El Futuro. Así se titula el octavo disco de Niños Mutantes. Una genialidad que les coloca en un nivel superior. No se trata de un trabajo conceptual aunque sí es cierto que la idea de futuro planea sobre muchas de las canciones, en dos sentidos. El futuro que nos espera, con el que no están de acuerdo pero que se puede cambiar, y el futuro que ellos se imaginaban a los 20 años: "Lo que íbamos a ser es lo que somos ahora y no es, ni mucho menos, tan deslumbrante, ni perfecto".
Claro que, de eso, te das cuenta tras varias escuchas porque las primeras te dejan casi en estado de shock. Ellos han estado centrados más en la música que en el mensaje y así se manifiesta.
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SÁBADO, 20 DE DICIEMBRE SALA PENÉLOPE - MADRID 20:00h Entradas: 16€ / 20€ / 25€ Anticipada en: https://es.ticketbell.com/musica/conciertos/indie/ninos-mutantes--maryland-en-madrid |
jueves, 30 de octubre de 2014
NIÑOS MUTANTES EN DIRECTO EN MADRID / 20 DIC
NP EL TEATRO MÁS INNOVADOR LLEGA A NAVE 73 CON 'HAMBRET'
Hambret es un recorrido fantasmal por el cementerio de nuestras necesidades hambrientas. La obra se desarrolla de forma coral en un espacio desolador. El vacío es tierra y en polvo eres y en polvo te convertirás. No importa cuanta sea el hambre de vivir, el peso del destino y de la tierra es más fuerte para Hamlet y los títeres que componen la corte de Elsinore. Una corte absurda, un teatrito de marionetas que juegan a ser felices, cantando grotescamente villancicos en medio del grito del caos y la venganza. La locura es sólo una máscara más, un recurso lúcido del príncipe Hamlet, perdido en sus dudas y pensamientos, para poder engañar a su tío Claudio y ganar tiempo mientras prepara una venganza que se pospone y pospone hasta provocar el derrumbamiento total de la corte para su propia vergüenza. Sarcasmo del destino. En la inmolación del héroe aplastado por la duda, a diestro y siniestro, emerge un nuevo orden... Dinamarca y su corona pasan a otro títere... La carrera hacia el poder, el hambre de conquistar una corona para lavar la herida de toda pérdida, el hambre de poder que esconde la derrota de una vida sin más rumbo que el tener control e imponer la propia ley para suplir debilidad y cumplir con el legado familiar.
Hambret es un viaje sin retorno a un lugar desolador, un cementerio de emociones, una gran tela de araña donde por fin uno se da cuenta de que simplemente todos queremos ser amados.
QUÉ: HAMBRET, COMPAÑÍA LABORATORIO TEATRO
DÓNDE: NAVE 73 (C/ PALOS DE LA FRONTERA, 5)
CUÁNDO: DEL 3 AL 6 DE NOVIEMBRE A LAS 20:30H
PRECIO: 12€ ANTICIPADAS / 14€ TAQUILLA
INFORMACIÓN Y RESERVAS: WWW.NAVE73.ES
O EN EL TELF.: 917 04 95 83
ESCUCHA "PEQUEÑA VICTORIA" DE PUPILA. ESTRENO EN MONDO SONORO
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IZAL EN VALENCIA, 14 DE NOVIEMBRE
Viernes, 14 noviembre:
Sala República/ VALENCIA
23:00h
Anticipada: 18 euros/ Taquilla: 24 euros
Es un grupo de música pop/rock originario de Madrid, formado por Mikel Izal (vocalista y compositor), encabezando una formación que completan Alejandro Jordá (batería), Emanuel Pérez “Gato” (bajo), Alberto Pérez (guitarras) e Iván Mella (teclados).
El 29 de octubre de 2013 sale a la venta su segundo trabajo de larga duración, titulado "Agujeros de gusano". En los primeros meses de vida de “Agujeros de gusano” se venden 8000 copias, entrando directamente en el puesto 8 de la lista de Promusicae y estando 25 semanas en lista de ventas. Además a finales de 2014 el grupo es preseleccionado para los MTV European Music Awards.
Entre 2013 y 2014 el grupo forma parte de más de 35 festivales, siendo cabeza de cartel en la mayoría de ellos, destacando festivales de la talla de BBK Live, DCODE, Arenal Sound, Low Cost, Sonorama, etc...
El broche de oro de esta trayectoria acaba en el Barclaycard center Madrid ( Antiguo Palacio de los Deportes de Madrid )donde cerrarán la gira para preparar su tercer trabajo de larga duración.
martes, 28 de octubre de 2014
MARY ANN CLARK BREMER, EL LIBRERO DE PARÍS Y LA PRINCESA RUSA: LA REPRESENTACIÓN DE LOS AMORES IMPOSIBLES
Apenas unos apuntes que esbozan la
historia de una breve amistad y un amor imposible, le sirven a Mary
Ann Clark Bremer para dibujarnos un pequeño retazo de las vidas ajenas
del París de comienzos de los sesenta que, sin embargo, bien podría tratarse de
ese otro París que tan bien nos retrata Irene Némirovsky en su novelas de
amor y de vida, por su atemporalidad. Como si marchasen cogidas de la mano, ambas
autoras se detienen en ese superficialidad tan aparente de los detalles, pero a
veces tan profunda, que determinan irremediablemente las relaciones entre las
personas, y por ende, las vidas humanas. El amor por los detalles o por esa
belleza intrínseca al arte más oscuro y escondido que yace tras un pequeño
bajorrelieve o tras un libro solo apto para coleccionistas que descansa en una
estantería olvidada, nos proporcionan esa atmósfera de pérdidas y anhelos que
nos sugieren tanto sin llegar a mostrarnos apenas nada. Este pequeño boceto
literario, que es una buena representación de los amores imposibles, consigue
trasladarnos a eso otro mundo que transita más allá de lo obvio, en el que las
intenciones cuentan y mucho, y donde los anhelos son como esos suspiros que se
nos escapan si darnos cuenta mientras miramos nuestra vida a través del cristal
de una ventana. Apoderarse de ese brillo, apenas perceptible, no es tarea
fácil, y Mary Ann Clark Bremer lo hace una vez más, apelando a la
sobriedad del planteamiento y de las situaciones, si bien es verdad que sin
llegar a ese cúmulo de aciertos de sus anteriores y maravillosas novelas
cortas: Una biblioteca de verano y Cuando
acabe el invierno. Pero ella es así, breve y concisa en sus determinaciones
literarias, a las que suele proporcionar el hálito de las pérdidas a las que la
vida nos somete con su sórdida tiranía, dejándonos varados en la
indeterminación de los tiempos muertos, como si fuésemos relojes a los que ya
nadie se ocupa de darles cuerda. Y en esa atemporalidad sin límite, transcurren
nuestros días, asemejándonos a esas figuras de porcelanas que permanecen
olvidadas dentro de un aparador; esas figuras que, simbolizan como ningún otro
objeto en el mundo, la representación de los amores imposibles.
Ángel Silvelo Gabriel
YA DISPONIBLE 'OTRA ERA', EL NUEVO ÁLBUM DE JAVIERA MENA
DISPONIBLE 'OTRA ERA', el nuevo álbum de JAVIERA MENA
Otra Era' es el título del cuarto material de estudio de Javiera Mena que está disponible desde hoy, 28 de octubre, en plataformas digitales.
Antecedido por el lanzamiento del single y vídeo del mismo nombre, el nuevo disco de Javiera Mena no sólo revela una esperada evolución musical desde su última entrega de estudio en 2010, sino que también una nueva etapa en su carrera.
Antecedido por el lanzamiento del single y vídeo del mismo nombre, el nuevo disco de Javiera Mena no sólo revela una esperada evolución musical desde su última entrega de estudio en 2010, sino que también una nueva etapa en su carrera.
Durante las últimas semanas, Javiera Mena parece estar en todas partes. Sus singles suenan insistentemente en la radio, los vídeos de adelanto están a punto de alcanzar el millón de visitas en YouTube, sus shows en Santiago y Barcelona han sido un completo éxito y la portada de este cuarto disco ha estado en el centro de la noticia gracias al desprejuiciado concepto del fotógrafo español Javier Bernal Belchí y el diseñador argentino Alejandro Ros.
Todo esto ha dispuesto la salida de Otra Era, el cuarto disco de Javiera Mena. Un álbum que presenta a una artista con quince años de carrera que consolida su posición como una de las artistas más influyentes del nuevo pop en español.
“Las 10 canciones de Otra Era tejen una historia, un concepto, que es la travesía del héroe en busca del amor, con distintas intensidades y estilos”, explica Javiera. En lo musical, su contenido es versátil, pudiendo llamar a la pista de baile (como es el caso de “Espada” y “La joya”) y también detenerse en esas atmósferas con los que la cantante ha ido marcando pauta en Hispanoamérica durante los últimos años.
Antes de su lanzamiento, tres singles con sus respectivos videos fueron los adelantos que permitieron tener una idea de esta nueva entrega. “Espada”, con casi un millón de reproducciones en Youtube y una nominación a los MTV Millenial Awards, captó rápidamente la atención del público en España y Latinoamérica por su sugerente propuesta. En junio de 2014, el pop bailable marcó pauta con “La joya”, para finalmente dar un giro con “Otra era” y el sutil videoclip dirigido por Javier Bernal Belchí, estrenado hace solo algunos días y que puedes ver en este enlace: http://goo.gl/AxbiY2
Como en Esquemas Juveniles (2006) y Mena (2010), Javiera Mena vuelve a trabajar con el productor chileno Cristián Heyne, con quien ha formado un tándem que se extiende hacia el sello que comparten, Unión del Sur.
'Otra Era' cuenta con 10 canciones, en las que encontramos las colaboraciones de El Guincho en 'La Carretera' y Daniel Riveros Gepe en 'Sincronía, Pegaso'.
Tracklist Otra Era:
1. Los Olores de Tu Alma / 2. Otra Era / 3. Esa Fuerza / 4. Sincronía, Pegaso / 5. Pide / 6. La Joya / 7. Que Me Tome La Noche / 8. La Carretera / 9. Quédate Un Ratito Más / 10. Espada
OTRA ERA está disponible en plataformas digitales. Próximamente también estará disponible en formato físico.
Aquí lo tienes en iTunes: smarturl.it/Javiera_OtraEra
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| En los próximos días Javiera se estará presentando en México en los festivales Nómada Emergente, Pal Norte y 212 RMX, para luego volver a Chile el 21 de noviembre al festival Pulsar en la Estación Mapocho de Santiago. |
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ALFA PRESENTA 'DESTIERRO EN SAN DIMAS'
Alfa trabaja en una trilogía de Eps que comienza este octubre con “Destierro En San Dimas” “Santa Cecilia Y El Diablo” y “El Predicador Eléctrico” completan una obra que ya tiene fechas y lugar de presentación. Serán tres noches en la sala Galileo Galilei junto a The Bang, banda que acompañará a Alfa en directo.
‘Destierro En San Dimas’ narra la primera parada de un camino que continuará con ‘Santa Cecilia Y El Diablo’ y que finalizará con ‘El Predicador Eléctrico’. Tres obras que verán la luz a lo largo de los próximos doce meses y que ya tienen fechas y lugar de presentación. La sala Galileo Galilei acogerá estas tres presentaciones los días 22 de noviembre, 6 de marzo y 5 de junio. En cada una de estas presentaciones, y como viene siendo habitual en los directos de Alfa, se regalará el correspondiente Ep con la compra de cada entrada.
‘Destierro En San Dimas’ se ha grabado, como sus antecesores, en los estudios ACME de Avilés junto a la producción del experimentado Miguel Herrero. Ha contado con la colaboración de María Rozalén en “Los Amores Bastardos”, canción protagonista de un videoclip que verá la luz próximamente. Este Ep además ha involucrado al actor, y ahora también productor musical, Canco Rodríguez que ha querido apoyar un proyecto que venía siguiendo de cerca desde sus inicios. "Cuando uno cobra de la cultura, tiene que invertir en cultura", explica el propio Canco Rodríguez cuando se le pregunta sobre esta trilogía. En el directo Alfa estará acompañado por The Bang, formación madrileña integrada por Pablo Galiano, Dani Patillas, Joe Eceiza e Iñigo Iribarne. Conciertos de Alfa & The Bang.
22 de noviembre 2014- ‘Destierro En San Dimas’. Sala Galileo Galilei.
6 de marzo 2015- ‘Santa Cecilia Y El Demonio’. Sala Galileo Galilei
5 de junio 2015- ‘El Predicador Eléctrico’. Sala Galileo
“DESTIERRO EN SAN DIMAS”, por Alfa
Fecha de publicación: 22/10/14
Fecha de presentación: 22/11/14 Galileo Galilei (Madrid)
¿Qué es el Destierro En San Dimas?... pues, para empezar, San Dimas es la calle donde está la sala de conciertos del Siroco. Siroco ha sido un embudo por el que ha terminado pasando casi la totalidad de los grupos de rock y de pop madrileños, y creo que una buena parte de los españoles, y aún más, alguna que otra banda extranjera… así que supongo que todos los que hemos estado, estuvimos o estamos en esto tenemos unas cuantas cuentas con el escenario y la barra de este sitio… quizá probásemos por primera vez alguna droga allí, quizá echamos un polvo furtivo en el cuarto de baño, y seguramente vivimos más de un momento difícil y desagradable dentro del garito.
A pesar de su nombre y de su fama, el Siroco siempre ha sido un antro, un rincón donde los buenos y los malos momentos sucedían en una hacinación de alcohol, drogas y hormonas… y en el caso de algunos como yo, en una hacinación de rock and roll... o sea, que fuimos todos los desterrados en algún momento de nuestras vidas allí, para vivir lo que en realidad queríamos vivir, para alejarnos y tomarle el pulso a la vida, lejos de la patria de los parques, los bancos y los baretos de nuestros barrios, hambrientos de nuevos perfumes y de nuevas nacionalidades que habían decidido amontonarse con nosotros en aquel lugar. Chicos y chicas de los barrios del sur, de Carabanchel y Aluche, del norte, de Tetuán y El pilar… de extrarradios más lejanos aún, y de los cercanos microcosmos de Salamanca o Bilbao…
… así fue el Siroco el escenario que muchos elegimos para conocernos, amarnos y pelearnos temporalmente, para acabar la noche volviendo a la patria en algún Búho, o en un taxi compartido… o, a veces, para convertirnos en inmigrantes de la cama y la mañana de un o una amante de otro país, desayunando churros sin haber dormido en Moratalaz o en Usera… y digo un destierro porque en realidad, estábamos obligados a converger allí, si queríamos vivir de aquella fantástica manera que las grandes canciones insinuaban… nadie puede vivir Honky Tonk Woman en el bar de su barrio… definitivamente no… no debe…
Por eso cuando malgastábamos la vida, que es la única forma que hay de vivirla como dios manda, nos desterrábamos un poco más cada baza. Hasta que empezamos a volver a casa más como combatientes ajados que como hijos pródigos. Hasta que nuestra casa dejó de ser nuestra casa. Para mí, mi patria se convirtió en una cárcel, una cárcel grande y arbolada, donde los barrotes eran mis propios principios e ideas, donde me convertí verdugo y carcelero de mis propios anhelos, que a pesar de todo fueron lo suficientemente grandes y fuertes para reivindicarse con furia, para gritar, en los pocos momentos de lucidez kamikaze, “¡huye!, ¡vete!”
Destierro en San Dimas es la primera parada que cuenta esta huida, que nada más empezar se convirtió en un viaje, porque uno no puede huir de sí mismo, pero sí viajarse, sí explorarse, sí perderse y encontrarse… como decía, Destierro… narra la primera de las tres partes de este viaje que acabará con la publicación de El Predicador Eléctrico y que pasará por Santa Cecilia y El Diablo… tres nombres cargados de simbología religiosa que no tienen en realidad nada de místicos, más bien son obscenos y viscerales, como las grandes canciones insinuaban…
DESCÁRGATE PERHAPS, LA PRESENTACIÓN DE HELENA GOCH
Helena Goch, “a voice with stormy clouds”, como comentan ya en el extranjero, es el alter ego de Helena Sanchis-Guarner (Valencia, 1987), actriz y cantante que se estrena con Ernie Records presentando “Perhaps”, avance de lo que será su álbum debut “Little Tiny Blue Men”, un disco eléctrico y vibrante donde la producción ha corrido a cargo de Julio de la Rosa.
El silencio en sus conciertos es mágico, como ella misma. Y la comunión con el público se acerca más a un rito cómplice de sonrisas –y también lágrimas- que a un concierto al uso. La han comparado con gente tan alejada entre sí como CocoRosie, Alanis Morissette, The Sundays, Marianne Faithfull o Cat Power, pero ninguna de estas comparaciones deja de ser un tímido acercamiento a alguien que ha encontrado su propia voz antes incluso que el público haya podido reaccionar ante el asombroso descubrimiento.
Tras una temporada colgando cada domingo en la red un vídeo, en directo y acústico, de cada una de sus canciones, el esperado álbum de Helena Goch, “Little Tiny Blue Men” estará en tiendas y plataformas digitales a principios de 2015.
Puedes descargarte “Perhaps” haciendo clic sobre la imagen.
RUFUS T. FIREFLY PORTADA Y ÚLTIMOS 100 PREORDERS
Rufus T. Firefly presentan la portada de "Nueve",
su tercer larga duración.
Ha sido diseñada por Alberto Rey tomando
como fuente de inspiración uno de los
conceptos más inspiradores del disco, la teoría
"Lie E8".
A su vez la banda puso a disposición de sus seguidores un preorder, una edición limitada de su álbum.
Los 100 últimos CDs podrán adquirirse a través de su Bandcamp hasta el día 9 de Noviembre.
NUEVE
saldrá a la venta el próximo 18 de noviembre.
lunes, 27 de octubre de 2014
EUGENE O’NEILL, EL LARGO VIAJE DEL DÍA HACIA LA NOCHE EN EL TEATRO MARQUINA DE MADRID: ENCADENADOS A UN OSCURO PASADO QUE DESEMBOCA EN UN DRAMÁTICO PRESENTE Y VOMITA EN UN TELÚRICO FUTURO
El
día que nacemos nadie nos programa para ser felices, muy al contrario, los
avatares de la vida nos van colocando en ese lugar que nunca habíamos pensado
que acabaríamos ocupando. Tanto es así que, en ese devenir cotidiano, el camino
elegido a veces termina en una especie de acantilado oscuro y profundo que, en
el subconsciente colectivo del que somos víctimas, se transforma en la última
frontera de nuestra existencia. Temerosos y desorientados, cuando llegamos a
ese inesperado lugar, alzamos la voz en una especie de grito sordo. Una
rebelión del todo inútil, porque en ese momento no somos conscientes que nadie
nos puede escuchar. Más adelante, nos damos cuenta que formamos parte de un
universo que no es el nuestro, y la lucha a partir de entonces se convierte en
una aventura de no retorno, donde cada día es como una prueba de habilidad
distinta a la del día anterior, y en donde la experiencia es un dato con escasa
relevancia. Hallar es el punto de partida en el que situarse, pero la búsqueda
de un asidero donde agarrarse o una brújula donde orientarse no es tarea fácil,
porque nadie posee el libro de instrucciones.
A
pesar de todo, cada nuevo día, quizá haya motivo para acariciar una última
esperanza mientras las olas del mar nos cantan una suave y
dulce melodía, justo antes del amanecer, para de esa forma contraponerse a la
niebla de la noche y a la sirena y a la luz del faro de la costa de Connecticut.
Dos de los instrumentos que el hombre ha inventado para orientarse en su
desconcierto, dos instrumentos que, como muletas, nos sirven para apoyar
nuestros miedos. Esa serena canción del mar, que se traslada a ese juego de
luces y sombras, también transforma el escenario del Teatro Marquina en un espacio
de sol y de luz, y lo hace a través de unos telones y una iluminación que nos
invita a ser uno más dentro de ese contraste de tenue incertidumbre que, sin
embargo, es a su vez, una tímida muestra de uno de los miedos más atroces que
atesora el ser humano: el del fracaso. Como nos dice uno de los principios de
la Física: “la energía ni se crea ni se destruye, solo se transforma”. Perfecto
axioma que nos sirve de regla con la que medir el cambio que experimenta la
lógica dramática que O’Neill nos invita a contemplar a
medida que progresa la función. Un avance hacia es mundo más tétrico, más
hostil, y sin duda, más tenso en el que él parece encontrarse más cómodo. Esta
minuciosa antesala del purgatorio es la que nos concita a preparar y a alertar
a todos nuestros sentidos antes de que nos recuerden eso de: “la vida no tiene
nada de malo, somos nosotros…” o que no pasemos por alto esa otra sentencia en
forma de espada de Damocles: “el hombre es dueño de su destino”… Y para que
nada falte, al abrirse el telón, vemos un sobre-escenario en forma de tarima
circular en la que poder dar vueltas y vueltas en una especie de tiovivo
infinito o de cárcel sin barrotes de la que los personajes no se atreven a
salir, pues están encadenados a un oscuro pasado que desemboca en un dramático
presente y vomita en un telúrico futuro.
Eugene O’Neill
nos vuelve a inundar nuestros pensamientos de autodestrucción y de whisky, como
si quisiera que no se nos olvidaran las funciones terapéuticas de ese líquido
mitad milagroso mitad diabólico. El líquido color malta, es aquí el líquido de la
verdad, a la que el propio coraje de los personajes no es capaz de vencer. No
se puede amortiguar la verdad a las ocho de la mañana, pero sí se puede
vislumbrar poco antes de comer con la primera copa en el cuerpo, parece
decirnos O’Neill. Esa huida, casi enfermiza, que exhiben cada uno de los
personajes de esta autobiográfica, El largo viaje del día hacia la noche,
es un proceso de redención que, sin embargo, camina hacia el epicentro de la
tormenta. Hay una necesidad en el ser humano de inmolarse delante de los demás,
y eso O’Neill lo sabe decir y representar muy bien. Ese simbolismo
perpetuo de la caída es, a veces, melancólico y casi virginal, como cuando
vemos mover las manos a una extraordinaria Vicky Peña, auténtico sustento de
esta representación; o simplemente lírico y casi ingenuo, cuando nos fijamos en
los discursos literarios y nihilistas del joven Edmund (álter ego del propio Eugene) y en su mirada perdida, cuyo
reflejo, nos invita a pensar en lo que hubiese sido su vida de haber escogido
otro camino que su falta de valor no le permitió. Nada es banal en esta representación
de las coordenadas del sufrimiento, ni siquiera las risas bobas y medio contenidas
de la joven criada Cathleen, pues dan
paso a uno de los más hermosos monólogos de Mary
(Vicky
Peña), donde sin dificultad, entendemos la dedicatoria que Eugene
le hizo a su mujer en esta obra: “escrita con lágrimas y sangre…”
La temporalidad del teatro, que no nos
permite asistir dos veces a la misma representación, sin embargo, juega a favor
en el concepto de lo efímero que resultan nuestras vidas. Y sustentándose en
todo eso, O’Neill nos propone este drama familiar en el transcurso de un
solo día del mes de agosto de 1912, para con ello, conjugar la grandeza de las
artes escénicas a la hora de representar la propia vida, esa, que sintetizada
en el gran teatro del mundo, tampoco nos permite vivir dos veces el mismo
instante. A lo que habría que añadir, que la naturalidad con la que el propio
autor ejerce de cirujano de su propio cuerpo, es la que también expresa Mario
Gas dando luz y vida al patriarca James
Tyrone sobre el escenario, donde exhibe una bohomia que en muchas ocasiones
juega en su contra. Ese quizá sea el gran talón de Aquiles de esta magistral
obra de teatro, la falta de energía exhibida por los autores en su viaje hacia
la autodestrucción, donde las borracheras no parecen ser tan terribles ni
corrosivas. Sin embargo, de esta contención actoral sale indemne una magnífica Vicky
Peña, pues a través de sus miradas perdidas y sus movimientos, sobre
todo, el de las manos, caminamos sin darnos cuenta por ese jardín lleno de
espinas que nos llevan hasta esta gran frase final: “Luego, en primavera, me
pasó algo. Ah sí, ya me acuerdo. Me enamoré de James Tyrone y fui feliz durante
un tiempo.”
Ángel Silvelo Gabriel
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