viernes, 15 de febrero de 2013

MILAN KUNDERA, LA IDENTIDAD: LA COSMOLOGÍA QUE DIVIDE A LA FANTASÍA Y EL AMOR

El amor como el gran motor que mueve el mundo. La fantasía como el gran sustento que precisa el amor para sobrevivir. Esas podrían ser las dos premisas de las que parte Milan Kundera a la hora de plantearnos el conflicto entre Chantal y Jean-Marc. Sin embargo, la ambición del narrador va más allá y transita sobre la realidad y la ficción, el espejo y su imagen como herramientas o artilugios que le sirven al autor para hacernos pensar sobre nuestra vida real y aquella que soñamos, y así de paso, llevarnos a su terreno; un campo de batalla que representa lo que podríamos denominar como la cosmología que divide a la fantasía y el amor. Siempre hay alguien que en tono jocoso nos recuerda: “ten cuidado con lo que deseas porque corres el peligro que se haga realidad”, y en esa terrible tragedia de los deseos cumplidos, es donde acaba sumida la protagonista femenina, una Chantal poderosa, enigmática y dual, como duales son sus acciones y sus pensamientos, sus sentencias declaradas y sus deseos no confesos. A lo largo de nuestra vida nos pasamos anhelando cosas materiales, deseos, experiencias, sentimientos, pero nos suele ocurrir que, cada vez que éstos se hacen realidad, no nos satisfacen como habíamos previsto. Quizá, porque deseo y realidad nunca se corresponden al cien por cien. Chantal navega en el mundo de los deseos y la ruptura, que, sin embargo, no va a aceptar en el momento que éstos se convierten en realidad. Jean-Marc trata de complacerla y demostrarle su amor infinito, eterno, sin límite, pero también es víctima de sus propios deseos. Complacer nunca resulta fácil y menos en la figura de una mujer que, cuando ya lo ha perdido todo, no necesita buscar, sino sentir. Libre de ataduras reales necesita encontrarlas en las encrucijadas de sus pensamientos, que rebotan en su vida de una forma distinta y desfigurada como el reflejo de su propio cuerpo en un espejo, idéntico pero no igual. Chantal no se reconoce a sí misma en sus actos, como nosotros tampoco nos reconocemos delante de nuestros particulares espejos, que cada vez más, se empecinan en devolvernos nuestra propia imagen deformada y con más aristas. Las experiencias que conllevan el paso del tiempo son esas huellas que no vemos reflejadas en ninguna parte salvo en el alma, pero que sin duda están ahí, dentro de nosotros mismos en forma de accidentes vitales.

El amor también como identidad del otro, lo que nos lleva a mimetizarnos con él y a diluirnos en su esencia. Esa necesidad de amar y ser amado se transfigura en la unión física y espiritual del cuerpo y el alma. Amar para perderse en el fondo de la persona amada. Amar para no tener que revisar nuestro pasado y simplemente cargar con él. La técnica narrativa que emplea Milan Kundera para hacernos ver la experiencia identitaria de una misma experiencia en Chantal y Jean-Marc, es sumamente sencilla, pero acertada a la vez, pues la misma escena primero la narra el escritor en un personaje (desde la lejanía de la tercera persona), e hilando una frase o un pensamiento, la traslada al otro, en capítulos cortos y encadenados que, como los pensamientos, se van solapando en múltiples flashback mentales. En ese rico universo de los pensamientos muchas veces no expresados, reside otro de los puntos fuertes de la novela que, poco a poco va creciendo en intensidad, hasta acabar en un ejercicio narrativo onírico y caprichoso con el que el autor nos quiere dejar pensando, pues el amor como gran motor que mueve el mundo, para Milan Kundera, es un magnífico espacio para la reflexión.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

martes, 12 de febrero de 2013

BY THE GRACE OF GOD: ADELANTO DEL NUEVO ÁLBUM DE NIÑO Y PISTOLA

By the Grace of God es el título del tema con el que Niño y pistola presentan el que será su cuarto álbum, There´s a Man with a Gun Over There, que publicarán en Ernie Records el próximo 5 de marzo.

There´s a Man with a Gun Over There es un disco que narra una historia de desesperación y pérdida en la América profunda. La imagen de la portada es un tapiz de finales de la Edad Media llamado El unicornio en cautividad y forma parte de una serie de siete tapices sobre la caza de un unicornio. El estilo del tapiz encaja estéticamente con el sonido orgánico que buscaba la banda y su historia con la que cuentan las canciones del disco: un hombre que, cansado del sistema, decide comprar una pistola y matar a su jefe para ser libre y, después de haber cumplido su castigo, parte en busca de su origen. El hombre sometido es en realidad el unicornio que se somete al sistema por su propia voluntad, aunque eso no va a ser así siempre.

By the Grace Of God es el clímax de la primera parte de la historia, es el momento en el que Tom, el protagonista de la narración, se cuela en la casa de su jefe y le dispara a bocajarro cuando este le abre la puerta.

MAGNÉTICA PRESENTA UN ADELANTO DE SU NUEVO VIDEOCLIP "NO TIENES ALMA"

Puedes verlo aquí:

CYAN, DELAPSO: DIEZ CANCIONES QUE CONFORMAN UN DISCO PARA EL RECUERDO

Cada nota de Delapso está concebida y ejecutada bajo el signo de la irracionalidad más universalmente demoledora, la del ímpetu del corazón. Intensos, profundos y rabiosamente inconformistas, así se muestran Cyan en esta nueva entrega que, bajo el nombre de Delapso, nos presentan diez canciones para el recuerdo, y no sólo eso, porque sus proposiciones contienen un leitmotiv tan claro como contundente: el poder de la revolución contra lo impuesto. Sí, estamos ante diez canciones cuyo arrebato compositivo y musical nos atrapa y nos arrolla hasta trasladarnos a un terreno de aguas turbulentas; pero qué mejor que una propuesta de canciones emocionalmente demoledoras para los tiempos difíciles y de cambio que estamos viviendo, que como su música, nos hacen reflexionar y enarbolar el estandarte de la furia y la fuerza de los objetivos imposibles. Cyan ha transformado la rabia incontenida de sus ideas en una suerte de banda sonora que despliega sus dotes musicales como un manto infinito sobre nuestros sentidos hasta cubrirlos de una forma perfecta. Asistimos al nacimiento de unos nuevos Cyan que, sin abandonar nunca su esencia, han poblado Delapso de tiempos más intensos y oscuros; unos tiempos donde las guitarras nos descubren todo una amalgama de matices atemporales y que son la pura esencia de una música que está concebida para permanecer largo tiempo en esa vida paralela a la real, esa que se compone de pequeñas y grandes dosis de entusiasmo y magia como sólo las canciones de Delapso nos saben proporcionar. Además, Javi Fernández alcanza una madurez compositiva digna de mención, con unas letras contemporáneas y a la vez atemporales que nos describen la esencia del ser humano con mucho acierto y nitidez; una claridad a la que se suman Gorka Dresbaj, Jordi Navarro y Sebastián Lomongi para conformar el armazón perfecto de lo que a buen seguro va a ser uno de los discos del año 2013, pues por mucho tiempo que quede para llegar al final del mismo, muy pocos grupos serán los que alcancen el nivel que Cyan despliega en este memorable Delapso.

El disco se abre con el corte titulado Ballet mental, un tema puente entre su anterior disco Historias para no romperse y el actual, pero en el que ya podemos percibir ese matiz explorador de nuevas sensaciones musicales más oscuras, donde la voz de Javi Fernández se convierte en un poderoso signo de identidad. Un colectivo de raro propósito es el tema elegido como primer single de Delapso; un tema que desde las primeras notas se comporta como el anuncio del génesis, donde las guitarras y el bajo iniciales, ya nos trasladan a los nuevos territorios musicales que Cyan nos proponen con una firmeza demoledora; Un colectivo de raro propósito es una secuencia sonora repleta de buenas y arrebatadoras sensaciones que tiene muchas papeletas para convertirse en uno de los himnos del grupo. Del puro arrebato de Un colectivo de raro propósito pasamos a Aquitania, un grito existencial demoledor al que Cyan acompañan de una banda sonora que lo llena todo: “de aquí nace la fuerza/ que derrite los castillos de arena/… la marea está subiendo para cubrir los huecos/ que han dejado los pedazos de tus sueños rotos”. Después de escuchar esta letra, parece que no podemos esperar más, pero estamos equivocados, porque sin apenas un lapso de tiempo comienza a sonar Sólo es una herida, que es ese tipo de canciones que entran al fondo del corazón en la primera escucha y que muy bien podría convertirse en un próximo single, porque a nada que uno se deje llevar es “el emblema de su buena suerte”. Una gran canción que nos recuerda a los mejores Coldplay como signo de identidad de la mejor versión de la música hecha desde las entrañas. Philippe Petit es el punto intermedio del disco, que sin embargo no es el punto y aparte de nada, sino un punto y seguido más contenido pero igual de intenso, y en donde una vez más, volvemos a reencontrarnos con esa voz personalísima de Javi Fernández que vuelve a ser la mayor protagonista de la canción: “el crimen artístico del siglo/… /enfrentándose al orden aéreo/ amenazando a lo imposible a mil trescientos pies de altura/ con la elegancia de una bailarina rusa en quinta posición”.

Belva es puro coraje. Una canción plagada de aguerridas guitarras que desembocan en mareas de sueños mayúsculos que acaban en espejos rotos. Esa tenue grieta que se abre en Cyan no se frena con Síndrome de París, un nuevo regalo para los sentidos, pues transita entre la melancolía y la búsqueda de alternativas más allá del sol del Mediterráneo, todo un ensayo de vida que nos devuelve a la necesidad de volver en Enfilando la hoguera que, junto a las dos canciones anteriores, podríamos decir que conforman un conjunto temático de arreglos intensos bajo el prisma de las notas más oscuras de Delapso, y que no por ello, reducen la sensación de una madurez plena que nos llevan a otras épocas musicales donde las propuestas eran netamente más arriesgadas y alternativas. Todo un universo sonoro poderoso y genial en el que caemos rendidos sin necesidad de que nadie nos obligue a ello. El puente suspendido es otra muestra de sonidos envolventes y brillantes que nos hacen viajar hacia lugares profundamente líricos y que son la mejor tarjeta de presentación de otra de las joyas que contiene este Delapso. Frovocador es la típica canción plena de energía y argumentos que, como una tormenta perfecta, nos envuelve en un bucle que en ocasiones nos lleva a Second, pero que sin duda tiene una voz propia que pone la atención en esas falsas percepciones que nos arrollan en nuestra vida diaria convertida en un mapa sobre el que buscamos referencias a partir de las cuales poder construir referencias.

Delapso en sin duda eso, un mapa lleno de interrogantes, denuncias y referencias sobre el que volcar toda una vida, toda una experiencia vital que al menos nos permita decir que mereció la pena intentarlo.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

lunes, 11 de febrero de 2013

HITCHCOCK: LAS OBSESIONES Y DEBILIDADES DE UN MITO

Cómica, divertida, irónica, sátira y entrañable son algunos de los calificativos que se pueden argumentar a favor de este corto biopic (por el espacio de tiempo que ocupa en la vida del famoso director del suspense) que se basa en la relación que Hitchcock mantuvo con su mujer Alma Reville durante la concepción y rodaje de Psicosis y no sobre toda la vida del mismo. Desde el principio nos damos cuenta que estamos ante una versión amable y entretenida del personaje, centrada en su universo más personal, y dentro de éste, en la figura de su mujer. La experiencia nos dice que muchas veces detrás de un gran hombre siempre hay una gran mujer, y en este caso, una vez más, se cumple la regla, porque ese sea quizá el gran descubrimiento de la película, la figura extraordinariamente grande y poderosa de Alma Reville, magníficamente interpretada por una no menos grande Helen Mirren (lo mejor del film junto a Anthony Hopkins). Lo que para muchos es una decepción es sin duda el punto fuerte de la película, porque esa cercanía del personaje, no hace sino mostrarnos ese lado más humano de Hitchcock, que a pesar de ser suficientemente conocido, no deja de ser fiel y sincero con las obsesiones y debilidades del mito. La película destila enseguida una identificación plena entre espectador y protagonista, pues no deja de ser anecdótico, las veces que el público se ríe durante la proyección, un claro signo de sintonía con esa cara sarcástica de aquello que se nos cuenta. Esa cercanía, también es la culpable de, aparte de disfrutar de la película, que la misma se nos pase de una forma rápida y agradable. De lo que sin duda tienen mucha culpa sus protagonistas, Anthony Hopkins (Alfred Hitchcock) y Hellen Mirren (Alma Reville), sin menospreciar los papeles secundarios de Scarlett Johansson como Janet Leigh, Jessica Biel como Vera Miles o Toni Collette como Peggy.

Dentro de este retrato amable y cercano de Hitchcock, también hay espacio para ese mundo interior del director (sádico, sátiro y celoso). El lado más sádico e impenetrable se produce en la magnífica dualidad que se representa a través del personaje de Whitfield Cook, un alter ego de sus obsesiones más profundamente inconfesables y fuente de inspiración de su lado más perverso. En cuanto a lo sátiro, y quizá lo más obvio, somos cómplices de sus deslices fantasiosos acerca de las mujeres rubias a través de su actrices, fotos e indiscretos agujeros en la paredes que nos muestran a ese Hitchcock juguetón y finalmente inofensivo, que si es más punzante en su faceta de marido celoso.

Sin embargo, lo más importante de toda la película, y del retrato del director, es su faceta de gran observador. Su mente es como un ojo que todo lo ve, y no sólo lo exterior sino también la parte más profunda y oscura del ser humano, de ahí su éxito. Esta característica, sin duda sublime de Hitchcock, está muy bien retrata tanto en las escenas donde le vemos observar y espiar, como en la mirada que nos brinda un Hopkins inmenso en las gesticulaciones y en la forma de interpretar al mito. Una muestra de inteligencia actoral que tiene un más que fructífero estímulo en una no menos inteligente Helen Mirren, que sabe dominar y comerse al mito, para proporcionarnos de este modo, una visión mucho más amplia del maniático y obsesivo Hitchcock, que a la vez que genial, fue un magnífico representante de las pasiones y debilidades del ser humano.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.

viernes, 8 de febrero de 2013

UN COLECTIVO DE RARO PROPÓSITO, NUEVO VIDEOCLIP DE CYAN

"MALDICIONES COMUNES", NUEVO VIDEOCLIP DE JULIO DE LA ROSA‏



De su nuevo disco, Pequeños Trastornos Sin Importancia, se extrae el primer single Maldiciones Comunes, "un desahogo para los momentos necesarios", tal y como se describe en el interior del espectacular libro que acompaña al cedé. Tan espectacular como este videoclip, dirigido por Jorge Naranjo y por el propio Julio de la Rosa, que además actúa en el vídeo junto a Marina Guilarte, su compañera en la vida real.

jueves, 7 de febrero de 2013

HAVANA 7. HISTORIAS QUE CUENTAN. PRIMERA CITA: FOTOPERIODISMO CON JAVIER BAULUZ, SAMUEL ARANDA, FERN‏

"Lo importante no somos los periodistas sino las personas a las que fotografiamos, aquellas que protagonizan las historias que queremos contar. Desde hace años, enfoco la cámara y el mundo a través de los Derechos Humanos. Y cuento historias como la que aparece en una foto mía que muchos llamaron ‘David contra Goliat’, donde aparece un joven palestino defendiéndose de un helicóptero militar israelí con un tirachinas”.
Javier Bauluz, fotoperiodista

JAVIER BAULUZ, SAMUEL ARANDA, FERNANDO MOLERES Y ALFONS RODRÍGUEZ, PROTAGONISTAS DEL PRIMER ENCUENTRO DE “HAVANA 7. HISTORIAS QUE CUENTAN”
Un evento destinado a la prensa y personalidades de la cultura que girará en torno al Fotoperiodismo y tendrá lugar el 12 de febrero en el Teatro Calderón de Madrid. Con él, el Ron Havana 7 inaugura un ciclo de citas temáticas para homenajear a los mejores contadores de historias y rendir homenaje a grandes profesionales de la comunicación y la cultura.
Madrid, 7 de febrero de 2013.

El Fotoperiodismo será el protagonista la noche del próximo 12 de febrero en el primero de los encuentros temáticos del ciclo de HAVANA 7. HISTORIAS QUE CUENTAN. Una iniciativa de Havana 7 que apuesta por el arte de la conversación y constituye una reivindicación de los mejores profesionales de la comunicación y la cultura, con la que la marca reafirma su compromiso con el conocimiento y el arte más allá de la plataforma Havana Cultura, por medio de la que viene apoyando desde hace tiempo a los artistas emergentes cubanos de más talento.

La cita será a las 20h en el Teatro Calderón, y en ella, cuatro grandes nombres del fotoperiodismo español, Javier Bauluz-único Premio Pulitzer español-, Samuel Aranda -World Press Photo 2011-, Fernando Moleres -reciente Premio Tim Hetherington- y Alfons Rodríguez -Premio Godó 2010-, moderados por Alberto Granados, compartirán sus vivencias junto a una copa de Ron Havana 7, ante un público compuesto de periodistas y máximos exponentes del circuito cultural.

Está previsto que a este encuentro sigan otros, con una periodicidad mensual, dedicados a diversas ramas de la cultura y siempre protagonizados por contadores de historias con carácter, originalidad y humanidad, que encarnan los valores de Havana 7. Profesionales con una obra y experiencia tan intensas que parecen vivir varias vidas en una sola. Momentos esenciales de conversación. Porque hay historias que merecen ser contadas.

HAVANA 7. HISTORIAS QUE CUENTAN
Fotoperiodismo
CUÁNDO: El 12 de febrero de 2013, a las 20h.
DÓNDE: Teatro Calderón (Atocha, 18. Madrid)
CON QUIÉN: Javier Bauluz, Samuel Aranda, Fernando Moleres y Alfons Rodríguez.

ARTHUR SCHNITZLER, DOCTOR GRAESLER (MÉDICO DE BALNEARIO): LOS DIFERENTES CAMINOS QUE LLEVAN AL AMOR

La lectura de esta novela corta de Arthur Schnitzler nos lleva sin ningún esfuerzo a recordar otras, como por ejemplo, las del también escritor vienés Stefan Zweig, o por qué no, las de Iréne Némirovsky, pues todos ellos y sus composiciones, poseen la característica principal de retratarnos con suma maestría el perfil psicológico de sus personajes, que a pesar de pertenecer a épocas y costumbres muy diferentes a las actuales, son como un proyector cinematográfico que nos visiona imágenes y sensaciones que nos trasladan a lo que podríamos denominar como de “relatos de época”. Sin embargo, cualquiera de ellos, y por ende el propio Schnitzler, despliegan con suma habilidad su conocimiento sobre la gran amalgama de sentimientos que posee el ser humano y donde el amor podría acaparar el corolario de todos ellos, lo que de nuevo nos sitúa en el espacio universal de las luces y sombras que nos atenazan a lo largo de nuestras vidas, reconvirtiendo sus narraciones en intemporales. En este sentido, el Doctor Graesler, médico de profesión (como el propio Schnitzler hasta que la abandonó por la literatura) representa el inicio de la edad madura. Hombre soltero y de mundo que ya no tiene cargas familiares tras el fallecimiento de su hermana (también soltera) representa como nadie ese último canto del cisne vital antes de pasar al retiro. Arthur Schnitzler va a poner a prueba los sentimientos de su protagonista a través de tres mujeres, que podríamos decir que funcionan como meros arquetipos de lo que tildaríamos como de los diferentes caminos que llevan al amor. A lo largo de esos intricados trayectos será por donde deberá transitar el Doctor Graesler que, sin apenas darse cuenta, caerá en la trampa de sus propias pasiones y errados juicios.

Por otra parte, Arthur Schnitzler utiliza al Doctor Graesler (médico de balneario) como su alter ego y altavoz de las ideas que cuestionan los buenos usos y costumbres de lo que él denomina en su obra y en su vida como de pequeñoburgués. Un concepto que se desplaza a lo largo de finales del siglo XIX y principios del XX y que representa como nadie la idea de inmovilismo contra el aperturismo; un concepto que el propio Schnitzler combatirá con todas sus fuerzas, pues tanto su vida como su obra, serán el reflejo de una perfecta amalgama de acontecimientos donde se darán la mano de una forma abierta las diferentes pasiones del ser humano en su lucha con las costumbres de la época, y donde el amor y sobre todo el sexo, sin llegar a ser explícito, será planteado de una forma nueva, distinta y con suma naturalidad por encima de las convenciones al uso, así como, la mezcolanza entre personas de diferentes clases sociales, lo que derriba de un plumazo muchas de las barreras existentes en la época, y para las que una buena parte de la sociedad de entonces todavía no estaba preparada. Un contrapunto que en ocasiones llegó al escándalo y que alcanzó su máxima expresión a la hora de su muerte, pues a pesar de ser discípulo y amigo de Sigmund Freud, o del propio Stefan Zweig y de que sus obras disfrutaran de éxito y reconocimiento, acabó en el mayor de los ostracismos por parte de los estamentos oficiales a los que combatió e intentó cambiar, y tal y como recoge Zweig en su diario: “informe sobre el entierro de Schnitzler. Ningún mensaje de condolencia del presidente de la República, ningún ministro junto al féretro, la Universidad calla (bueno, las cosas claras). No pactar con esta gente, rechazarlos a todos” (Stefan Zweig, correspondencia con Sigmund Freud, Rainer Maria Rilke y Arthur Schnitzler, Editorial Paidós). Lo que nos lleva a tildar a este escritor austriaco como de rebelde con causa, y sin duda, precursor de lo que más tarde llegaría de una forma más explícita al mundo de la literatura con autores como Henry Miller o Anaïs Nin, y de ahí hasta llegar a la beat generation o el mayo del 68. Todos ellos afanados en romper la barrera de lo que conocemos como buenas costumbres, y cuya última intención, quizá no sea otra que la búsqueda de la propia identidad del individuo frente a la sociedad, y por ende, el encuentro con la ansiada libertad.

Reseña de Ángel Silvelo Gabriel.