión pop en The last rock star. Edulcorados o no, los sonidos que busca y encuentra Patricia Moon residen en ese espacio en el que navegan las melodías de las grandes solistas americanas y This is my life es un nuevo ejemplo de lo dicho, donde las notas del violín están al servicio de la voz dura y profunda de la solista; un violín que es capaz de reproducir sonidos cargados de sentimientos y que se convierten en el auténtico leitmotiv de este medio tiempo.

Los ritmos más atemperados e íntimos de este Oxytocin dejan de nuevo paso a la fuerza de esta jovencísima gallega en Who dares to bribe death?; un tema que busca el brillo del funk rock más puro (con piano incluido); sonidos que por otra parte ya no estamos acostumbrados a escuchar y que por eso nos cuesta identificar, pero no por ello, son menos valiosos que los manidos y prototípicos sonidos indies que surcan el espacio musical español. Un sonido propio que se acentúa en la potente y clásica Oh my home, una balada dulce y suave como un claro de luna en mitad de la noche. Brillo, brillo… mucho brillo a través de una armónica perenne e infinita que revalida a cada nota su mágica presencia hasta llegar a lo más profundo. Y la armónica da pie a una trompeta que se convierte en la compañía perfecta de Patricia en All that’s left for you is to howl, como una vela que se extiende en la inmensidad del océano para surcar las corrientes más cálidas que su voz clara y cercana nos proporcionan, lo que sin duda convierten a esta canción en el tema insignia de este Oxytocin.

Blue note es un blues intenso y con sabor al mejor brebaje con añoranzas sureñas. Notas que se pierden en un sinfín de iconos e imágenes que forman parte de nuestro subconsciente colectivo (quien no recuerda a Michelle Pfeiffer sobre el piano en la memorable secuencia de Los fabulosos Baker Boys); y para que el sueño en el que nos hemos sumergido sea completo, Patricia Moon nos regala Linden street experience, toda una declaración de intenciones donde la fuerza del soul y del blues se dan la mano bajo la atenta mirada de un piano que como un suicida va en busca de nuestro corazón. Y nosotros no podemos hacer otra cosa que agarrarnos con fuerza al mástil de nuestros sueños para dejarnos llevar por estas alegorías que buscan sus propias formas en forma de soul, blues, rock, pop…

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

jueves, 11 de octubre de 2012

VETUSTA MORL AGOTA LAS ENTRADAS EN MADRID Y SUMA 2 NUEVOS PASES, 28 OCTUBRE

Vetusta Morla suma dos últimos pases al fin de gira de "Mapas" en Madrid tras agotar las entradas para los dos conciertos del día 27 en pocas horas

Las dos nuevas sesiones serán en el Teatro Circo Price de Madrid al día siguiente, el 28 de octubre. Las entradas se pondrán a la venta a partir de las 10.30 horas del próximo lunes 15 de octubre en Entradas.com

Poco menos de dos días han tardado en agotarse las localidades disponibles para presenciar el fin de gira de vetusta morla el día 27 de octubre en el Teatro Circo Price de Madrid acompañados de la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia.

Es por ello que la banda anuncia 2 nuevos y últimos pases para despedirse el 28 de octubre en el Teatro Circo Price con un recorrido por los itinerarios emocionales y musicales por los que les ha llevado su segundo álbum, mezclando tres formatos diferentes: acústico, eléctrico y sinfónico. Las entradas para los dos pases del día 28, en los que también estará permitida la entrada a menores, se pondrán a la venta el próximo lunes 15 a las 10.30 horas.

Los días 27 y 28 de octubre Vetusta Morla quemará en Madrid la última etapa de Mapas, su segundo álbum. Después de un año y medio de gira, se cierra un ciclo en el Teatro Circo Price, ocasión para la que han diseñado un espectáculo que reúne todas las mutaciones musicales que han experimentado en este tiempo.

Tres formatos diferentes se sucederán sobre el escenario. En primer lugar, se reducen las canciones a la mínima expresión para luego vestirlas de nuevo con un ropaje sonoro distinto, un ensayo de sobriedad que vetusta morla practicó en febrero en su gira por teatros. Al mismo tiempo se presentarán también canciones en su encarnación habitual, eléctrica y energética.

Además, habrá una muestra del encuentro de rock y clásica que en mayo reunió a la banda con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia en una iniciativa en favor de la rehabilitación del Conservatorio Narciso Yepes de Lorca, inutilizado tras el terremoto que sufrió esta localidad el pasado año. La orquesta al completo estará presente para revivir la que ha sido una de las experiencias centrales de la banda esta temporada. Una experiencia de cooperación a través de la música que, más allá de su valor artístico, ha conseguido resultados positivos reales para el Conservatorio de Lorca y ha generado una corriente empática entre personas diferentes y músicos de procedencia muy distinta, algo que se antoja muy necesario en los días que vivimos.

De esta manera, Mapas y sus creadores vuelven al lugar del que salieron. Éste es un disco concebido en su mayoría en un contexto doméstico, escrito en ese tránsito entre el regreso a casa y el retorno del anhelo de partir de nuevo. Y ahí es justamente donde vuelve ahora, al momento de intercambiar su fuego por palabras. Y como muchos hacen después de un viaje, nos encontramos a vetusta morla guardando los souvenirs de su periplo en una cajita. Repasando la colección de planos de calles desconocidas, tickets del metro de una ciudad lejana, panfletos de museos, posavasos de cervezas exóticas, fotografías y postales. Recuerdos de 18 meses rodando no sólo por España, sino también por Argentina, México, Inglaterra y Estados Unidos. Recuerdos, al fin y al cabo, de una historia insólita, que más allá de reconocimientos, galardones y recuentos de ventas, es el fruto de un amplio esfuerzo colectivo que ha golpeado con una excepción el rostro de la regla.

La caja de souvenirs de Vetusta Morla se llenará en dos noches con todo aquello que merece escapar del olvido, con todo lo que queda atrás pero que, al mismo tiempo, será también parte del equipaje de su próxima odisea.

twitter.com/vetustamorla

AMARAL EN BARCELONA, 20 OCTUBRE‏

La Gira Presentación, “Hacia lo salvaje”, del grupo AMARAL llega a su fin y el grupo terminará en Barcelona. Eva y Juan presentarán su directo en Barcelona el 20 de octubre, en la sala RazzMatazz 1.

Después de estos conciertos, el grupo continuará con su Gira Internacional, durante el mes de noviembre, que los llevará por diferentes países de América Latina como CUBA, PERÚ, ARGENTINA o MÉXICO y los Estados Unidos (costa Este). En breve confirmaremos todas las fechas del grupo fuera de España.

Una cita imprescindible y con las entradas ya a la venta.



martes, 9 de octubre de 2012

EL VIENTRE DEL ARQUITECTO: LA BÚSQUEDA DE LA BELLEZA QUE CONDUCE A LA MUERTE

¿Hay un mejor leitmotiv en la vida que buscar la belleza hasta el último latido de nuestro corazón? Por muy loable que nos parezca la empresa, pocos se dedican a ella con verdadero ahínco, y en la mayoría de los casos, todo se queda en un oscuro reflejo hedonista. Sin embargo, Peter Greenaway, fiel a sus postulados cinematográficos, se desmarca de la sencillez más obvia para rebuscar de nuevo en lo más profundo del ser humano, y en ese último objetivo vital que a cada uno de nosotros nos mueve día a día sin necesidad de que nadie nos lo recuerde, ejercer de notario de la vida propia y ajena. El vientre del arquitecto, entre otras cosas, es un ejercicio existencial y esteticista que no sólo se regodea en la búsqueda de la belleza, aunque ésta sea la culpable de conducirnos a la muerte. Sí, todo resulta tan sublime, que nunca más volveremos a ver a la pétrea y hermosa Roma, engalanada para una ocasión tan memorable como bajo el ojo sensible e inteligente con el que la filma Greenaway, a medio camino entre la melancolía y la magia; con unos encuadres y unos tonos de luces que la convierten en el cuento de hadas con el que siempre hemos soñado.

La belleza como arquetipo de vida, ese es el leitmotiv que mueve a Kracklite, un voluminoso y exuberante arquitecto (interpretado por un extraordinario Brian Dennehy, sin duda, este es el papel de su vida), que convierte a esa búsqueda en un sueño imposible, pero que él necesita hacer realidad para poder llegar a conocerse a sí mismo, y de este modo expresar su manera de ver y sentir la vida a través de formas y espacios bellos en sí mismos, y que él cree encontrar a través de Étienne-Louis Boullé, arquitecto francés al que se encarga de organizar una exposición en el paraninfo de la belleza: Roma. Sin embargo, este viaje fascinante se torna oscuro e inseguro a medida que avanza la narración, y se convierte en el retrato de un final, el de Kracklite, al que nadie detiene en su búsqueda de la belleza: ni su enfermedad, ni la infidelidad de su mujer, ni la corrupción de los socios encargados de montar la magna exposición sobre Boullé. Este viaje a los infiernos, lejos de ser frío y distante, es majestuoso, como majestuosas son las formas del arquitecto Kracklite, que sigue empeñado en hallar la belleza externa como máxima expresión de la pureza del alma.

Y todo ello, Peter Greenaway nos lo muestra con la ayuda del ritmo vertiginoso y lírico de una banda sonora compuesta por Wim Mertens y Glenn Branca, que aunque nos son Michael Nyman, sí se acercan lo indecible al concepto musical y narrativo que Greenaway impregna a todas sus películas, pues en varios pasajes, las manos que guían las melodías parecen las del mismísimo Nyman. Exaltaciones exacerbadas de los sentidos (imágenes, música, narración, diálogos,…) que más allá de verlos y oírlos, también se tocan y se degustan, como si la cinta en la que está grabada la película, fuera un gran banquete multi sensorial donde todo, excepto lo feo y lo banal, estuviese permitido. Porque en esta ocasión, también hay belleza en la infidelidad de una mujer embarazada con desnudos en los que luce un avanzado estado de gestación, porque son desnudos que se entremezclan con una luz tenue y vaporosa que la convierten en una mujer muy atractiva, como atractivos son los lugares escogidos para las escenas donde se perpetúan las traiciones a los sueños de Kracklite por parte de sus socios. Belleza y desidia, pasión y soledad, que fotograma tras fotograma se anteponen y se dan la mano como en la vida misma.

Nada mejor para reflejar tan alta tarea, como es la búsqueda de la belleza que conduce a la muerte, que las imágenes con las que se inicia la película (en un largo y sublime plano secuencia), que a modo de estampa bíblica de un futuro alumbramiento, nos muestran cómo Kracklite y su mujer conciben a su hijo; un ser humano nacido del amor y de la belleza, donde el gran Peter Greenaway es capaz de mostrarnos el verdadero significado de la vida. ¿Alguien puede pedir más?

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

LUBER JACK-"Llegó la hora" (Warner Music/Warner Chapell) /// 9 DE OCTUBRE A LA VENTA‏

THE LAZY JEANS PRESENTAN SU PRIMER DISCO, 'LA TIERRA QUEMADA' (LA CASA CON RUEDAS, 2012) EN MADRID. 12-13 OCTUBRE‏

Producido y editado por La Casa con Ruedas, en Daimiel (Ciudad Real), La Tierra Quemada, el primer disco de la banda de rock folk y americana The Lazy Jeans,  supone la consolidación de un proyecto que arrancaba en 2009 con Miguel Ángel Ruiz (voz, guitarra, teclados) y Samuel Pozuelo (batería). De esa época se rescatan composiciones como ‘Mis Canciones No Valen Nada’, ‘Retrovisor’ o ‘El Camino’, que dejan atrás el folk añejo, pero burlón, en el que se concibieron las canciones, y se aferran a un electrofolk con chutes de distorsión y psicodelia ruidosa. Importante en esta búsqueda de sonido, que se ha venido forjando con Eps anteriores (Pequeño Toro y el trabajo de versiones Tres Errores Consecutivos), ha sido la entrada en combate de Guillermo Fernández (guitarras, coros), Miguel Ángel Flores (bajo, coros), y recientemente de José Ramón Muñoz (guitarras, steel), que completa la formación. Histriónicos a veces, indiferentes en otras ocasiones,  The Lazy Jeans  ofrecen en su carta de presentación un pop brillante (‘Cuando Te Tenga A Tiro’), que contrasta en forma y fondo con la fusca resignación de temas como ‘Pájaro’, que cierra el disco, o la línea Heartbreakera de ‘Tres Errores Consecutivos’. Heterogeneidad bien entendida, eso sí. Puesto que el trabajo, de diez extensas canciones (la mayoría sobrepasa los cuatro minutos de duración),  acaba convirtiéndose en un “todo” atractivo de fácil digestión para los oídos menos acostumbrados a este tipo de música. Rifles, pájaros de mal agüero, alcohol, amor y chicas, ingredientes que todo el mundo tiene en su casa, pero que nadie sabe cocinar como los “lazies”.

SHUARMA EN MATARO, EL VIERNES 19 DE OCTUBRE

SHUARMA presenta “Grietas en una casa abandonada”
Viernes, 19 Octubre:
Sala PRIVAT/ MATARÓ
Acústico Duo
23:00h Concierto
12,00 euros Taquilla el día del concierto

"Grietas…en una casa abandonada" es un DVD+CD en directo en el que canta las diez canciones de "Grietas"

A mediados de septiembre salió a la venta (solo a través de www.shuarma.com y en los conciertos) el nuevo DVD+CD de Shuarma, titulado 'Grietas... en una casa abandonada' dirigido por Alberto Evangelio (Beniwood Producciones, www.beniwood.com). El nuevo trabajo del barcelonés consiste en un DVD con las diez canciones del disco 'Grietas' interpretadas en directo y grabados en distintas estancias de una casa abandonada en la localidad valenciana de Rocafort el 22 de diciembre de 2011, y un CD con el audio de las mismas.

Además se incluyen los videoclips de 'Llueven piedras' y 'Tú' como extras. Este último fue presentado al Festival de Cine y Música de Buñol (Valencia) en el que obtuvo el primer premio como Mejor Videoclip en Cortomate 2012.

“Siguiendo la estela de los grandes clásicos –desde los mejores Coldplay y U2, desde el primer Radio Futura a Bunbury– y añadiéndole una épica vacía de frivolidades, en su tercer disco en solitario el cantante y compositor catalán ha cuajado sus ideas perfectamente pulidas en un manual de rock fuera de épocas. Igual que su fuente eterna de inspiración, el siempre actual David Bowie, Shuarma da magia a canciones que penetran fácilmente sin ser fáciles. Su voz luce en el punto exacto del horizonte de su espacio musical, y los arreglos le acompañan para proporcionarle esos paisajes sonoros evocadores, penetrantes, que llenan las historias de lucha, determinación y magia. Baterías que vuelan, guitarras que pinchan, energía flotando en el ambiente... Shuarma ha conseguido conciliar su marca personal con el rock de calidad suprema. El más grande. El mejor. El que permite escuchar y el que obliga a gritar. El que despierta emociones y apetece cantar, en soledad o en compañía. El que gusta a la masa sensible y satisface al rockero exigente. Bien cuidado, y sin concesiones. Y sobre todo, fiel a su alma. Un álbum impresionante. Bello y contundente. Nacional e internacional. Sin complejos. Cuando Shuarma sea consciente de lo que ha compuesto, ya le tratarán como a un clásico del rock. Se lo ha ganado”.
(Pep Blay).

lunes, 8 de octubre de 2012

STEFAN ZWEIG, EL AMOR DE ERIKA EWALD: MIEDO, PASIÓN, ODIO, DESPRECIO, OLVIDO… PAZ

Stefan Zweig modula la narración y escritura de este relato como si de una partitura musical se tratase. En este sentido, el miedo a los demás y a la entrega última de las páginas iniciales de la narración, no son sino la representación escrita de las notas musicales más hondas y profundas de la introspección humana de las que se sirve el narrador para acompañar las ricas descripciones plagadas de metáforas y comparaciones, que a modo de instrumentos auxiliares, hacen las veces de ecos sonoros que nos facilitan el camino hacia los sentimientos contradictorios de la protagonista. Erika Ewald es, sin duda, la representación más plausible de la inocencia que todavía no ha sido manchada por el desgaste de la vida, ni se ha visto cercenada por el desdén de los sentimientos, y muy bien podría ser el paradigma del auge y caída de un sueño de amor que no sabe hacia dónde se dirige; un amor donde los sentimientos se entrecruzan y pelean por sobreponerse los unos a los otros. Y así, miedo, pasión, odio, desprecio, olvido y paz, se van superponiendo como si fueran las diferentes etapas de un río que al principio de su existencia recorre las cimas más altas y abruptas de una forma salvaje, para terminar sucumbiendo ante los mansos meandros que finalmente desembocan en un mar pleno de paz y apaciguamiento.

Zweig esta vez nos propone recorrer los itinerarios más profundos de la primera juventud; esa que es atormentada y gozosa a la vez, para crear el retrato psicológico de una mujer que hoy en día se nos antoja imposible, pues la inocencia de Erika Ewald ahora sería derribada por el entorno en el que nos desarrollamos. Pero eso no nos importa, porque una vez más, disfrutamos de la esmerada técnica literaria con la que el autor austriaco nos dibuja el retrato robot de una joven de finales del siglo diecinueve y principios del veinte, donde todo parece que está por descubrir (incluso la muerte); y donde todavía los vieneses pueden disfrutar de plácidos paseos por el Prater o por sus alrededores. La bondad de Zweig en esta ocasión, de momento no nos hace adivinar los zarpazos de las guerras que con posterioridad sembrarían de sangre a gran parte de Europa. Sangre que en El amor de Erika Ewald es un reguero interno de emociones a modo de prisma que se clava en cada uno de los órganos de la protagonista, lo que la llevará a navegar por un río pleno de emociones.

El mundo de la música de nuevo acomete con fuerza en las composiciones narrativas de Zweig, y aquí lo hace como el vehículo necesario para expresar los más profundos e intensos sentimientos del ser humano. Para auxiliarnos en este complicado viaje, la música se nos aparece como la manifestación última y más sublime de la pureza humana, como si ella por sí misma, fuera capaz de llegar allí donde no llegan las palabras; unas palabras que de una forma elegante y a veces lírica y poética nos regala Stefan Zweig, demostrándonos así, que no hay mejor manera de complementar la vida interior del ser humano que a través de la música y la palabra.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

BLANCANIEVES: UN MARAVILLOSO EJERCICIO DE HIPNOSIS VISUAL

Una apabullante fuerza hipnótica de imágenes y sonido se apodera de nuestros sentidos nada más empezar la película, que en esta ocasión, nos sitúa sin muleta en el centro de un ruedo infinito. Porque esa es la poderosa fuerza arrolladora que en sí misma posee esta versión de Blancanieves, la de dejarnos solos ante este maravilloso ejercicio de hipnosis visual que nos propone Pablo Berger, que como un inteligente y poderoso cuentista, nos narra una historia milenaria que ya nunca jamás volveremos a ver igual. Aislados en medio de este universo gótico sin claroscuros, navegamos como capitanes intrépidos en nuestra pequeña cáscara de nuez, que una vez tras otra, es víctima de impetuosas bocanadas de agua que nunca llegan a hundirnos, sino más bien todo lo contrario, porque la adaptación libre que ha hecho Berger sobre el cuento Blancanieves de los hermanos Grimm se nos antoja una historia apoteósica, apabullante, trágica, melodramática, hipnótica, expresionista, gótica…, pues no sólo ha bordado la reinterpretación de la historia, sino que además, ha sido capaz de crear a través de ella un universo propio repleto de una iconografía cargada de ecos cañís poderosamente españoles, que aquí tienen la virtud de comportarse como emblemas o estandartes de una nueva cultura.

La tragedia de Blancanieves situada en el oscurantismo de la España de los años veinte a través del mundo del toro, no sólo no sale desfigurada, sino que se reinterpreta en un maravilloso ejercicio de hipnosis visual en el que Berger se muestra como un director inteligente, intenso, distinto y único; pues su forma de regresar al cine mudo en blanco y negro es sin claroscuros, pues en sus secuencias sólo cabe el blanco sobre negro más primario como soporte de unas imágenes que son puro arte, visual y estético, iconográfico y atormentado, y bello y sublime en la vehemencia del triunfo y la muerte. Nadie como Berger ha sabido darle este matiz tan postmoderno a la Fiesta Nacional; arte sobre arte; vidas conquistadas sobre la desdicha; amores atropellados por pasiones milenarias...

Blancanieves es un claro ejemplo que en la industria del cine también hay un plan B mucho más atractivo, y sobre todo maravilloso, donde las tragedias también son épicas, pero teñidas de talento. Blanco sobre negro que se convierte en planos cortos adheridos a una pureza exultante que convive a la perfección con los primeros planos de los semblantes de unos actores que constantemente se enfrentan a la verdad. Esos soberbios primeros planos acaban en ocasiones en fundidos mágicos, como muestras de una gran lección de discurso fílmico y narrativo en desuso, y que para que todo sea perfecto, se dan la mano con la colosal música de Alfonso Villalonga. Este elemental y primario recurso cinematográfico, nos ayuda más si cabe, a adentrarnos en el lenguaje visual de los gestos, de las miradas, de las poses, del significado de un objeto, de la genialidad en la posición de una instantánea fija…, lo que nos devuelve a la esencia del cine, donde las imágenes y la música se conforman como un TODO que nos da pie a abrir más nuestra imaginación, y a explorar nuestra particular y única interpretación de aquello que estamos viendo y oyendo, en un ejemplo de ejercicio de democracia artística inigualable. ¡Qué importa que The Artist llegara primero, si Blancanieves en nada se parece a ella!, porque es verdad que los planteamientos de una y otra comparten el camino, pero no así ni el principio ni el final, y mucho menos su metapropósito estético y fílmico.

Pero para que todo resulte perfecto, hacen falta grandes actores, y si algo más hay que decir de esta Blancanieves, es que los tiene. Maribel Verdú es la mejor mala malísima de la reciten historia del cine, con una portentosa interpretación que eleva más aún el altísimo nivel de este proyecto, pero tampoco se quedan atrás Ángela Molina o la angelical y pura Macarena García en el papel de Blancanieves, sin poder dejarnos atrás esa mirada llena de ternura e incomprensión ante el sufrimiento de Sofía Oria (Blancanieves de pequeña) que enamora y traspasa la superficie del soporte en el que está filmada. Del mismo, modo que Daniel Giménez Cacho está a gran altura en su papel de Antonio Villalta, como acertados están el gran Josep María Pou o el entrañable Pere Ponce.

Blancanieves es la muestra de un que un cine español de calidad es posible, pero ahora hace falta que los espectadores no le den la espalda.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.