Tiempo de comunicaciones rotas

Tiempo de comunicaciones rotas

jueves, 30 de septiembre de 2010

THE CABRIOLETS,CLOSE: EL DULCE ENCANTO DE LA POESÍA SUICIDA


El segundo álbum de este grupo español con nombre inglés, denominado Close, es una recopilación de canciones que tienen una característica en común, que no es otra que la búsqueda de la espontaneidad y la sencillez. Y lo demuestran con un sonido limpio grabado casi en su totalidad en primeras tomas con batería, guitarra, bajo y voz, lo que les convierte en unos naturistas del sonido pop-rock más entusiastamente directo del panorama musical español.

Para esta nueva etapa de su trayectoria musical, The Cabriolets han incorporado a su formación dos nuevos miembros: Pablo Serrano (batería), quien a su vez recomienda a Manuel Cabezalí (guitarra) que junto a los miembros iniciales de la formación Bimba Bosé (voz) y Diego Postigo (bajo) dan un nuevo impulso al repertorio del grupo, que proviene de una forma espontánea de composición, no premeditada, que busca la inmediatez y la fuerza del directo. El disco se ha compuesto prácticamente en su totalidad en el local de ensayo, pensando en el directo y con un claro espíritu rockero.

Su cantante, Bimba Bosé dice: "que sus letras parten del optimismo desde el pesimismo y la oscuridad" y como decía Freud: "son una pulsión de la muerte consciente". Pero por encima de discursos metafísicos e intelectuales, su música nos recuerda a la de algunos grupos anglosajones de finales de los setenta y principios de los ochenta, en donde los artistas daban rienda suelta a sus dotes artísticas en busca de nuevos ritmos, y a fe que The Cabriolets lo consiguen con unos ritmos que entran sin avisar y que suenan diferentes, como los que conforman la composición de la canción Classifieds, una pieza tan sencilla como llena de recorridos interiores. Aunque en esta ocasión, eligieron Shining como carta de presentación, una canción que nos recuerda al Paul Weller que estaba a medio camino entre The Jam y Style Council, y que el siguiente corte del disco Blackmail, no hace sino refrendar con tonalidades más dulces.

Con Crepuscular, inician un tono más oscuro en sus composiciones, logrando grandes dosis atmosféricas con Now and Here, sin duda, el tema a descubrir del álbum, pues su Diamonds ya lo podemos disfrutar también en formato videoclip, canción cuya letra compuso Bimba a raíz de un poema de David Delfín, dando origen a una canción con una metáfora entre el amor y los diamantes en la que se contradice la famosa frase: "un diamante es para siempre" y que el grupo ha querido darle una estética muy sencilla a la vez que plástica en las tonalidades grises que ha elegido para presentar este Close. El disco se cierra con una llamativa canción Beauty in vogue, que nos recuerda a los acústicos de Everything but the Girl y a la música francesa de acordeones.


The Cabriolets o el dulce encanto de la poesía suicida están de estreno y su cd Close saldrá a la venta el próximo 11 de octubre. Al que hay que unir el siguiente calendario de actuaciones:

20 de octubre en Madrid, en la Sala El Sol.
11 de noviembre en Barcelona, en la Sala Sidecar.
12 de noviembre en Valencia, en la Sal Wah Wah.

lunes, 27 de septiembre de 2010

LUZ OSCURIDAD LUZ DE NADADORA, QUIZÁ EL MEJOR CD DE MÚSICA POP DEL INDIE ESPAÑOL EN EL 2010

Más allá de las modas o de los adjetivos con los que poder identificar a uno u otro grupo del panorama musical, existe la MÚSICA con mayúsculas y eso es lo que Nadadora nos ofrece en su nuevo trabajo Luz, Oscuridad, Luz. Audición tras audición, el nivel de sus canciones asciende como la espuma y deja perplejos a nuestros oídos, pues todavía no acaban de creerse que las melodías y las guitarras de canciones como Deshazte de mí, Me llamaréis asesino o Julie Christie vengan del noroeste español, pues la empatía con las mejores melodías de las canciones de los grupos anglosajones es sencillamente mágica, consiguiendo cuotas de composición y concepto musicales muy muy altas, y elevándolas a un nivel que está al alcance de muy pocos en este país.
Luz, Oscuridad, Luz guarda entre su estético y artístico embalaje (realizado por Guillermo Arias), música de la buena. El álbum se abre con 1987, una canción indie pop que deja muy a las claras cuáles son las magníficas intenciones de estos chicos de ese entrañable pueblo que es O'Grove y que les sirvió como carta de presentación allá por el mes de mayo, dejando con ganas de más a todos sus seguidores. El segundo corte del álbum El Sueño Ardiendo sigue en la misma línea musical, con una gran armonía de ritmos y guitarras. Tema al que le sigue Sara Dice con una proposición más oscura pero igualmente preciosista en sus brillos conceptuales llenos de clímax guitarreros.
Hasta aquí la primera parte del cd, que se rompe con la primera joya del álbum, que no es otra que el tema Siempre, potentes y magníficas guitarras acompasadas con ritmos que van más allá de Atlántico para adentrarse en la entrañas de cualquier condado de los alrededores de Londres o más allá. Ecos de grandes bandas como Lush, My Bloody Valentine o The Verve, reverberan en la fragilidad acústica de la voz de Sara jugando al mejor de los juegos posibles con las guitarras del grupo que elevan la esencia de su sonido a cotas muy altas, y que sin duda es una candidata a nuevo single. Detrás de esta maravilla llega Una nueva Vida, que ha sido elegida para el nuevo vídeo del grupo (dirigido por Pedro Corredoira) y que es un tema que se sitúa más en la línea más luminosa del álbum como 1987 o El Sueño Ardiendo.
Deshazte de mí, es ese tipo de canciones que te consiguen trasladar al universo de las imágenes a través de la música y te sitúan en el lugar de los buenos momentos, donde hay un eco que te repite sin cesar: "salí a arrancar flores para ti, flores para ti..." resonancias de otra época, de otro mundo y de otras músicas. Sencillamente genial.
Sólo sombra nos detiene en el tiempo de las reflexiones sonoras que se nutren de una intimidad llena de confesiones cargadas de miedos y ganas de huir. Evanescencia musical mezclada con dosis de la mejor oscuridad musical donde se llegan a fundir la verdad con las sombras. Me llamaréis asesino es otra de las canciones que guardan dentro de sí todos los ingredientes para situarla dentro de las joyas del álbum, pues es capaz de fundir en un medo tempo casi perfecto todos los elementos de una gran canción, como son una buena letra y una mejor melodía que logra con suma sencillez elevarnos a los altares de la autocomplacencia.
Cerca es la certeza de un lugar al que llegar para encontrarte con todo aquello que sabes que te espera; y Julie Christie es otra de las grandes sorpresas que nos tenía guardadas Nadadora, donde sobresalen los teclados de Moncho de una forma brillante, acompasando los riff de Gonzalo con su guitarra y la letra: "no volveré a disparar a las estrellas nunca más", "me dices bajo la lluvia de septiembre, que tú y yo para siempre".
El disco termina con el tema más flojo de todos, un remansiño de paz entre tantas dosis de energía a modo de nana y que han titulado como Coge mi Mano, Éste es el Camino.
Y para que quede constancia de las dosis compositivas hacia donde nos ha conseguido trasladar Nadadora mientras nos deleitábamos con su magistral Luz, Oscuridad, Luz (quizá, el mejor trabajo de la música pop española en lo que va de año) aquí dejo este micro que muy bien podría ser la letra de cualquiera de sus canciones por si la quieren incluir en su próximo trabajo:

VENTANAS SIN FONDO
Ventanas sin fondo recogen a mis huérfanos oídos. Las fotografías del verano todavía se preguntan qué ocurrió el día que te fuiste. ¿A qué saben los deseos? Reflejos rotos que nadie sabe a dónde han ido a parar. Los exploradores de sentimientos no encuentran tu rastro. Las vallas que han sido destruidas abren sendas hacia lo desconocido. Teléfonos que no suenan y palabras que no se oyen.
Tus recuerdos me arrastran hacia ventanas sin fondo. Caigo, caigo y caigo, mientras siento que tú estarás al final de la caída, en un colchón de rosas amarillas. Flores azules y pájaros verdes nos acompañan en nuestra despedida. Trazo un sinfín de corazones en el aire con tu nombre, pero todos se desvanecen entre las nubes y tu recuerdo.

domingo, 26 de septiembre de 2010

CORAZÓN REBELDE: LA MÁGICA ATRACCIÓN DE LOS PERDEDORES


Los infinitos cielos azules del Estado de Texas teñidos de sus grandes y difuminadas nubes blancas, se entremezclan en bellas imágenes junto a los colores anaranjados de las puestas de sol, como la otrora fama del protagonista Bad Blake se imponía en su vida y en el mundo del country desconociendo su actual y errática existencia. Esas plásticas y hermosas instantáneas capaces de cubrir toda una vida, ya nos anuncian que lo que en principio podría parecer como una aburrida película sobre la música popular americana, resulta ser una conmovedora a la vez que sarcástica, historia de un perdedor y su singladura por los rincones y garitos más olvidados del Estado de Texas.

Jeff Bridges consigue ganar la partida a todos sus detractores con una sólida y magnífica interpretación que no en vano le ha valido por fin un Óscar en el año 2010, y que en cierta manera nos recuerda a su gran personaje "El Nota" en El Gran Lebowsky, pero en este caso, Bridges proporciona sin tapujos (a la ex-estrella del country Bad Blake a la que interpreta) de unos certeros y verosímiles registros de todas sus experiencias como cantante y compositor (no hay que olvidar que tiene un álbum grabado y publicado). Unos matices interpretativos, a los que él se encarga de dotar con grandes dosis de cercanía y empatía, conocedor del intrínseco atractivo del personaje que interpreta, y que él sabe que contiene la mágica atracción de los perdedores. Un personaje a la deriva que es consciente que ya no encontrará su lugar en el mundo, o eso al menos es lo que él creía, pues el destino (aunque el protagonista se halle perdido en medio del desierto tejano) se puede presentar en la vida de cualquiera y cambiarlo todo.

Corazón Rebelde se nutre de los componentes clásicos con los que una buena película siempre cuenta: una historia que te engancha, un protagonista con el que empatizas y una chica que enamora y se enamora del protagonista, que en esta ocasión viene encarnada por la solvente Jean (Maggie Gyllenhall). Y si esos ingredientes están bien mezclados y servidos, es seguro que van a actuar como elementos infalibles para que el espectador se identifique con la historia y sus personajes. Y eso es lo que ocurre en esta película, que engendra una historia sin más pretenciones que la de hacernos pasar un rato agradable y a la que Bridges dota de las cualidades suficientes para subirla un peldaño más arriba y llevarla a la categoría de las buenas películas. Su intepretación está inspirada, entre otros, en Kris Kristofferson, pero él es capaz de algo más, haciéndose acompañar simplemente de su cálida voz y el manejo tan peculiar como familiar de su guitarra o su furgoneta, lo que nos recuerda a los antiguos cowboys, pero esta vez se trata de un jinete perdido en el mundo de los grandes avances tecnológicos. Pero Bridges se resiste a renunciar a lo que él considera como auténtico, y de ahí, que no entienda las nuevas formas de hacer su amada música country o el endiosamiento de las figuras actuales a las que él mismo ha enseñado, y por tanto, deudores ante él, pues de él han partido, y que en esta ocasión interpreta un Collin Farrell alejado de las grandes superporducciones.
Mención aparte se merece la banda sonora, magnífica combinación de canciones a cargo de T-Bone Burnett, entre las que destacan el tema central Hold On You o la final The Weary Kind o la existosa Fallin & Flyin con las que Bridges se maneja a la perfección y nos deja la impronta de sus dotes como cantnate.
En definitiva, Corazón Rebelde se sitúa más allá de la típica película sobre la música country a la que Jeff Bridges y su magnífica interpretación sobre la dulce estética de los perdedores, hace de ella una película entrañable.

jueves, 23 de septiembre de 2010

HOLA A TODO EL MUNDO PRESENTA EL VIDEOCLIP DE SU PRIMER SINGLE: "A MOVEMENT BETWEEN THESE TWO”

Hola a Todo el Mundo (HATEM) son diferentes en casi todo. Para empezar, parten de un planteamiento estilo cooperativa, donde los componentes del grupo quieren mantener el control sobre todo aquello que salga de sus dotes compositivas. Pero su originalidad no se queda ahí, sino que invade los campos de la formación, la instrumentación de un grupo de folk/rock y las grandes dosis de diversión y virtuosismo que les acompañan. Sin duda, un grupo a seguir en la convulsa escena indie española, llena de buenos compositores y buena música, que nos demuestra día a día que algo se mueve fuera de los círculos establecidos de la oscura y falta de nuevas ideas sociedad española.

En esta ocasión, aprovechamos para presentaros el videoclip de su primer single: “A movement between these two”, realizado por Luis Cerveró.
http://www.youtube.com/watch?v=9IyknX1Bt6w http://www.myspace.com/holaatodoelmundo

Hola a Todo el Mundo, tras presentar el pasado mes de marzo de 2010 su álbum debut homónimo y auto-editado a través de su sello “Hatem prayer team”, nos descubren ahora el videoclip del single “A movement between these two”. Videoclip grabado en cine 16 mm en una intensa y cercana colaboración entre el propio grupo y el realizador Luis Cerveró (Punsetes, Cristina Rosenvinge, Joe Crepúsculo, Marlango,..) con la colaboración de la productora de este último: Canada http://www.lawebdecanada.com/.

El argumento y el arte plasmados en la cinta han sido escritos y creados por el tándem realizador/grupo y se basa en la propia letra de la canción. Narra la experiencia mística sufrida por el protagonista, el cual realiza un viaje iniciático de la nada a la sombra y de allí, por fin, a la luz.

Os adjuntamos los próximos conciertos de la banda:
Octubre:
-Sábado 2 - Madrid-La Caja de Música- 12 h .La Casa Encendida –Música para niños-
-Viernes 8 - Sevilla. Sala Malandar. artistas en ruta .
-Sábado 9 - Puerto Sta Maria -Monkey Week Fest-–Cádiz- artistas en ruta.
-Viernes 22 de Octubre- Málaga- La Caja Blanca- Ciclos The Wildweekend.
-Sábado 23 de Octubre- Granada – Sala Planta Baja- artistas en ruta.
Noviembre:
-Viernes 5–Bilbao –Santana 27-Aniversario Fever-
-Viernes 12 – Madrid - NEU CLUB- Sala Galileo-
Diciembre:
-Sábado 4 - A Coruña- Le Club - artistas en ruta.
-Domingo 5 - Bueu- ATuruxo- artistas en ruta.
-Lunes 6 - Vigo -Fabrica Chocolate- – artistas en ruta.
-Martes 7 - Pontevedra -Sala Karma- - artistas en ruta.
-Viernes 10 - Zaragoza- Teatro Arbolé –Especial Hola a todo el Mundo+ Tulsa
-Sábado 11 - Segovia –Sala All the People. Especial Tulsa +Hola a todo el Mundo-
-Viernes 17 - Barcelona-Sala Sidecar- artistas en ruta.

sábado, 18 de septiembre de 2010

CHORROS DE ROCK'N'ROLL EN EL CONCIERTO DE SINIESTRO TOTAL EN LAS FIESTAS DE LA ELIPA 2010

Uno acudía al concierto, con la sana e inocente esperanza, de escuchar algunos temas de su nuevo trabajo Country & Western, y así, asistir en primicia al estreno mundial aunque fuese de una manera informal (pues imagino que la gira oficial se hará en invierno en salas, lejos de los recintos ferial de las ciudades y pueblos en fiestas que les han acompañado este verano) para poder trasladar las sensaciones que nos transmitieran estos viejos rockeros gallegos (aunque más bien cabría decir cáusticos vigueses de pura cepa, que no viene a ser lo mismo).

El repertorio musical de ayer, no varió mucho del que ya venían ofreciendo en esta su vuelta masiva a los escenarios, y que en el mes de junio, pudimos escuchar en la Fiestas Patronales de Tres Cantos, cuando nos acercamos al concierto que Second ofrecía también ese día en el mismo recinto ferial. Por lo que la actuación de Siniestro Total ayer en las Fiestas de la Elipa 2010, estuvo basada en la larga batería de éxitos que avalan su larga trayectoria musical. Canciones al más puro estilo del rock y del rock'n'roll de toda la vida, llegando alguna de ellas hasta en el ska, y que compartieron lugar con una gran multitud de jóvenes y no tan jóvenes (sobre todo había público masculino) que se hacían acompañar con muchos minis y petardos, dando al lugar una nota, que a nosotros nos recordó a los conciertos de antaño, como si nos hubiésemos trasladado en el túnel del tiempo pero para nuestro pesar con muchas canas y kilos de más.

Ese espejismo sonoro tuvo sus momentos más álgidos con temas como Miña terra galega, Bailaré sobre tu tumba (que el público coreó de principio a fin) ¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿A dónde vamos?... y cuando ya creíamos que no íbamos a ser agraciados con ninguno de su temas nuevos, Julián Hernández en el final de una de sus berborreas pseudoantisistema, vocalizó el título de una nueva canción ¿Sé?, pues no llegamos a distinguir el significado de sus palabras, y que viene a ser una prolongación del estilo de la música que los ha caracterizado desde sus comienzos en el año 1981.

Para finalizar, tocaron Ayatolah no me toques la pirola, y cuando ya creíamos que se iban, comenzó a sonar una música similar a la de los himnos revolucionarios rusos, y salieron al escenario con el puño en alto, desde donde esta vez sí definitivamente se despidieron.

domingo, 12 de septiembre de 2010

LA NOCHE EN BLANCO MADRID 2010: UN BOTELLÓN COLECTIVO


El ocio colectivo, como una forma de recordarnos que aún existen lugares en la ciudad en la que vivimos que merecen ser visitados antes de que nos abandonen las ganas de salir de casa, sigue gozando de una salud de hierro. O al menos, ese parece ser el ansia que mueve a miles de madrileños y foráneos a la hora de disfrutar de actividades con las que ya cuentan a diario, pero a las que son incapaces de asistir rendidos ante la rutina diaria.

La Noche en Blanco se ha convertido muy a su pesar en un botellón colectivo, donde los más jóvenes aprovechan para saltarse las ordenazas municipales sin por ello ser amonestados por los innumerables policías locales que ayer atestaban el mastodóntico recinto que circundaba las multidisciplinares actividades de la noche en blanco; y los más mayores o ya algo talluditos, aprovechan estas manifestaciones populares para ingerir muchas minisensaciones, culturales unas y lúdicas otras, en pequeñas dosis de alcohol cultural, mezclado con un refresco en forma de cola para acceder a aquellos eventos que por una vez se han propuesto visitar, pues muchas de las mejores exposiciones que ayer se podían disfrutar, hoy domingo por la mañana siguen abiertas al público en general (algunas gratis), pero sin el aditivo de que les hayan convocado sus dirigentes políticos para asistir a ellas.

El lema de este año ¡Hagan juego!, nos invitaba a interactuar en las distintas actividades propuestas, como una alternativa más barata y diferente a la de otros años, pero en muchas ocasiones, los pacientes y alegres ciudadanos simplemente se limitaban a invadir unos espacios en los que no existía ningún tipo de coordinación y que servían de vouyerismo para todos aquellos que sin atreverse a traspasar la zona oscura, preferían disfrutar de sus minis de calimocho tumbados en un césped tierno de anoche, y a partir de hoy dañado, porque esa es una de las consecuencias de la invasión colectiva de los espacios urbanos.


Una vez más, lo mejor de la Noche en Blanco fueron los numerosos transeúntes que inundaban las calles céntricas de Madrid sin esperar nada a cambio, convirtiendo las arterias principales de la ciudad, en un paseódromo sobre el asfalto. Pero más allá de eso nada, pues la invasión ciudadana ávida de atragantarse con un botellón cultural, por sí misma, se encargó de inutilizar todas aquellas visitas que al día siguiente nadie querrá visitar.

¿Merece la pena ir a la noche en blanco?

viernes, 10 de septiembre de 2010

CONCIERTO PRESENTACIÓN DE NADADORA EN LA SALA COSTELLO


El título del último trabajo de Nadadora: Luz, oscuridad, luz, nos sirve en este caso, para trasladar al otro lado del escenario las sensaciones vividas ayer en la Sala Costello de Madrid, en el showcase ofrecido por el grupo de O'Grove a la prensa. Canciones pop que hacen reencontrarte con las mejores melodías de la música popular española (aún a sabiendas de su deuda con los grandes grupos ingleses de los ochenta), y a las que Nadadora acompaña con unas guitarras de acordes afilados, consiguiendo momentos muy inspirados y llenos de unos ritmos tan sencillos como efectivos.

En esta ocasión, el lado oscuro era el local, que en una especie de tubo suburbano congrega al escaso escenario y al público asistente, y en donde la sonorización (al menos en la actuación de ayer), dejó mucho que desear, con claras distorsiones en las voces de Sara y Gonzalo, y en ocasiones, en los punteos de las guitarras cuando éstas alcanzaban su clímax, lo que sin duda deslució un concierto que en un principio tenía muy buena pinta a tenor de lo escuchado en el disco. También cabe aludir al miedo escénico de Gonzalo, que tomando las riendas de portavoz del grupo en el escenario, se limitó a agradecer con tímida voz la presencia de los medios allí congregados y poco más, con una despedida un tanto fría y casi inexistente. Ídem con Sara Atán, que su tímida voz nos sigue recordando a la de Irantzu Valencia (ex cantante de La Buena Vida) y su estilismo y mirada perdida e inocente, a la de una jovencísima Cristina Rosenvinge, pero sin melena rubia.

No obstante, ahí estaban Nadadora para defender su Luz, oscuridad, luz y a fe que lo consiguieron con canciones como El Sueño Ardiendo y Sara Dice, que junto a 1987, les van a situar en la parte alta de la mitad de la tabla del prolífico mundo musical indie español, y tras lo visto y oído ayer, no nos queda más que refrendar su candidaura a algo más, y a invitarles a dar ese salto que les permita ser un grupo mucho más mayoritario, pues la calidad de sus composiciones lo merecen, amén de que además de aumentar y convencer a un mayor número de fans, deban pulir esa tierna timidez que en el escenario puede ser interpretada como un frío distanciamiento, algo que sus letras y su música nos aclaran que no es así, sino todo lo contrario.

Nadadora tienen la virtud de transmitirnos muchas cosas, lo que a buen seguro, les situará en la banda sonora de una nueva generación de músicos y amantes de la mejor música pop española.

domingo, 5 de septiembre de 2010

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS: EL GENIO DA MUESTRAS DE CANSANCIO


En esta ocasión, el título de la película ya lleva implícito la idea que arrastra a los personajes de esta nueva entrega de Woody Allen, por lo que perseguir un sueño, se convierte en el único afán de unos personajes enredados por la insatisfacción de unas vidas incompletas, lo que sin duda viene a confirmar lo que hace poco declaraba el propio Woody Allen cuando decía que cumplir años no tiene ninguna ventaja, salvo que te haces más viejo y te acercas a tu propia muerte.


En esta película, y como no podría ser de otra manera, se encuentra el universo de Allen al completo, con una historia llena de engaños, intrigas y decepciones, que se van acumulando a lo largo del guión, y que esta vez, muchas de ellas quedan inconclusas o a la espera de que ocurra algo más, lo que sin duda es una muestra del cansancio del propio cineasta a la hora de abordar el guión y su desenlace, lo que no es de extrañar, pues no para de filmar y escribir.

Conocerás al hombre de tus sueños es otra película de su ciclo europeo, y tras pasar por Barcelona, Allen se traslada de nuevo a Londres como en Match Point, pero en esta ocasión, la fotografía se torna un tanto apagada y jugando con las tonalidades sepias, a lo que sin duda contribuye la luz especial y atenuada de la ciudad londinense, que apenas se deja entrever en la trama del film, salvo algunas escenas del Támesis sobre el lujoso apartamento de la novia-mujer de Anthony Hopkins.

De entre todos los actores, cabe destacar a Gemma Jones, que se convierte en el hilo de unión de todas las tramas a través de sus visitas a una vidente, donde Allen parece decirnos que nuestras vidas penden del caprichoso destino adivinatorio de una falsa vidente, como si nada pudiésemos hacer ante nuestros impulsos. El resto del reparto, cumple perfectamente con las expectativas de una nueva película de Allen, si bien, la actuación de Antonio Banderas parece casi anecdótica, y Naomi Watts en esta ocasión no luce tanto, a pesar de algunos primeros planos en los que Allen nos la muestra en su faceta más expresiva.


Buena música y una trama solvente aunque sin llegar a enganchar, esa es la tarjeta de visita de el último coletazo fílmico del genio Woody Allen, que quizá está empezando a dar muestras de un cansancio creativo, o simplemente sea el vaivén en el que siempre se ha ido moviendo su carrera cinematográfica. Pues eso, esperaremos a que en la siguiente nos toque la buena del bueno de Woody.

sábado, 4 de septiembre de 2010

A SACO DE JOE ORTON: DISPARATADA Y EXTRAVAGANTEMENTE DIVERTIDA


La escena teatral una y otra vez nos sorprende con su capacidad para reponerse a los múltiples avatares económicos y artísticos a los que parece estar condenada. En esta ocasión, un polifacético Teatro Arenal, reconvertido en un espacio de multisalas teatrales, ha servido de cobijo a La Compañía para poner en pie el montaje de la obra de teatro Loot, del dramaturgo inglés Joe Orton, a la que ellos han rebautizado como A saco en la versión libre que han realizado.


Más allá de su apasionada y escabrosa existencia, Orton siempre se encontró a disgusto en la sociedad inglesa que le tocó vivir, y se rebeló contra ella viviendo libremente y sin tapujos y escribiendo. Comenzó llevando una azarosa vida homosexual plagada de amantes en los urinarios públicos (que nunca abandonó), y que se puede ver en la película titulada Ábrete de Orejas que Stephen Fears dirigió en el año 1987, basada en el Diario Íntimo de John Lahr, prologada por Luis Antonio de Villena en la edición española, y editada por Grijabo en 1988.
Pero no conforme con eso, su experiencia vital fue más allá cuando ingresó en la Royal Academy of Dramatic Art en noviembre de 1950, donde conoció a Kenneth Halliwell, que fue su amante durante muchos años, y asesino, cuando le mató a martillazos el 9 de agosto de 1967 a la edad de 34 años.
Orton inició su carrera literaria en el mundo de la novela, pero ante la falta de éxito, acabó abandonándola por el teatro cuando en el año 1961 escribió Head to Toe (De los Pies a la Cabeza, editorial Mondadori 1988). Loot es su quinta obra teatral, de la que escribió el primer borrador entre junio y octubre de 1964 y lo tituló Funeral Games (Juegos Fúnebres). Tras varios retoques, se estrenó en enero de 1965, pero después de su anterior éxito con Slone, a Loot no le acompañaron las buenas críticas, algo que sucedió en los sucesivos montajes a los que se vio expuesta la obra (como a otras tantas revisiones de los diálogos), no siendo hasta 1966 cuando dirigida por Braham Murray recibió mejores críticas.
Irreverrente y despiadado, vital y sarcástico. Así era el mundo tal y como lo entendía Orton, lo que de paso le sirvió a una nueva generación de jóvenes ingleses a mostrar su impostura ante la sociedad hipócrita que les había tocado vivir. Loot es un claro ejemplo de ello, donde en clave de farsa detectivesca se mezclan el sarcasmo ante la muerte, la espontaneidad de las relaciones homosexuales, la falsedad de las buenas costumbres, la corrupción policial y de la justicia, asi como la codicia incontrolada. Como puede verse, todos ellos son valores universales del ser humano que nunca dejan de estar de actualidad, lo que le dan una frescura a la obra que cabe tildar al menos de inquietante.
A Saco mezcla todos estos ingredientes para poner en escena una disparatada obra de teatro, que su director Juan José Afonso ha intentado colorear con los tintes de la sociedad española actual, para que así nos resulte más fácil introducirnos en la postura irreverente que Orton adoptó ante una sociedad que no le gustaba, y para ello, La Compañía se sirve de un tono disparatado y ameno, irónico y divertido, para proporcionarnos un montaje tan novedoso en el panorama del teatro español como diferente (lo que es de agradecer), y de paso, arrancarnos en ocasiones risas incontroladas en los sorprendidos y numerosos espectadores que asisten a la representación.
De entre todos los actores, cabe destacar la labor del detective Peláez interpretado por Miguel Hermoso, que a la vez es el responsable de la adaptación de la obra, y que como nota curiosa, cabe decir que es un personaje que en la versión inicial apenas tenía ocho renglones.
En definitiva, A Saco es una disparatada y extravagantemente divertida función de teatro, perfectamente llevada a escena por La Compañía.

jueves, 2 de septiembre de 2010

BEAUTIFUL GIRLS: UNA HISTORIA DE REENCUENTROS Y PÉRDIDAS.


La acción de esta hermosa película, se desarrolla entre la abundante y blanca nieve de Nueva Inglaterra, a la que podríamos comparar con suaves espumas acolchadas y en las que los personajes de esta historia, a medio camino entre la comedia y el drama llenan, se depositan para recuperarse de los arañazos que les proporciona el camino hacia la vida adulta.

Divertida y acogedora, entrañable y triste, Beautiful girls nos narra una historia de reencuentros y pérdidas, donde los miedos de sus protagonistas a asumir nuevas responsabilidades nos muestran el lado más débil y humano de unos personajes que aunque a veces tienen unos comportamientos patéticos, destilan una humanidad y una tristeza ensoñadora que te hacen identificarte enseguida con ellos. Lo que hay que poner en el haber de Scott Rosenberg, pues ha sido capaz de construir un sencillo guión repleto de diálogos dinámicos y a veces hilirantes.

Las hermosas chicas a las que hace referencia el título de la película no son sino el último espejo en el que un grupo de jóvenes norteamericanos se detienen para mirar sus última y aterradora imagen de juventud, pues esas chicas que un día fueron sus novias, están a punto de convertirse en sus mujeres, y en ese indeciso movimiento de reafirmación repulsión aún tratan de esquivar, de una forma un tanto patética a veces, aquello hacia lo que están abocados.

Su director, Ted Demme, pudo contar para narrarnos esta tierna historia, de un gran elenco de actores que en el año 1996 ya eran firmes candidatos a ser estrellas de cine. Algo que parte de ellos han conseguido, y así, Matt Dillon, Uma Thurman, Mira Sorvino, Timothy Hutton, Rosie O’Donnell o Natalie Portman van conformando un magnífico reparto, en el que sobre todo destaca su equilibrio, que sólo se rompe cuando salen en escena la atípica pareja formada por el casi maduro Timothy Hutton y la treceañera Natalie Portman, proporcionando a la película ese ingrediente distinto y genial a la historia, y que sin duda, será lo que más recordaremos de esta entrañable historia de unos jóvenes que tienen miedo a perder la libertad que les proporciona una juventud exenta de responsabilidades.

miércoles, 1 de septiembre de 2010

PETER GABRIEL Y SU PARTICULAR BANDA SONORA NEW BLOOD, DE GIRA POR ESPAÑA


Melancólico, íntimo, cercano, extravagante y personal a la vez que único, así es el nuevo álbum de Peter Gabriel, Scratch My Back, una sinfonía de sonidos en la que sobresalen por encima de los temas elegidos la forma tan particular de ver la música de este genio de la música. Scratch My Back no deja de ser una nueva forma de explorar sonidos, esa entelequia musical que tanto le ha gustado a Peter Gabriel, y que le ha llevado en la última etapa de su vida musical a estar más cercano a lo que se ha dado en denominar músicas del mundo, a las que Gabriel se ha acercado para proporcionarlas un toque personal y distinto, y con ello, introducirlas en el mundo del pop o del rock, y así llenarlo de otros sonidos y otras músicas.

Ahora, en su ansia por explorar nuevos sonidos, se ha rodeado de violines y ha puesto su voz por encima de los teclados de un piano y los instrumentos de la orquesta que le acompaña. Lo de menos, en este caso, son los temas que él ha elegido para componer el álbum (cuyo criterio de elección ha sido el que le hayan marcado en el pasado), porque las versiones que nos ofrece son una magnífica y lírica banda sonora, donde Gabriel diluye las melodías de temas muy conocidos hasta dejarlos marcados por su inconfundible sello personal, donde destaca por encima de cualquier otra característica, su ansia de encontrar sonidos que le emocionen, y ese parece ser el leitmotiv en su último y controvertido trabajo, explorar nuevos sonidos.

Además, Peter Gabriel está de actualidad porque su gira New Blood pasará por Madrid y Barcelona los próximos días 22 y 23 de septiembre respectivamente, de la que cabe decir, que una vez escuchados los temas de su Scratch My Back, se comprende que sólo se acompañe de una orquesta y que haya dejado a un lado los instrumentos clásicos de una banda de rock, incluyendo los teclados electrónicos, hecho o matiz que le debe de quedar meridianamente claro a todos sus seguidores, pues aunque la segunda parte del concierto esté basada en sus clásicos, éstos deben ir preparados una vez más para asistir a ver la última reconversión musical del ex-Génesis, y que hasta el momento no ha despertado una gran expectación, a lo que sin duda hay que unir el elevado precio de las entradas, pues van desde los 45 a los 125 €.